週末三連休中日土曜は、午前のうちに銀座へ出て、この展覧会を観てきました。
『ポーランドの巨匠 ヤン・レニツァ ポスター、アニメーション、イラストレーション、舞台』
20世紀後半に活動したポーランド出身のグラフィックデザイナー、絵本・カートゥン作家の Jan Lenica の、
オペラ、演劇や展覧会のポスターから、アニメーション、絵本に風刺画まで、幅広い活動をカバーする展覧会です。
1950年代共産政権時代のポーランドで活動を始め、1963年にフランス・パリへ移住、1986以降はベルリンを拠点としていましたが、パリやベルリンの時代でもポーランドの劇場や展覧会の仕事を続けていました。
同時代のポーランド出身のグラフィックデザイナーというと、ギンザ・グラフィック・ギャラリーでは
Henryk Tomaszewski [鑑賞メモ]、
Roman Cieślewicz [鑑賞メモ] と取り上げてきましたが、彼らと共通する、
また同時代のチェコの映画ポスター [鑑賞メモ] とも共通する、
シュールレアリズムの影響を感じるポスター・デザインです。
といっても、余白使いやフォントのレイアウトに20世紀半ばのモダニズムとの共通点も感じる Tomaszewski や Cieślewicz と比較して、
画面を埋めつつすような有機的な形状のドローイング、手書きレタリングやセリフのある書体の多用など最もシュールレアリズム的です。
オペラや映画のポスターは、そのイメージを引用して構成するのではなく、自由に着想して抽象化して象徴的に描いた人物像等をメインに据えたもので、
元ネタを知っていると、映画とポスターとのイメージの間のギャップが面白く感じます。
その絵の強さもあって19世紀以前のクラシカルな作品のものよりも、
Lulu や Wozzeck のような20世紀オペラの方がポスターの作風にも合って、目を引きます。
(実際、ギンザ・グラフィック・ギャラリーのパンフレットは Wozzeck が使われていました。)
しかし、ツボにハマったのは地獄の業火に焼かれる Don Giovanni。
その場面を選びますか、と思いつつも、Ivo van Hove 演出を思い出して [鑑賞メモ]、やっぱりその場面を使うよね、と。
また、映画ポスターよりも人形劇ミュージアムやサーカスのポスターに、
絵本作家としての作風にもつなががる不気味可愛さが感じられました。
同時代チェコとの関係といえば、Karel Zeman のアニメーション映画
Vynález skázy [pl. Diabelski wynalazek] 『悪魔の発明』 (1958) のポスターが、
映画におけるイメージを比較的ストレートに引用したデザインだったのも、印象に残りました。
アニメーション作品に関する展示は原画などの関連資料展示だけでなく、
2Fライブラリを使って、15分弱の短編作品を2本、フィルムでではなくデジタル化したものをプロジェクタで上映していました。
Walerian Borowczyk と共同監督した Dom [en. House] 『家』 (1958) は
実写とストップモーションアニメーションを組み合わせたシュールレアリスティックな作風。
もう一本、Labirynt [en. Labyrinth] (1963) は、
19世紀風の細密で白黒の、時に一部彩色された挿絵版画を切紙アニメーションにしたもので、
そのコラージュ的なセンスとシュールな展開は、
アニメーション化された Max Ernst: La femme 100 têtes 『百頭女』 (1963) を観るようでもありました。
森美術館でアニュアル開催されている、日本の現代アートシーンを取り上げる展覧会です。
前回行ったのは3年前 [
フライヤやポスターにもその写真が使用されていた A.A.Murakami 《水中の月》 (2025) は、
煙を封じ込めたシャボン玉を、モノクロの色彩感も含め、柳の木のような形の管から玉がまろび出るような造形にスマートに仕上げ、フライヤに取り上げられているだけのものがありました。
窓の外の地平線とウイスキーの水面を合わせたインスタレーションも、存在感がありました。
また、映像字幕や香港の敷石をコンセプチュアルかつミニマリスティックに模した展示をしていたノルウェー出身東京在住の Garder Eide Einarsson や、
尾道の民家の瓦屋根に着想したマレーシア出身で広島も拠点とした Shooshie Sulaiman など、
いわゆる海外をルーツに日本で（も）活動する作家に存在感があり、そこに時代を感じました。
メインの東京都写真美術館の順路上最初のフロアとなるB1Fは規模大きめのインスタレーションが4作品。
リサーチに基づきビデオも使って国際美術展らしい洗練を感じましたが、少々、空虚さも。
むしろ、続く2Fの展示がよかったでしょうか。
オーストラリアの作家 
台湾に残した日本文化の影響のうち1950-60年頃に作られた日本の曲に台湾語の歌詞が付けられた歌3
曲に着目し戦前の日本統治時代の女学校等に遡り音ではなく刺繍を使った作品にした、
台湾の作家 
東京都現代美術館収蔵作品から、田中未知／高松次郎の言語楽器《パロール・シンガー》 (1974) が展示されていて、そんなものもあったのか、と。
3Fはコミッション・プロジェクトと東京都コレクションが半々の展示でしたが、
東京都コレクションの展示の方が興味深く観られたでしょうか。
さわひらき のビデオ作品 «pilgrim» (2022) は朝香宮邸竣工写真の組み合わせで展示されて、
2022に東京都庭園美術館で観たサイトスペシフィックな上映 [
館内B1Fや2Fのロビーや階段室を使って、京都を拠点に活動する
東京都写真美術館のある恵比寿ガーデンプレイスのセンター広場では
exonimo のモニュメンタルなインスタレーション《Kiss, or Dual Monitors》 (2017) の2026年恵比寿映像祭ヴァージョンが設置されていました。
東京都写真美術館2Fに撮影ブースも設けられ、観客参加型に。このような野外展示も芸術祭らしいでしょうか。
地域連携プログラムからは、かつて NADiff a/p/a/r/t のあったビルの3階のギャラリー 
東京都現代美術館での展示同様、空気で膨らませるラテックス製の舞台美術やボディスーツを使ったもので、その色彩造形もキッチュなもの。
登場するのは、家畜として改造された動物とその排泄物で生きる生物をカリカルチャライズしたキャラクターで織りなすパフォーマンスでした。
物語的な展開はほぼ無く、かといって音楽的に時間空間を抽象的に表現するものでもなく、儀式的とも感じられるパフォーマンスでした。
美術館でインスタレーションとして観るよりもその不気味可愛さが出て良かったと思う一方で、期待したほどには面白くはならなかったな、とも感じてしまいました。
エアーで膨らませたボディスーツは中の人の動きを制約する上に細かい動きを隠してしまうため、被り物を使ったキャラクターショーに近いものになってしまいます。
中の人が外のキャラクターとは前後逆向きに入っていると思われるサエチキンなど造形と動きの妙を感じるものもありましたが、
結局、新体操的な動きも駆使して飛び回った 浅沼 圭 のハエ／黒子が最も面白かったかもしれません。
南米チリ出身で、クーデターと Pinochet 独裁を経験後、1982年に渡米、ニューヨークを拠点に現代美術の文脈で活動する作家の個展です。
最初期1970年代チリ時代の作品から、この展覧会のための新作までを辿る、回顧展的な内容でもあります。
受賞した 
初期の作品を中心とした小規模な作品を集めた最初のギャラリーの展示は観念的に過ぎるかなと思いましたが、
1985年にブラジル東北部の露天掘り金鉱山 Serra Pelada の劣悪環境下で働く零細鉱夫 (Garimpeiro) を撮った写真に基づく 
もしくは、南アフリカ出身の報道写真家 Kevin Carter の1994年の Pulitzer Prize 受賞とその2ヶ月後の自殺を取り上げた 
Sol LeWitt: Open Structure
20世紀後半 Minimal Art と Conceptual Art を橋渡しする文脈で知られたアメリカの現代美術作家 Sol LeWitt の個展です。
最近では『ミニマル／コンセプチュアル』展 (川村記念美術館, 2022) での立体作品が印象深いですが [
また1990年代の作品、小ぶりの版画作品 «Complex Forms» (1990) では手書きの非直線が使われてる一方で、
色面の塗り分けをという共通点のある «Wall Drewing #770» ではマスキングテープを使ったと思われる手書きを感じさせない直線が使われているなど、
その差異とコントラストも印象に残りました。
東京都と TOKAS (Tokyo Arts and Space) によるアニュアルの現代美術の賞の第5回の受賞者展です [
様々な視線や音への注意が誘導される空間構成の中を歩いていくうちに、
呉 のルーツでもある済州島出身の祖母にはじまるナラティヴも辿ることになります。
足場の間を歩きながら誘導された視線の先の視野の面白さを堪能しつつ、
最後の《海人の道》と《椿の咲くところ》で呉のナラティブにじっくり向かい合う、という展開も良かったです。
コレクション展示室の中では、3階の展示室を使った 中西 夏之 と 池内 晶子 の展示『弓形とカテナリー』。
『あるいは、地のちからをあつめて』 (府中市美術館, 2021-22) [
この展覧会は2025年2月の全館オープン以来 約1年間開催されている一連のリニューアル記念展の最後の展覧会です。
リニューアル後、『第8回 横浜トリエンナーレ』 (2024) [
戦後間もない1950s-1960sの日本の女性の美術作家による抽象的な絵画表現を、当時の欧米での潮流の日本での受容の観点から振り返る展覧会です。
1957,8年のフランスの美術評論家 Michel Tapié 来日による欧州の潮流であるアンフォルメル (Art informel) [
取り上げられてい作家は、この時期に抽象的な絵画表現に取り組んでいた女性作家で、具体美術協会(田中 敦子, 白髪 富士子) [
このような企画意図はありますが、1950s-1960s日本におけるアンフォルメルやアクション・ペインティングの受容や批評等の中での女性作家の扱いを、関連資料の展示で浮かび上がらせるような展覧会ではありません。
むしろ、それは展示前半にある年表や、会場14箇所で配布されるそれぞれ異なるテーマのテキストが書かれたA6判4ページの「別冊」で示される程度。
展示としては、関連する14名の作家の作品としっかり見せるものでした。
アンフォルメルや抽象表現主義と同時代を感じさせる抽象的な絵画が主ですが、
立体派などの戦間期アバンギャルドに近いデフォルメされた抽象度高めの具象や、60年代のポップアートに近い色彩感覚の作品まで、多様性も感じる展示でした。
多くはなかったですが立体作品も展示されていて、むしろそちらに目が止まってしまいました。
特に、今までほとんど意識することの無かった 多田 美波 の良さに気付かされました。
宮脇 愛子 や (立体はありませんでしたが) 福島 秀子 の抽象度の高さも良かったでしょうか。
サスティナビリティをテーマとした国際写真賞プリピクテ Prix Pictet の第11回の最終選考者 (ショートリスト) の展覧会です [
特に良いと思ったのは、コンゴ共和国の Boudouin Mouanda。
2020年に首都ブラザビルを襲ったコンゴ川洪水に取材したものですが、洪水が治った後に、住民自身が直面した状況を象徴的な形で演じた演出写真としています。
一見では災害を題材としているとは思えないような、そして、サブサハラ・アフリカの現代美術 [
総合開館30周年記念で企画されたグループ展です。
美術館レベルでの個展でもおかしくないような作家5名で、個展を観たことがある作家もいて、既視感を強く感じる展覧会でした。
しかし、どうしてこの5人なのか、展覧会を通してのテーマはあるのか、どうも判然としないものがありました。
5人中2人が広島原爆投下に関わるテーマの写真が展示され、1人もそれに関する写真が含まれていたので、
展覧会を通底するテーマの1つのようにも感じられました。
京都服飾文化研究財団の服飾作品や資料のコレクションに基づく1920年代のデザインの流行 Art Deco をテーマとした展覧会です。
Paul Poiret, Jean Patou などの1920年代パリのモード、女性向けファッションを中心に据えた構成ですが、
Gabrielle “Coco” Chanel, Madeleine Vionnet, Jeanne Lanvin ら女性のクチュリエを特集したコーナーや、下着やスポーツウェアのコーナーも設けられているところが、この展覧会の特色でしょうか。
しかし、華美なハイファッションのドレスや装飾小物が多く展示される中、Art Deco 本流というよりむしろ同時代の Avant-Garde とも言える Sonia Delaunay のコートに惹かれてしまいました。
