先週末三連休中日日曜は昼に恵比寿へ。これらの展覧会を観てきました。
総合開館30周年を記念してのコレクション展の第2弾です。
第1弾 [鑑賞メモ] に続いて学芸員４名の共同企画で、
「撮ること、描くこと」、「dance」、「COLORS」、「虚構と現実」、「ヴィンテージと出会うとき」の5つのテーマ展示 (「COLORS」が4人の共同企画で他はそれぞれの企画) の組み合わせです。
第1弾の開館記念展の再現のようなわかりやすさはありませんでしたが、
第1室に展示されたHenry Peach Robinsonの合成印画法と第5室に展示されたAnsel Adamsの技法Dodging & Burningに発想の近さを感じるなど、個々の企画を超えて意外な相関に気付かされました。
個別の作家では、ニュージーランド出身で戦間期はロンドンで活動した Len Lye の純粋映画的なアニメーション、
1970年代後半に南カルフォルニア Zuma Beach の廃住居に抽象的なグラフィティなど手を加えてカラーで撮った John Divola: Zuma Series など、
芸術運動的な文脈から見落としがちな作家に目が止まりました。
日本の作家では、液晶絵画的な映像作品の液晶モニタに実際のペインティングをオーバーレイした
exonemo: Heavy Body Paint (2016) に引かれました。
Luigi Ghirri: Infinite Landscapes
測量技師としてのキャリアの後、コンセプチャルアートの影響下で1970年代から1992年まで活動したイタリアの写真作家の展覧会です。
といっても、意識して観るのはこれが初めてで、イタリアの写真史もしくは現代美術史の中での位置付けなど、表現の文脈も把握できていません。
やはり日本と米英仏独程度しかちゃんと観てこなかったのだなと、反省させられました。
正面性の強い構図で絵を描くかのようにパンフォーカス気味に撮った写真が多く、
鑑賞者も入れ込んで美術館の中の絵画を撮ったものなど Thomas Struth など連想させますし、
いわゆる Becher Schule のドイツの写真に近いものを感じました。
その一方で、そこまで即物的でクールではなく、彩度を抑えたほんのり色温度低い画面作りに人間の体温を感じられるようでした。
B1F展示室では『被爆80年企画展 ヒロシマ1945』 [Hiroshimada 1945 — Special Exhibition 80 Years after Atomic Bombing]。 2023年に報道機関と広島市が共同でUNESCOの「世界の記憶」[Memory of the World] への登録を申請した「広島原爆の視覚的資料 ― 1945年の写真と映像」 (写真1532点、映像2点) を基に構成した展覧会です。 この前の展覧会『ロバート・キャパ 戦争』もそうでしたが、 今までにも本やTVドキュメンタリーなどで観たことのある写真もありましたし、 個々の写真の持つ迫力ももちろんありますが、写真約170点という量にも圧倒されました。
三連休最後の月祝日は、家事や近所での買物などはしましたが、どこにも出かけず完全休養にまる1日あてました。 母が倒れて入院して以来1ヶ月余り、週末は潰れていたのですが、急性期からリハビリ病院へ転院して、少し落ち着きました。ひといき。
ステージでやるのかと勘違いして会場に着くのが遅れ、最初は人垣越しに遠目に、そのうち比較的余裕があり雨にも当たらない2階客席側から観ました。
Anselm Kiefer
(西)ドイツで1960年代から現代美術の文脈で活動するAnselm Kieferの大規模な個展は、
回顧展ではなく2010年代以降の作品で構成された、美術館・ギャラリー以外の場所を使っての展覧会です。
20世紀の作品を美術館の収蔵品展示で観たり、
この展覧会の主催者でもある 
会場となったのは1994年に
二条城の豪華絢爛な金箔地の襖や壁と Anselm Kiefer の金字の絵画の類似がこの会場へ導かれるきっかけ [
しかし、大人数の宴席の調理を目的とした機能的で飾り気ない広い土間や板の間が広っており、
日本家屋にしては現代美術の大きな作品の展示に向いた大規模な空間です。
作品や展示の文脈を読み込むことを促されるような展示ではありませんでしたが、空間の雰囲気を展示込みで楽しむことができました。
ホワイトボックスというよりブラックボックスに近い展示空間に、
ほぼ照明を使わず開かれた戸や障子ごしの自然光を生かした展示は、抽象表現主義にも近い粗いテクスチャの画面の凸凹や金色の煌めきを際立たせていましたし、
大判な絵画も狭苦しく感じず、その展示空間の光の趣も含めて楽しみました。
特に、台所の板の間が広がる空間を使い、障子こしの柔らかい光をオブジェに対して逆光というか背景光とする展示が気に入りました。
台所の入り口前、土蔵に囲まれた場所に置かれた高さ10m近い鉛、スチール製の 
Cerith Wyn Evans はウェールズ出身、1980年代は映画監督 Derek Jarman のアシスタントして
映画だけでなく Throbbing Gristle、The Smiths や Pet Shop Boys のミュージックビデオを、
また自身が監督として The Fall のミュージックビデオを手がけるなどの活動をした後、
1990年代以降はコンセプチャル・アートの作風で現代美術の文脈で活動しています
[
会場は京都の築約150年の町屋をほぼ築当時の状態に復元して使うという形で2023年にオープンしたギャラリー。
そのギャラリーに入り、建物の内部を眺めても、一見、展示があるようには見えません。
注意して見ると、壁際に透明なガラス板が立てかけてあります。
障子やガラスの窓や戸を越して入ってくる光をそのガラスが反射するささやかな煌めきを、
陰影深い近世日本建築である町屋の空間と合わせて楽しむインスタレーションでした。
内藤 礼 のインスタレーション [
それ以外にも、床の間を使ったインスタレーションや、ギャラリー内を撮影したフォトグラビュール (フォトエッチング) 作品もありましたが、
インスタレーションで体験する陰影のあわいに比べると趣に欠けるものでした。
展覧会を2つ観た後はホテルへ。真夏日ではないもののそれに近い暑さに参っていたので、荷物を置いて、ひと休み。
その後、バスで河原町三条へ。新京極商店街にあるレコードショップ、
戦間期からミッドセンチュリーにかけての20世紀の住宅に焦点を当てた建築展です。
この時期に建てられてた傑作と見做される作家性の高い14邸を、
モダンな住宅と特徴付ける7つの観点 (衛生, 素材, 窓, キッチン, 調度, メディア, ランドスケープ) から読み解く展覧会でした。
14邸が強く順序づけられることなく置かれ、その中で資料を観点と紐づけられた色分けで示す展示です。
年代順や7つの観点ごとのような手がかりの薄い展示構成にしばらく捉え所無さを感じたのですが、
住宅に限らず建築はある1つの観点のみの問題解決をしているわけではなく、
14邸を核に多面的な解決を示しているということが腑に落ちてからは、むしろ回遊性の高さを楽しみました。
そういう点で最も興味深く観たのは戦前日本の2邸、
藤井 厚二『聴竹居』 (1928) と 土浦 亀城『土浦亀城邸』 (1935) でした。
特に、『聴竹居』は和洋折衷というものですが、単に様式的な混交というよりも、
衛生面などモダンな解決がされたものだという点にに気付かされたり。
もちろんそれだけでなく、戦前の松竹や東宝のモダニズム映画の舞台にありそう、というか、
戦前のモダンな生活を垣間見るような興味深さもありました。
ほぼ欧米もしくは日本の男性の建築家ばかりの中、非欧米日本でかつ女性の建築家で取り上げられていたのが、
イタリア出身でブラジル・サンパウロで活動した Lina Bo Bardi による 
モダニズム色濃い邸宅が揃う中、出口近くに展示された Frank Gehry: 
1914年オーストリア・ウィーン生で、1930年にウィーンで女優デビュー、1938年にハリウッドデビューした映画女優として知られる、
また、無線通信で広く使われている周波数ホッピングスペクトラム拡散方式の元となる周波数ホッピングによる秘匿通信技術を
アヴァンギャルドの作曲家 George Antheil と共に発明した発明家としても知られる、
Hady Lamarr に着想した作品からなる展覧会です。
といっても、彼女に関してサーベイした資料を雑然と積み上げたような作品ではなく、
着想した造形作品を追う中に、彼女の一生の多面性や人生の困難が浮かび上って来るような作品でした。
もう一つは、発明家だった Hady Lamarr の秘匿通信技術を含む様々な発明を
3Dプリンタで造形して当時の資料や映像と組み合わせた作品
「暗号通信システムとコーラ・タブレット」 (2025) です。
三つ目は、Hady Lamarr に関係するインタビュー等の音源を電球の光にアナログ変調し
小型のソーラパネルに繋いだスピーカーで復調して聞かせる作品
「メルクリウス―ヘディ・ラマーの場合」 (2022-) です。
このインスタレーションが、視覚的にも美しく、ローファイな音の響きも良く、また、観客を能動的に動き回ることを促します。
この電球を使った作品が、自動ピアノに着想した作品や3Dプリンタの作品を繋ぎ合わせて、展覧会全体としてインスタレーションとしてのまとまりを作り出していました。
また、使われる音源の中で彼女の発明家だけではなくハリウッド女優としての面も取り上げることで、
彼女の生涯から当時の女性が取りうる選択の限界も見えるような、興味深いものとしていました。
岩手県盛岡市を拠点に活動する劇団による街の歴史に取材した作品で、
観客に街歩きガイドしつつ、歴史的エピソードを関連する場所で上演する作品です。
出発点は青葉シンボルロードの市庁舎側、そこから呉服町商店街を札の辻へ、七間町商店街を進んで、
青葉シンボルロードのもう一方の端の常磐公園がツアーの終点でした。
LINDA × 金光 佑実 × naraka
普段は劇場で公演している関西拠点のジャグリング・カンパニーで、野外はほぼ初めてとのこと。
タイトルから予想されるような借景を活用したサイトスペシフィックな演出というほどのものはなく、
かつての大道芸フェスティバルin静岡でオフ部門のパフォーマーを観ているような気分になりました。
しかし、男女混成でかつ3人組という編成や、台詞というか音楽に合わせてのラップのような語りを使う所など、
他の大道芸でのジャグリング芸ではあまりなさそうな特徴もあるパフォーマンスでした。
劇場公演も多いのですが、大道芸フェスティバルにも度々出演している、フィジカルコメディの2人組です。
その名は度々目にしていたのですが、タイミングが合わず、今回初めて観ました。
福岡を拠点に活動する 乗松 薫 と 鉄田 えみ のダンスカンパニーです。
コンテンポラリー・ダンスの文脈で名を知ってはいましたが、観るのは初めてです。
彼女たちが街中でダンスながら移動する様子を観ながら追いかけるという展開を想像していたのですが、
彼女たちのダンスの見せ場はありましたが、むしろ、願いを書いた大きなしわくちゃの紙を観客の皆で持って移動する (パレードする) という、
観客参加型のパフォーマンスという面が強いものでした。
去年に引き続いての [
19世紀末から1930年代頃まで活動したスウェーデンの女性の美術作家 Hilma af Klint のアジア初の回顧展です。
2018年の Guggenheim Museum での展覧会
キューレーションで強調されていたのかもしれませんが、予想していたより神智学・人智学からの影響を強く受けた表現でした。
19世紀末の王立芸術アカデミー在学中や挿絵作家としての作品もありましたが、
クリエイティヴ・ピークは1900s-01sの絵画やドローイングで、
1920s半ば以降は主に過去のノートの編集・改訂の作業となっていました。
神智学的な認識を図式として表現したダイアグラムとしての抽象表現ということで、
この時代のポスト印象派からキュビスムのような表現を経て抽象へ至るモダニズム的な色彩と形態の抽象化の流れとはかなり異なった系譜の抽象画でした。
同時代で似たものとしては初期 Bauhaus で描かれた教育の理念や体系を図式的に示したものなどを連想しましたが、
神智学的な認識が着想源という点では、むしろ、シュールレアリズム的な表現に近しいものを感じました。
カナダ出身の現代美術作家2人組の個展です。
立体的なサラウンド・サウンドを使ったインスタレーションでも知られますが、
小さなギャラリーでの個展ということで、小ぶりな壁付けのファウンドオブジェのアッサンブラージュ作品11点が展示されていました。
彼ららしく音が出る作品で、アッサンブラージュの造形も、またシュールレアリスティックで演劇的な時間展開が感じられるという点でも、
2017年に金沢21世紀美術展で見た個展 [
小ぶりのスーツケースを持ち運びの人形劇場に仕立てた 
他の作品はここまで演劇的な仕掛けがあるわけではないのですが、
作品に付けられたスイッチを押すと、数秒から数十秒の音が流れます。
作品に動きがあるというわけではなく、流れる音も明確な筋が作り込まれているわけはないのですが、
音により時間の進みが感じられるようになり、アッサンブラージュされたファウンドオブジェから物語がうっすら浮かび上がるよう。
ボタンを押すことで始まる超短編の人形劇／人形アニメーション観ているような、そんな楽しさを感じました。
2000年代以降に現代美術の文脈で活動する作家の個展です。
グループ展で観たことはありますが、個展は初めてです [
1915年から1930年前後までの Sophie の仕事は、テキスタイルや服飾のデザインに始まり、
やがて家具や内装のデザインに仕事を広げていきます。
彼女の仕事がテキスタイルから始まるところに、
女学生は希望によらず織物工房に所属されたという Bauhaus の話 [
テキスタイルや家具・内装のデザインは、ダダ〜シュールレアリズムからの影響はほぼ感じられず、
同時代のアール・デコ (Art Deco) のような豪華さを感じさせるものとも異なる、
むしろ Bauhaus や構成主義 (Constructionism) に近い質実さを感じるデザインです。
人形劇 
1930年代に入ると Sophie は絵画の作家としての活動に重心がうつります。
Jean もシュールレアリズムと決別して短期間ながら Abstraction-Création に合流。
有機的な曲線を使う Jean の抽象に対し、Sophie は構成主義からの連続性を感じる直線や円を多用した構成という、2人の対照を感じさせつつ、
コラボレーションもあって次第に作風が近づいていく感もありました。
Sophie の死後となる戦後は、Jean はレリーフや彫刻をメインに制作するようになるのですが、
Jean らしからぬ というか Sophie らしい構成主義的なドローイングをレリーフ化した作品に、
Sophie と Jean の最良のコラボレーションを観るようでした。
総合開館30周年を記念してのコレクション展の第1弾です。
学芸員5人による共同企画で「写された女性たち 初期写真を中心に」、「寄り添う」、「移動の時代」、「写真からきこえる音」、「うつろい／昭和から平成へ」の5つのテーマ展示の組み合わせになっていました。
1995年の総合開館記念展『写真都市TOKYO』の再現を含む「うつろい／昭和から平成へ」で王道の30周年記念企画を押さえつつ、
誰かということだけでなく被写体の女性の姿勢、動きなどにも着目した「写された女性たち 初期写真を中心に」を興味深く観ました。
個別の作家では、インターセクションとして配された 山本 彩香 〈We are Made of Grass, Soil, and Trees〉 (2014-2015) の青みがかって幻想的な一連の演出写真が印象に残りました。
やはりインターセクションにあった〈版画集 トマソン黙示録〉 (1988) は、
Bernd and Hilla Becher を思わせるグリッド状の展示方法ながら被写体が無用の建築「トマソン」という所が可笑しく感じました。
砂丘を舞台とした家族を使った演出写真の印象強い 植田 正治 の違う一面も観られましたし、
集合住宅の通路の照明パターンをライトボックス化した畠山 直哉 〈光のマケット〉 (1995) を久々に観ることもできるなど、
企画を離れてコレクションの展示としても楽しみました。
1990年代から活動する写真家の個展です。
グループ展やコレクション展で観る機会はありましたが、個展で観るのは初めて。
観る機会の多かった〈In My Room〉のようなセクシュアリティをテーマとした写真という印象が強かったのですが、
〈CVD19〉のような手の造形の面白さを切り出すような抽象度の高い作品から、
〈毎日写真〉や〈カスババ〉のようなコンセプチャルなスナップ写真、
人影を写すフォトグラム〈Red Room Project〉、など、その多様な作風に気付かされました。
すっきりとしながら非線形に回遊させるような展示空間の作りもスタイリッシュでしたが、
多様な作風につかみどころの無さも感じてしまいました。
2013年にユニットで活動を始めた 岩竹 理恵 ＋ 片岡 純也 による展覧会です。
神奈川県立近代美術館のコレクションから選ばれた近世以前の日本美術とそれらに着想した新作を中心に、過去の作品も交えての展覧会です。
今までも『BankART Life』 [
好みの作風の作家なのでどれも楽しみましたが、中でも最も気に入ったのは、片岡 純也 の
『Ghost in the Sellotape』 (2015/25)、『サークル管による輪郭の連続性について』 (2025)、『0から1へのアナログ変換』 (2025)を組み合わせてのインスタレーション。
薄暗いギャラリーの一面を使い数寄屋の壁の一面を外から見るかのようなのですが、
クレーター様の影の動きから満月が自転するのを観るかのようなセロテープを透過した円形の光や、
サークル管光源の光が回転する竹箒を抜ける際にピンホール効果で沸き立つような小さな円形の光となっての投影に、
障子窓越しに覗く茶器や掛け軸が組み合わさり、侘び寂びの雰囲気が生かされつつもそれが微妙にズラされるよう。
裏に回ってみると、茶器や掛け軸はインスタレーション中に配置されているというわけではなく、
展示ガラスケース中に通常の展示かのように展示されている、というのも面白く感じました。
このインスタレーションは光使いの妙ですが、
音使いという点ではインスタレーションというより小ぶりな立体作品、
『枝の曲りによる茶器の演奏』 (2025) や『茶筅による巻貝の演奏』 (2023)の細やかな音が印象に残りました。
茶室や茶器からの着想というのは、今まで観た作品では特に印象に無いので、
やはりコレクションから着想するという今回の企画ならではでしょうか。
そして、その着想の妙を楽しむことができました。
キャッチのある動く作品に何かと目が行きがちな展覧会でしたが、
郵便物などからスタンプや模様を切り出す岩竹の採集シリーズの繊細なペーパーワークも、印象に残りました。
ドイツのグラフィックデザイナーJens MüllerとKatherina Sussekが蒐集した
A5 Sammlung Düsseldorfのコレクションに基づく展覧会です。
焦点が当てられているのは、第二次世界大戦後の西ドイツ、
継続性のある出版物などの中には1980年代のものがありましたが、
20世紀半ばのモダニズム色濃いデザイン (いわゆるミッドセンチュリー・モダン) から、
カウンターカルチャー, サイケデリックの影響が見え隠れする1970年代前半までのデザインの、
書籍、パンフレットなどの出版物とポスターをメインとしたグラフィックデザインです。
モダニズムならではの簡潔明瞭にしてスタイリッシュで見応えのあるデザインが楽しめました。
導入は、Hochschule für Gestaltung Ulm (ウルム造形大学) 設立者の1人のOtl Aicherによる
LufthansaやMünchen 1972 Olympiadeのグラフィックデザイン。
そして、その時代を感じさせるKiel WocheやDocumenta, Kasselといったイベントの一連のポスター。
その後、年代順ではなく、幾何学的抽象、タイポグラフィ、イラストレーション、写真というデザイン技法をテーマに展示が作られていました。
作家性が強く出るようなデザインではないため、特に、前半の幾何学的抽象、タイポグラフィの展示は少々掴みに欠けたでしょうか。
イラストレーション、写真の章は公共デザインよりも映画ポスターなどが多めという点でもキャッチーで、
そこでの作品を観てから前半を見直して、その抽象の中にあるレイアウトの個性が腑に落ちたところがありました。
そんなこともあって、作家として印象に残ったのは後半のイラストレーションや写真を大きく使ったデザイン。
Hans Hillmann や The Beatles: 
少々意外だったのは、レコードジャケットのデザインが少なかったこと。
レコードジャケットのデザインがグラフィックデザインの中で重要な位置を占めるようになるのは
ロックやポップの分野でコンセプチャルなアルバムが制作されるようになる1960年代末以降、
つまりこの展覧会が焦点を当てている時代より後なのかもしれません。
そんなことにも気付かされた展覧会でした。