8月24日から30日にかけてフランス・パリへ行ってきました。 観光目的ではなく、そもそもパリはオフシーズン (hors-saison) で劇場では公演していませんし、美術館も半ば夏休み状態でしたが、 合間の時間や土曜のフライト待ちの時間を使って美術館を巡ってきました。 限られた時間の中で駆け足で巡ったため、作品にゆっくり向き合ったわけではありませんが、軽く鑑賞メモ。
MAM (Musée d'Art Moderne de Paris) は、
Palais de Tokyo 西翼に入った20世紀以降現代に至る美術を対象とした市立の美術館です。
企画展は休みで、コレクション展示も三分の一近く入れ替え中でクローズで、入場無料でした。
パーマネント作品としては Raoul Dufy や Henri Matisse の壁画が有名ですが、Robert Deraunay の方が好みでしょうか。
Christian Boltanski のパーマネント作品もあるのですが、クローズドで残念でした。
コレクション作品の中でも、Daniel Buren 20作品で壁を埋め尽くした展示や、Louise Bourgeois の蜘蛛の彫刻が目に止まりました。
コレクション作品の展示は時代順に構成されていましたが、
主にフランスの作家の展示ということで特に戦後美術についてはフランス国内での潮流に沿っており、特に1960年前後以降同時代以前の New Realist / On The Fringes / Narrative Figuration / Supports-Surfaces (フランス語での表記を覚えておらず、手に取った英語のパンフレットの表記を参照) とい日本では馴染みがないカテゴリで、
おそらく日本で観る機会がなさそうな作家も多く、新鮮で興味深く観ました。
Narrative Figuration はいわゆるポップ・アート的な作品でしたが、
ミニマル・アートや日本での「もの派」に相当しそうな Supports-Surfaces の作家 (Daniel Dezeuze) が目に止まりました。
Normes Corps
Palais de Tokyo 左翼は、建物の名前をそのまま採った国立の現代美術センター (コレクションを持たないので美術館ではない) です。
こちらでは Normes Corps と題した8組の作家によるグループ展、と言うより会場が隣接した8つの個展に近いものでしたが、そんな展覧会を展示していました。
いずれもいかにも現代美術らしいインスタレーションでしたが、
Joseph Grigely: This Is Where We Are がコンテンポラリーな舞台作品のセットを見るようで、ドラマが立ち上がりそうな雰囲気が気に入りました。
YBA直前頃のイギリスの作家 Cathy de Moncheauxのひと世代前のフェミニスティックな作風を懐かしく思ったり、扇風機並べた Jesse Darling や光を意識した Benoît Piéron なども、興味深く観ました。
パリ北西 Bois de Boulogne (ブローニュの森) に2014年にオープンした、ラグジュアリーブランド Louis Vuitton の財団による現代美術館です。
メインの企画展はなく実質休館に近い状態でしたが、8月30日までは小展示などもあり、割引料金で開館していました。
足を運んだ一番の理由でもあるパーマネント作品 Olafur Eliasson [鑑賞メモ] の Inside the horizon はいかにもそれらしい作品でしたが、建築の装飾のようにも感じられてしまいました。
建築自体が Frank Gehry による脱構築主義を体現したようなものでしたが、
現在位置や移動先への見通しが掴みづらく、また、階段を昇降せざるを得ないような移動もあり、歩き疲れた体には優しくないと体感してしまいました。
メトロ1号線 Les sablons 駅からのアプローチには美術館開館に合わせて LVMH がリニューアルした歴史ある (1860年オープン) 遊園地
La Jardin d'Acclimatation があり、治安の心配はありませんでした。
映画 Les Dames du Bois de Boulogne 『ブローニュの森の貴婦人たち』 (1944) [鑑賞メモ] の舞台となった森の雰囲気を味わうのも悪く無いかなと、
帰りはトラムT3b線に乗るべく Porto Dauphine 駅へと森を抜けたのですが、
比較的開けた人通りのある道を選んだものの、映画に出てくるようなものではありませんでしたが路上売春する人々 (と言って2名ですが) に遭遇してしまいました。
と言うことで、こちらはお勧めできません。
1807年竣工の元商品取引所 (Bourse de Commerce) の建物を 安藤 忠雄 がリフォームして2021年にオープンした、
ラグジュアリーコングロマリット Kering オーナー Francois Pinault のコレクションを展示する現代美術館です。
Clair-obscur 展は8月24日で終了していたものの、
その中の出展作品の1つ、La Rotanda に展示された
中谷 芙二子 [Fujiko Nakaya] [鑑賞メモ] の「霧の彫刻」
« Cloud #07156 » は延長で展示されていたので、それを観てきました。
19世紀末に作り直されたというガラスドームと大航海時代以降の国際貿易を題材とした天井画、
安藤 忠雄 らしい装飾を排したコンクリート打ちっぱなしの丸壁と、そして霧の組み合わせという、
今までの「霧の彫刻」には無かったコントラストを楽しみました。
2025年に Musée du Louvre に接した19世紀半ば Ousmane 様式の建物へ移転してきた ハイジュエリーブランド Cartier の財団による現代美術館です。 10月22日からの企画展まで休館でしたが、Bourse de Commerce - Pinault Collection から歩いて5分程度の近さなので、中の様子は伺えませんでしたが、前まで様子を見てきました。 Fondation Cartier 前、Palais Royal と Musée du Louvre に挟まれた広場でデモをやっていて、これもパリらしいでしょうか。
パリの近現代の美術館といえば、国立の Centre Pompidou (Centre national d’art et de culture Georges Pompidou) ですが、2025年から2030年まで改修休館。 2002年に行ったことがあるとはいえ、その時もゆっくりは観られず、四半世紀ぶりに行きたかったので、休館は残念でした。 こちらも Bourse de Commerce 近くではありますが、時間に余裕も無かったので、今回は前まで様子見に行くこともしませんでした。
Centre Pompidou 休館ということもあったと思いますが、 LVMH (Fondation Louis Vuitton), Richemont (Fondation Cartier), Kering (Pinault Collection) と、ラグジュアリーブランドの三大コングロマリットの私立美術館が話題を呼んで存在感を出している所に、21世紀現代アートへの主な金の出所を実感します。 ラグジュアリー三大コングロマリット私立美術館は新しいこともあり、さすがおしゃれスポットという感じでしたが、 自分にとっては MAM + Palais de Tokyo の方が観応えがあり、居心地も良かったでしょうか。 しかし、今回は時間も限られていましたし、リスクを避けてメジャーな美術館に留めましたが、オルタナティヴ・スペースへ行ってみた方が面白かったかもしれません。
今回のコレクション展は「食」がテーマ。
「食」をテーマにした写真でもこれだけ多様なアプローチがあるか、という楽しみ方ができた展覧会でした。
1960年代に渡米し、ビデオアート、実験映画の文脈で活動している作家の回顧展的な個展です。
コレクション展等で観たことはありましたが [
ワンフロアの展示室をカーテン等で区切った程度でほとんど遮音されていなかったので、
ヘッドホンで音を聴かせる形の展示もありましたが、会場内で音声がかなり干渉しあっていました。
また、広く響かないようにするためか、スピーカーで音を出すものについてはかなり音を絞っていたものもありました。
音声やその音量も映像作品の鑑賞体験として重要なので、その点は残念な展示でした。
そもそも、展示されていた作品を合わせると数時間にわたる量になるので、ギャラリーでの立見や丸椅子程度に座る程度の状態で全て見通すのいうのは、体力的にもかなり困難なものです。
インスタレーションではないシングルチャネルのビデオ作品はホールでの上映にした方が良かったのではないかと思いましたが、
そもそも、興味を引かれたものについて何本か集中して向き合うくらいの観方であればこのような展示がちょうど良いかもしれません。
B1F展示室では 
2024年の 
実験工房の APN (Asahi Picture News) がカラー時代だったらと思うような
山沢 栄子 [
また、網羅的とも言える展覧会だけに、むしろ、日本の写真史であれば必ずのように取り上げられるけれどもこの展覧会に無かった作風が気になりました。
例えば、東松 照明、細江 英公、奈良原 一高 あたりの新興写真をさらに発展させたような Provoke の「アレ・ブレ・ボケ」写真以前の1960年前後の作風や、
柴田 俊雄、伊奈 英次、畠山 直哉、松江 泰司、鈴木 理策 のような風景や建築物を抽象絵画のように撮る作風など。
全体としてモダニズム的というよりシュルレアリズム的な傾向が強いディレクションだったので選択から外れたのか、写真界が男性中心的だったため女性作家に作風の偏りが生まれたのか、
そんなことを考えさせられる展覧会でもありました。
オーストラリア出身でイギリスを拠点に1990年代半ばから YBA (Young British Artists) に近い現代アートの文脈で活動する作家の個展です。
国際美術展、グループ展で観たことはありましたが、個展でまとめて作品を観るのは初めてです。
リアリズム的な人物像をベースに、サイズを大きく拡大し、時には幻想的な状況を作りだしていくという、マジックリアリズムとも共通する作風です。
正直、綺麗に仕上がりすぎて観ていて上滑りした感は否めませんでしたが、
そんな中では、両手に買い物袋を持ちスリングで胸に幼児を抱いた母子像 
上映されていた制作の様子を捉えた映画を観て意外だったのは、作家1人で黙々と制作していることでした。
現代アートの文脈で大規模な作品を作る作家の場合、作家はコンセプトの提示がメインで、工房でスタップを駆使して制作することが多く、Mueck の場合もそうだろうと予想していたのでした。
こういう制作スタイルを観ると、作品のイメージも、多分に私的なものなのだろうな、と。
展覧会を観る前に展覧会レビュー 
杉本 博司 
写真作品だけでなく古美術コレクションや建築を含む空間演出でも知られる 杉本 博司 の個展です。
美術館レベルの個展では、『趣味と芸術―味占郷／今昔三部作』 (千葉市美術館, 2015) [
初期の中では瞑想的ですらあるミニマリスティックな白黒が映える《海景》シリーズの素晴らしさを改めて実感しましたし、
中期では、建築写真やファッション写真《スタイアライズド・スカラプチャー》など
被写体の造形の美しさをくっきりと写し撮るのではなく、むしろ、銀塩写真としての仕上がりの美しさを意識したかのような撮り方にも、改めて気付かされました。
最近の作風を追えていなかったのですが、最後に展示されていた、撮影にポラロイドフィルムを用い、デジタルプロセスでノイズを除去した上で、発色現像方式印画したという《Optics》シリーズに、
最近はカラー写真のシリーズに取り組んでいたのか、と。
カラーフィールド・ペインティングや Gerhard Richter の蝋燭を描いた作品などを想起させる画面はさほど意外ではありませんでしたが、
ずっと白黒の銀塩写真を見せられ続けていたので、最後のカラーが印象に残りました。
そんな気付きはありましたが、それなりに継続的に観続けていることもあり、むしろ、写真のみにスポットを当てて浮かび上がらせるような暗い空間構成を含めて、その雰囲気を楽しんだ展覧会でした。
企画展と関連したサテライト展として、
Linder
1970年代後半に活動を始めたイギリスの女性アーティスト Linder こと Linder Sterling の活動初期から現在に至る作品を集めた回顧展的な個展です。
現在こそ Tate Modern に作品が所蔵される現代アートの文脈のアーティストとして知られますが、
自分か彼女を知ったのは、1977-1983のマンチェスターのpost-punkシーンでの
自身のバンド 
展示されていた作品は、写真やそれに基づくフォトコラージュ作品がほとんどでした。
出世作である Buzzocks のシングル 
フォトコラージュは、男性向けグラビア雑誌、ポルノ雑誌から撮られた女性像に、家電製品などを重ねてコラージュした 
その一方で、写真やフォトコラージュを中心とした展示構成に、
1990年代以降に出てきた YBA (Young British Artists) の作家によるビデオや空間インスタレーションも駆使したした作風 [
Julian Opie: 
セルロイド の原料であり日本統治時代の台湾の主要資源出会った 樟脳 に取材した
昨年の資生堂ギャラリーでの個展『Any girl can be glamorous』も良かった 
新国立劇場バレエ団
ドキュメンタリー、ファッション、ポートレイト等の写真から
フェミニスティックなコンセプチャル・アートのメディアの一つとしての写真まで、様々な文脈の写真がありましたが、
党の公式イデオロギーや公式芸術の社会主義リアリズムとは距離置いた、人々の日常を静かなトーンで捉えた白黒写真が中心です。
以前に 
作風としては、同時代の欧米・日本の写真に見られるカウンターカルチャーの影響下でのアレブレのような技法ほとんど見られず、
また、社会主義リアリズムの様な大袈裟な演出も避けられているせいか、即物的な戦間期以来のモダニズム写真の直系とも感じられました。
明確に反体制的な作風はありませんでしたが、
社会主義リアリズムの作風でないと美術大学を退学になったり (Evelyn Richter)、
政治的拘束を経験後に西ドイツへ移住したり (Margit Emmrich)、など、
共産政権下での写真家として自由に活動することの難しさを伺わせるエピソードはありました。
Sibylle Bergemann は詩情溢れるファッション写真、Becher-Schule を思わせるコンセプチャルな写真だけでなく、
共産政権の象徴である Marx や Engels の像が作られる過程を即物的に捉えた
20世紀半ば、Minimalism の代表的美術作家として知られたアメリカの Donald Jadd [
1990年代に出身地のスイス・チューリヒで活動を始め、
現在はアメリカのニューヨークとロサンゼルスを拠点に活動する作家の個展です。観るのは初めてです。
自身を実物大で模った2つの蝋燭 (candle portrait) を2つのギャラリーに大穴を開けた壁越しに向かい合わせて会期中に火を灯して溶けていく様を展示した作品がメインかと思いきや、
こちらは «Mirror» という作品でした。
インド・西ベンガル州コルカタ出身で、7歳で家族と共に渡米、
2000年前後からアメリカを拠点に現代美術の文脈で活動する作家です。
やはり、観るのは初めてでしょうか。
ドローイングと立体のインスタレーションからなる展示でしたが、やはり興味を引かれたのは後者。
動物の羽や棘、貝殻や、既製品の廃品と思われる素材を組み合わせたブリコラージュ的インスタレーションです。
その構成は、抽象的な空間構成や無用の機械のような志向ではなく、
スチームパンクがかった造形やヒンドゥー女神を参照し、
シュールなファタジー的な世界と物語がうっすらと浮かび上がるようなインスタレーションでした。
池田 亮司 
Dumb Type の 池田 亮司 の2022年に続く TARO NASU での個展です [
明るい色と白の縦縞を使ったサイトスペシフィックなインスタレーションで知られる
1960年代半ばから活動するフランスの作家のギャラリーでの個展です [
Ernesto Neto: 
コクーンのような没入感のあるインスタレーション作品で知られるブラジルの作家の個展です [
去年から続いているように思いますが [
また、戦前から20世紀後半にかけて岡山を拠点に活動した 緑川 洋一 の良さに気付きました。
植田 正治 [
1950年代半ばから1960年代にかけてニューヨークのロフトに集うミュージシャンやアーティストを撮った「ロフトの時代」の写真を核に、
1940年代から1970年代にかけて活動した W. Eugene Smith の回顧展です。
写っているミュージシャン、アーティストやその背景も時代を感じて興味深くありましたが、
グラフ雑誌 
幻の名盤解放同盟 [Maboroshi-No-Meiban-Kaiho-Domei]
2020年に苫小牧の西隣にあたる白老にオープンしたアイヌ文化の復興・創造等を目的としたナショナルセンターです。
上演鑑賞だけでなく体験型のイベント・ワークショップを各所で開催している国立民族共生公園と、
資料収蔵・展示のための国立アイヌ民族博物館、
過去に発掘収集され大学などに保管されていたアイヌ民族・副葬品のうち直ちに返還できないものを管理する慰霊施設からなります。
ウポポイに先立ち、白老では1965年に「ポロトコタン」として営業開始、1984年にはアイヌ民族博物館が開館していましたが、
ウポポイの整備に伴い2017年に閉館し、改めてナショナルセンターとしてオープンしたという形になります。
今回初めて足を運びました。
伝統芸能の上演などのイベントの演出や展示の構成は、観客への分かりやすさ、親しみやすさに寄っていて、アイヌ文化のテーマパークのよう。
といっても、芸能の上演を観るだけでなく、
伝統的な歌 ウポポ を一緒に歌う「ウポポ アキ ロ」や、
弦楽器 トンコリ の持ち方や音の出し方を体験する「はじめてのトンコリ」など、
様々な体験プログラムやを巡っていたら、あっという間に半日経ってしまいました。
プログラムには無い、年2回実施しているという若手への伝承のための芸能の練習的な上演の様子をみることが出来たのも、幸運でした。
ウポポイ内にある 国立アイヌ民族博物館 は、特別展示室は休みで残念。
あまり時間が取れず、基本展示室を1時間弱で流し見に近くなりましたが、
先史時代から近代に至る北海道とアイヌの歴史の展示はもちろん、
現代の「ネプキ／私たちの仕事」のコーナーでは、過去の、ではなく、今を生きるアイヌの人々の肖像のような作りもあって、それは良かったでしょうか。
『国際芸術祭「あいち2025」―灰と薔薇のあいまに』での マユンキキ の作品 [
杉並区立の公共劇場 座・高円寺 の指定管理者が今年4月付けで NPO法人劇場創造ネットワーク から 合同会社syuz'gen に変更され、芸術監督 に シライケイタ が就任した新体制での最初の公演となります。
座・高円寺 の 建物全体を使った移動型パフォーマンス、というか、
コンセプチュアルでブリコラージュ的でサウンドを効果的に使ったインスタレーションにセリフも演技も控えめながら演劇的演出が付いたバックステージ・ツアーという趣でした。
現代美術の文脈で知った作家という先入観もあると思いますし、
ストレンジシード静岡で移動型パフォーマンスを色々観た後ということもあると思いますが、
例えば、建物への作り込みこそ控えめですしナビゲーターも付きますが、
作品の一部なのか判断に迷うような微妙に不穏な物の配置や不自然な人の動きなど、
目 [me] のインスタレーションを観る体験に近いものを感じました [
コンセプト的には「劇場の記憶」の継承と「記憶の継承」の装置としての劇場、というものがあったようですが、
2009年の開館からどのような公演を主催してきたかといった表向きの歴史を辿るのではなく、
「劇場創造アカデミー」修了生・在学生やカフェや事務所で働くスタッフなどの比較的私的なエピソードを拾うかのよう。
しかし、最も印象に残ったのは、地下3階稽古場での「ここは水源だった」というセリフ。
いかにも武蔵野台地の小規模な「窪」地形に建っているとは思っていましたが、そうか、ここは桃園川支流の水源か、と。
そんなセリフに触発されて、帰りは高円寺駅へ直行せず、川跡を辿ってみました。
中央線高架の南側にまわると、いかにも川跡らしい路地が環七まで続いています。
環七通りを渡った先には、不自然なビルの切れ目と駐車場があり、この南側のビル裏から南に向かって暗渠の痕跡が続きます。
そのまま南下して桃園川緑道まで、期待以上にわかりやすく暗渠跡は続いていました。
桃園川跡は、半世紀ほど前の1970年代半ば、中野坂上に住んでいた幼稚園から小学生にかけて、よく歩いたものでした。
当時はコンクリート板で蓋をした暗渠の上に遊具が並んでいるだけでしたが、緑道として整備されて綺麗になったと思いつつ、こんなに狭かったか、と感慨深いものがありました。
戦間期から20世紀半ばシュルレアリズムとその影響下のファッションや広告 (主にグラフィック)、インテリア等のデザインの動きに焦点を当てた、
国内の美術館のコレクションで構成した展覧会です。
前半で美術としてのシュルレアリズムを押さえた後、後半、20世紀のモダンデザインにどのような影響を与えたかを観て行きます。
同様の企画としては『奇想のモード––装うことへの狂気、またはシュルレアリスム』 (東京都庭園美術館, 2022) [
バランスは良いと思いつつ、国内コレクションベースの限界か、少々物足りなさも。
Elsa Schiaparelli のファッション、Art Deco 後 1930s の Cassandre のポスター [
シュルレアリズムの企画展に合わせて、収蔵品展もシュルレアリズムの系譜に連なる幻想的な具象の絵画、彫刻が展示されていました。
ちょうど直前にコンテンポラリーなサーカスやダンスを多く観ていたこともあり、
Liam Lelarge & Kim Marro: 
主に首都圏で活動するカンパニーによるパフォーマンスです。このカンパニーを観るのは初めてです。
演技する人をみるというより、芝生に横になり空を見上げながら、アコースティックギターの疎な爪弾きを伴奏にした語りを聴くというものでした。
語りの内容が入ってきたという程ではありませんでしたが、30分の空の移ろいが自然と楽しめました。
2025年の 演劇ユニットせのび 『ト(゛)リップ〜七ぶら編〜』 [
同時期に東京芸術劇場で開催されているFACT/FESTIVALの常連だった ひびのこづえプロジェクト ダンスパフォーマンス ですが [
フランスのコンテンポラリーサーカスのカンパニーによる、移動型のパフォーマンスです。
黒シャツに黒スーツという姿の5人のパフォーマーと、
アクロバット的な身のこなしを時折交えつつも、白いクラブのジャグリングをしながら街中を移動するパフォーマンスです。
同じ姿でスピーカーを担ぐミュージシャン1人が、マイクでマウスパーカッションで音楽を繰り出します。
淡々と静かに移動してジャグリングするのではなく、即興的に、横断歩道に寝そべったり、壁や石垣の上に立ったり、階段に座ったり、公園の植栽の中を抜けたり。
日常ではあり得ない場所でジャグリングをすることで視線を誘導して、空間を異化していきます。
ラストは富士見ひろばに出て、ミュージシャンもエレクトリック・ギターでノイジーなリフを演奏し、フィナーレでした。
服装がカラフルではなく黒づくめと対称的ですし、
カラフルな身体もしくは白いクラブのジャグリングという違いはあるもののミニマリスティックな道具立てを使い、
視線の誘導で都市の味方を変えていくようなパフォーマンスという点で、
Cie Willie Dorner: 
大熊 隆太郎
関西を拠点に活動するカンパニー 壱劇屋 を主宰する 大熊 隆太郎 による
マイム、ジャグリング、演劇に音楽とマルチディシプリナリーかつ観客参加型の祝祭パフォーマンスです。
去年も常磐公園で上演していますが時間が合わずに見逃し。
今年は会場が変わり、バージョンを変えての上演とのことでした。
黒袖のダミーハンドを使った四腕でのジャグリングを得意技とするONと、ダンサー・振付家 杉本 音音 の、2人からなるユニットです。
前の演目と時間が被ったので観たのは後半のみでしたが、ジャグリングの要素はほぼ無く、
2人の身体にさらにダミーハンドを加えて、異形の身体を作るよう。
タイトルからして Frantz Kafka: 
Co.SCOoPP
『ストレンジシード静岡』では、『まちなかサバイバル！』 (2024)、『まちなかサバ？リバイバル！』 (2025) と
白いモコモコを着てのウォーキングアクトを交えたエアリアルのパフォーマンスをした関西のエアリアルカンパニーですが、今年は新作です。
床一面に広がった空ペットボトルを後方へ片付け、カーテンコールで終演、と思いきや、
空いた舞台の上に Camille Decourtye がマイク片手に現れ、現在の不安な時代や、それへの立ち向かい方について舞台で語り始めました。
主張している内容はさておき何を始めるんだろうと少々怪訝な気持ちになりましたが、パフォーマー人一人楽器を演奏しながら登場してマーチングバンドとなり、語りはラップとなり、観客を先導するようにホワイエへ移動して、祝祭的フィナーレとなりしました。
公演後で知ったのですが、初演の Festival d'Avignon の時からこの演出だったようです。
一週間前に David Byrne の Coachella でのライブをストリーミングで観たばかりだったので [
去年の『SPAC天竺舟』 [