ゴールデンウィーク中の3日、4日は、例年通り一泊で静岡へ。 3日は午前中に静岡入りして、まずは駿府城公園へ。
去年の『SPAC天竺舟』 [鑑賞メモ] に続いて、
今年も開催された 駿府城公園の堀を一周する観光遊覧船 葵船 を使った朗読劇が開催されました。
去年がゆったり楽しめたので、今年もさっそく乗りました。
今年のお題は、徳川 家康 が今川家の人質として駿府にいた時に結婚した正妻にて、後に 織田 信長 の命で息子 信康 と共に夫に処刑された 築山殿。 今年は『SHIZUOKAせかい演劇祭2026』で上演される『女王メデイア』とは関係無いのかなと思いきや、 夫に裏切られその主君の命で処刑/追放される親子という共通点を重ねた脚本に、なるほど、と。 もちろん、安倍川覆水流の湧水など新たな気付きもありましたし、水面から気持ち良い晴空と新緑の眺めをのんびりと楽しみました。
この後、東静岡へ移動して、静岡芸術劇場で Baro d'evel: Qui som? を鑑賞。 静岡に戻ってホテルへチェックインして荷物を置いてストリートシアターフェス 『ストレンジシード静岡2026』に参戦も、雨が降り出してしまいました。
3日最後は、次第に本降りとなる駿府城公園で、 『SHIZUOKAせかい演劇祭2026』かつ 『ふじのくに野外芸術フェスタ2026』のプログラムの公演を観ました。
恒例になっているSPACの駿府城公園での野外公演は、 2025年6月 The Coronet Theatre, London 公演の凱旋公演となる、 14年ぶりの再演となる1990年代にク・ナウカで初演した作品です。 ムーバーとトーカーを分離するスタイルを確立したとされる作品として名は知るもの、観るのは初めて。
元はギリシャ悲劇ですが、この作品では舞台を日本の明治時代前期に移し、全て男性の文士たちが座敷での宴席で日本語訳の『メデイア』を朗読しながら女中たちに演技をさせる、という体で展開します。 演じられるメデイアもワンピースに着物を羽織るというジャポニズムを思わせるもので、夫や息子も19世紀的な軍服です。 やがて、文士の一人が女中を裏手に連れ出し手籠にする様子を、錦絵が描かれた背景の簾越しに見せます。 そして、メデイアの夫たちへの復讐の場面が、女中たちの文士への復讐に重なって終わりました。
脚本は1999年上演時と同じということですが、#MeTooにも通じる今でも古さを感じさせない翻案の妙を楽しみました。 しかし、舞台にはバルーンのアーチによる屋根があったものの客席には屋根がなく、土砂降りの雨に打たれながらの鑑賞で、舞台に集中できませんでした。 元となるギリシャ悲劇 Medea は他の解釈での上演を観たこともあり [鑑賞メモ] 物語から置いていかれることはありませんでしたが、 ディテールを味わう余裕が殆ど無かったのは残念でした。 野外劇場ならではの空間使いの演出も特に無かったので、通常の劇場で観たかったでしょうか。
2000年前後にユーロスペースかイメージフォーラムのダンス映画特集のような企画の中でク・ナウカのビデオを観てムーバーとトーカーの分離を事を知った記憶があり、 その時の演目が『女王メデイア』だったのではないかと思っていたのですが、 その朧げな記憶とは全く異なっていました。 では、あのときに観たのは何だったのだろう、と。
ゴールデンウィーク中の静岡の話は長くなるので、一旦ここで切ります。 既に2週間以上経ってしまいますが……。
Christian Marclay: 
新作シリーズ «Concertric Listening», «Eccentric Listening», «Oculi» からなる新作展示です。
前2者は雑誌などの人の顔の写真に着目し、その輪郭と耳を切り出して、組み合わせたコラージュ。
後者は12インチレコードの黒のプレインスリーブのレーベル面の穴から人の顔を覗かせた作品。
Marclay らしいとは思うし、ギャラリーで売るのにはちょうど良いとは思いますが、
やはり国際美術展や美術館で観るコンセプチャルなインスタレーション [
『ポーラ文化研究所50周年記念展 モダンビューティー 近代の化粧文化』
近代、明治文明開花期から昭和戦前にかけての化粧文化に関する展覧会です。
といっても、ポーラ銀座ビルのワンフロアを使った小展示ですが。
近代における化粧そのものの変遷を示すというより、化粧道具や髪飾り等のアクセサリ、化粧品パッケージ、化粧に関する広告などを通して、日本の近代文化の一面を示していました。
目につくのは、やはり広告ポスター。
御園クレームのポスターのモデルはサイレント期に活躍した松竹の映画女優 及川道子でしょうか。
松竹女性映画のプレースメント広告でお馴染みクラブ化粧品のポスターもあり、
国立映画アーカイブで戦前松竹映画を観る前に気分を盛り上げるにちょうどよい展示でした。
1950s-1970sに焦点を当てた展示で、取り上げられている映画作品よりも、
戦後の色数が限定されシュールな画風のイラストなどを用いたモダンデザインから、
カウンターカルチャーの時代の写真も多用したカラフルなグラフィックデザインへの移り変わりを観るようでした。
同時代的に見覚えがあるフランス映画社BOWシリーズらしいポスターも、最後の方では展示されていていました。
『ポーランドの巨匠 ヤン・レニツァ ポスター、アニメーション、イラストレーション、舞台』
20世紀後半に活動したポーランド出身のグラフィックデザイナー、絵本・カートゥン作家の Jan Lenica の、
オペラ、演劇や展覧会のポスターから、アニメーション、絵本に風刺画まで、幅広い活動をカバーする展覧会です。
1950年代共産政権時代のポーランドで活動を始め、1963年にフランス・パリへ移住、1986以降はベルリンを拠点としていましたが、パリやベルリンの時代でもポーランドの劇場や展覧会の仕事を続けていました。
同時代のポーランド出身のグラフィックデザイナーというと、ギンザ・グラフィック・ギャラリーでは
Henryk Tomaszewski [
同時代チェコとの関係といえば、Karel Zeman のアニメーション映画
アニメーション作品に関する展示は原画などの関連資料展示だけでなく、
2Fライブラリを使って、15分弱の短編作品を2本、フィルムでではなくデジタル化したものをプロジェクタで上映していました。
Walerian Borowczyk と共同監督した 
森美術館でアニュアル開催されている、日本の現代アートシーンを取り上げる展覧会です。
前回行ったのは3年前 [
フライヤやポスターにもその写真が使用されていた A.A.Murakami 《水中の月》 (2025) は、
煙を封じ込めたシャボン玉を、モノクロの色彩感も含め、柳の木のような形の管から玉がまろび出るような造形にスマートに仕上げ、フライヤに取り上げられているだけのものがありました。
窓の外の地平線とウイスキーの水面を合わせたインスタレーションも、存在感がありました。
また、映像字幕や香港の敷石をコンセプチュアルかつミニマリスティックに模した展示をしていたノルウェー出身東京在住の Garder Eide Einarsson や、
尾道の民家の瓦屋根に着想したマレーシア出身で広島も拠点とした Shooshie Sulaiman など、
いわゆる海外をルーツに日本で（も）活動する作家に存在感があり、そこに時代を感じました。
メインの東京都写真美術館の順路上最初のフロアとなるB1Fは規模大きめのインスタレーションが4作品。
リサーチに基づきビデオも使って国際美術展らしい洗練を感じましたが、少々、空虚さも。
むしろ、続く2Fの展示がよかったでしょうか。
オーストラリアの作家 
台湾に残した日本文化の影響のうち1950-60年頃に作られた日本の曲に台湾語の歌詞が付けられた歌3
曲に着目し戦前の日本統治時代の女学校等に遡り音ではなく刺繍を使った作品にした、
台湾の作家 
東京都現代美術館収蔵作品から、田中未知／高松次郎の言語楽器《パロール・シンガー》 (1974) が展示されていて、そんなものもあったのか、と。
3Fはコミッション・プロジェクトと東京都コレクションが半々の展示でしたが、
東京都コレクションの展示の方が興味深く観られたでしょうか。
さわひらき のビデオ作品 «pilgrim» (2022) は朝香宮邸竣工写真の組み合わせで展示されて、
2022に東京都庭園美術館で観たサイトスペシフィックな上映 [
館内B1Fや2Fのロビーや階段室を使って、京都を拠点に活動する
東京都写真美術館のある恵比寿ガーデンプレイスのセンター広場では
exonimo のモニュメンタルなインスタレーション《Kiss, or Dual Monitors》 (2017) の2026年恵比寿映像祭ヴァージョンが設置されていました。
東京都写真美術館2Fに撮影ブースも設けられ、観客参加型に。このような野外展示も芸術祭らしいでしょうか。
地域連携プログラムからは、かつて NADiff a/p/a/r/t のあったビルの3階のギャラリー 
東京都現代美術館での展示同様、空気で膨らませるラテックス製の舞台美術やボディスーツを使ったもので、その色彩造形もキッチュなもの。
登場するのは、家畜として改造された動物とその排泄物で生きる生物をカリカルチャライズしたキャラクターで織りなすパフォーマンスでした。
物語的な展開はほぼ無く、かといって音楽的に時間空間を抽象的に表現するものでもなく、儀式的とも感じられるパフォーマンスでした。
美術館でインスタレーションとして観るよりもその不気味可愛さが出て良かったと思う一方で、期待したほどには面白くはならなかったな、とも感じてしまいました。
エアーで膨らませたボディスーツは中の人の動きを制約する上に細かい動きを隠してしまうため、被り物を使ったキャラクターショーに近いものになってしまいます。
中の人が外のキャラクターとは前後逆向きに入っていると思われるサエチキンなど造形と動きの妙を感じるものもありましたが、
結局、新体操的な動きも駆使して飛び回った 浅沼 圭 のハエ／黒子が最も面白かったかもしれません。
南米チリ出身で、クーデターと Pinochet 独裁を経験後、1982年に渡米、ニューヨークを拠点に現代美術の文脈で活動する作家の個展です。
最初期1970年代チリ時代の作品から、この展覧会のための新作までを辿る、回顧展的な内容でもあります。
受賞した 
初期の作品を中心とした小規模な作品を集めた最初のギャラリーの展示は観念的に過ぎるかなと思いましたが、
1985年にブラジル東北部の露天掘り金鉱山 Serra Pelada の劣悪環境下で働く零細鉱夫 (Garimpeiro) を撮った写真に基づく 
もしくは、南アフリカ出身の報道写真家 Kevin Carter の1994年の Pulitzer Prize 受賞とその2ヶ月後の自殺を取り上げた 
Sol LeWitt: Open Structure
20世紀後半 Minimal Art と Conceptual Art を橋渡しする文脈で知られたアメリカの現代美術作家 Sol LeWitt の個展です。
最近では『ミニマル／コンセプチュアル』展 (川村記念美術館, 2022) での立体作品が印象深いですが [
また1990年代の作品、小ぶりの版画作品 «Complex Forms» (1990) では手書きの非直線が使われてる一方で、
色面の塗り分けをという共通点のある «Wall Drewing #770» ではマスキングテープを使ったと思われる手書きを感じさせない直線が使われているなど、
その差異とコントラストも印象に残りました。
東京都と TOKAS (Tokyo Arts and Space) によるアニュアルの現代美術の賞の第5回の受賞者展です [
様々な視線や音への注意が誘導される空間構成の中を歩いていくうちに、
呉 のルーツでもある済州島出身の祖母にはじまるナラティヴも辿ることになります。
足場の間を歩きながら誘導された視線の先の視野の面白さを堪能しつつ、
最後の《海人の道》と《椿の咲くところ》で呉のナラティブにじっくり向かい合う、という展開も良かったです。
コレクション展示室の中では、3階の展示室を使った 中西 夏之 と 池内 晶子 の展示『弓形とカテナリー』。
『あるいは、地のちからをあつめて』 (府中市美術館, 2021-22) [