3連休前12日金曜の晩はしっかり降る雨の中、南青山へ。このライブを観てきました。
Baroom (青山)
2024/07/12, 19:30-21:10.
Nik Bärtsch (piano, keyboards), Sha (alto sax, bass clarinet), Kaspar Rast (drums), Jeremias Keller (electric bass);
Daniel Eaton (light technician), Tobias Stritt (sound engineer).
jazz/improv の文脈で活動するスイスのグループ Nik Bärtsch's Ronin の、 2015年 [鑑賞メモ] 以来9年ぶりの来日です。 6月12日は、ノンストップ1セットにアンコール1回の2時間弱のライブでした。
electri bassが代わったものの、 Nik Bärtsch の内部奏法も交えた打楽器的に硬質な音色を多用する piano を軸に、 Kasper Rast とカチカチいうリムショットも効果的な drums が絡む、反復感を強調したグルーヴィな演奏は相変わらず。 しかし、Awase (ECM, ECM2603, 2018, CD) の頃からそうですが、 Sha がタンギングを抑えてフレーズは反復するものに普通に sax/clarinet を鳴らす演奏をメインとするようになり、 その alto sax の音色もあってかそこはかとなく fusion 味を感じる演奏でした。
しかし、アンコールでは、Sha の bass clarinet もタンギング強めに弾き刻むような演奏がグッと表に出、 Bärtsch と Rast の硬質な音のデュオもあり、 全体として展開のストップ／スタートやはっきりした音の抜き差しなど変化のある展開もあって、とても良い演奏。 このアンコールのような演奏ももっと聴きたいと思ったライヴでした。
アニュアルで開催されている
サエボークの作品は、空気で膨らますバルーン状のキッチュな色形の造形物とボディスーツを使った作品。
ゲートのような入り口と円形舞台があるという劇場的な展示空間の設定で、ボディスーツを着たパフォーマーがセリフ無しで演じる様は、マイムによるイマーシブシアターとも言えるもの。
今回はインスタレーションに時々パフォーマンスを加える形ですが、作家紹介によると公演という形もとることも多いようで、その方が面白そうでありました。
津田 道子 の作品も、パフォーマンスに基づく映像を使って、作品を観る観客の視線を操作するような作品です。
ブラックボックスにしたギャラリーに複数のスクリーンを配置してのビデオインスタレーション «生活の条件» (2024) は、
ライブでのパフォーマンスでは無いものの、イマーシブな上演環境での日常動作に着想したダンスもしくはマイムの作品を見るよう。
日常動作のような題材の取り方に少々こぢんまりと私的なところも感じられましたが、すっきりとした映像使いと空間構成とユーモアが気に入りました。
ルーマニア出身で20世紀前半にフランスで活動した彫刻作家 Constantin Brancusi の展覧会です。
ルーマニアを出て Rodin のアトリエの助手になるもすぐに独立する頃の最初期の作品ですから、
1910年代後半以降、20年代にかけてのモダニズムらしくシンプルに抽象化されたフォルムの磨かれたブロンズの彫刻まで、
写真資料や関連する作家の作品を含めて展示されていました。
戦間期モダニズムは好んで観ているものの Brancusi をまとめて観たのは初めて。
いかにも戦間期モダニズムなフォルムは好みなのですが、
展示されていた彫刻作品が1920年代までに限られていたこともあるかもしれませんが、
当時のモダニズムの作家にしては総合芸術の色が薄く感じられてしまいました。
1階展示室の、初期の抽象画やシルクスクリーンの作品に見られるコラージュ的なセンスに、後の作品に繋がるものを感じましたが、
やはり面白くなるのは、その後半から2階の最初の展示室に展示された1970年代の割れる印刷物。
新聞紙を丸めたような仕上がりがスタイリッシュな作品しか知らなかったので、織り込みチラシ、ダンボール箱や輸送用紙袋、マンガ雑誌を模った作品など、
その廃棄寸前のくたびれた形状も含め、題材の選択にユーモアも感じられ色彩もポップな作品がむしろ主流ということを知りました。
空き缶を転写した陶を赤く錆びたスチールのゴミ箱に詰めた作品なども、それに連なるセンスを感じます。
そんなポップなユーモアも感じる展示室から最後の展示室へ移動すると、
一転して、使い古されたかのような耐火煉瓦が床いっぱいに広げられたインスタレーション《20世紀の記憶》(1984-2013)。
新聞紙面の転写が焼け跡の黒ずみのようにに見えるというのもありますが、ポスト・アポカリプス的な廃墟のイメージを見るよう。
印刷物や空き缶の陶のユーモアとのコントラストも、味わい深いものがありました。
Anselm Kiefer
2025年に京都・二条城での個展か予定されている(西)ドイツで1960年代から現代美術の文脈で活動する作家の個展です。
Wim Winders によるドキュメンタリー映画 
Mark Leckey
ソ連時代のバルト三国で第二次世界大戦の余波から生まれたヒューマニスト写真運動 (humanist photography movement) を紹介する写真展で、
1960年代から1980年代にかけての主に人々を捉えた白黒写真が展示されていました。
ソ連における写真表現の文脈には疎くその中での位置は掴みかねましたが、
アメリカの “New Documents” (Diane Arbus, Lee Friedlander, Garry Winogrand) や日本のコンポラ写真との同時代性も感じつつ、
抑圧的な政権下という先入観もあったせいか、抑制された風刺/皮肉の視点もあるようも見えました。
出展されていた写真家の中では、ソ連的な風景を捉えた Gvido Kajons、エストニアのパンクスの肖像の Arno Saar、
子供たちへの優しい眼差しを感じる Ene Kärema、スタイリッシュなヌード写真の Gunārs Binde が印象に残りました。
2010年の 
旧金沢県菓子文化会館の1階に2014年にオープンした
柳宗理記念デザイン研究所の隣には
前回同様、欧米のメジャーな作家が避けられ、いわゆる絵画や彫刻のような平面や立体の作品ではなくインスタレーションが展示の中心です。
それも空間を変容させるというよりもリサーチベースのコンセプチャルな展示が多く、また、現在の作家ではなく、20世紀以降に活動した作家やグループに関するアーカイブ的な展示も交える構成でした。
空間的に美しく/興味深くインスタレーションするといった志向は意識的に避けられあえて雑然とカオティックに構成されていた感があって、
スマートフォンのカメラを構えても前回ではあったフォトジェニックとなる画角がほとんど無いところに徹底を感じました。
そんな雰囲気を楽しめたかというとさほどでもなく、むしろ、コンセプトを読み解く必要のあるリサーチベースの作品を大規模に集積させるのは、鑑賞者の気力体力的に無理があるのでは、と感じてしまいました。
もちろん、うまく引き込まれればそうでも無いのかもしれないのですが、
メイン会場の横浜美術館2階のほぼ導入部に掲げられた芸術監督の言葉に違和感を覚えたことも、作品を読み込む気力を削いだように思います。
そこにあった「社会主義体制が衰退し冷戦が終結した後にあって、現代の世界秩序は、新自由主義経済と保守政治が全てを支配する状況を作りだしています。」という言葉を目にして、
東欧革命以降2010年代半ば頃まであったらまだその言もアクチュアルだったかもしれませんが、
Obama 大統領後のアメリカ政治の混乱やイギリスのBrexit、そしてコロナ禍を経た今まだそれを言うのかと、違和感を覚えました。
そして、欧州難民問題の引金を引いたシリア Assad 政権による国内武力弾圧やロシアのウクライナ侵攻などの世界の動乱は、
芸術監督が言うようなポスト冷戦の世界秩序がもたらしたのではなく、むしろその秩序が終わろうとしているからではないのか、と。
また、トリエンナーレで展示されていた知識人や芸術家の「縄文」受容のなれの果てに『土偶を読む』サントリー学芸賞受賞問題のようなものがあるのではないか、
さらに言えば、この展覧会が称揚している20世紀のカウンターカルチャー的な身振りがオルタナ右翼を育てたのではないのか、と。
冒頭でそんなテキストを目にしてしまったこともあり、展示に引き込まれたというより、展示を観ながらカウンターカルチャーの亡霊 (もしくはゾンビ) を眺めているような気分になってしまいました。
2010年代半ばであれば、まだ、この企画もエキサイティングに感じられたかもしれませんが。
旧第一銀行横浜支店会場は、横浜美術館の展示から変化はなく延長に感じられました。
BankART KAIKO 会場にも展示はありましたが、むしろ、関連グッズのショップがメインに感じられました。
街中を使った展示もあったのですが、クイーンズスクエア横浜の展示は空間に溶け込み過ぎ、
元町・中華街駅連絡通路を使った
香港生オーストラリア在住の 
石内 都 『絹の夢』
磯崎 道佳 『よこはまミーティングドーム2004-2024』
トリエンナーレのフリンジ的なプログラムといえば、
日ノ出町駅と黄金町駅の間のエリアのアニュアルのイベント
中世後期14世紀以降20世紀前半までの西洋美術をコレクションする国立西洋美術館で開催された、1957年開館以来初の現代美術の展覧会です。
20世紀後半の作品も取り上げられてはいましたが、
美術館収蔵作品のベースとなった松方コレクションや、日本における西洋美術受容、美術館という制度などに取材したサイトスペシフィックでコンセプチャルなインスタレーション作品が多い構成でした。
といっても、コンセプトに深みというより素朴さを感じてしまったのには否めず。
田中 功起 のインスタレーションを美術からの排除がテーマで貧困・階級の一切触れないのは不自然、と思いつつ観た後に、
それを補完するように、山谷のドヤ街と上野のホームレスに取材した生活史のアプローチにも影響を受けていそうなインスタレーションがあったものの、
男性ばかりのドヤ街の人々の絵を観ながら今度は女性の貧困が不可視化されていることが気になったりしました。
そんな微妙なインスタレーションが続いたせいか、
単に並置されているだけという 内藤 礼 の作品が一周回ってこの企画へのメタ批評にも感じられました。
Apichatpong Weerasethakul: 
現代における個人と社会の距離感をテーマとした現代アートの展覧会ですが、
ビデオ、写真やデジタルの画像などをメディアをコンセプチャルに扱った作品が多く、
「リモート」にウェイトがあったように感じられました。
長尺のビデオ作品が多いのはどうしたものかと思いつつも、
プロパンバーナーでブロンズ像を加熱し続ける様子を捉えた《Fever》 (2021) や、
アウトドア用小型ガスバーナーコンロを円形に並べて発生させた上昇気流で紙飛行機が回り飛ぶ《誰が為に鐘は鳴る》(2021) などの、
井田大介の不条理感強いビデオ作品が好みでした。
20世紀フランスの美術作家 Henri Matisse の、
写真や映像もメディアとして使った現代アートの展覧会です。
小田原 まどか によるコレクションを使ったリサーチに基づくコンセプチャルな展示や、
村山 悟郎 によるAI生成と相互作用するドローイングなど、コンセプチャルな作風の作品に興味を引かれました。
しかし、作風が多様で、展覧会全体としては焦点が定まらない感もありました。
そんな中では、米田 知子 [
アメリカの 
ほころびオーケストラ
東京を拠点に活動する「まちなか演劇」ユニットによる、約40分のパフォーマンスです。
頼りなさげで優しそうなロボットが恋をするという設定を描くところから入りますが、
後半になるとロボットを応援させる形で観客を巻き込みはじめます。
その設定も造形も、微笑ましいパフォーマンスでした。
埼玉のダンサーと福岡／東京の空間演出ユニットによるコラボレーションです。
竹製のフレームを組み合わせた障害の多い空間の中をダンサーが動き踊る、動きも空間もアブストラクトなダンスです。
(途中から観ることになりましたが、ナラティブな構成でなくて良かったです。)
オープンな空間でも存在感あるダンサーの俊敏な動きの切れ味の良さは、新体操でキャリアを始めたということもあるのでしょうか。
野外ですが借景とかも特に使わず、むしろ、屋内のブラックボックスでの公演の方が映えそうな抽象度でした。
京都のカンパニーで、普段は演劇の文脈で活動してるようですが、今回上演したのはセリフはほぼ使用しないストーリーテリング・ダンスというかマイム劇でした。
衣装からも道化的な性格付けを感じる3人が繰り広げる不条理なお茶会を思わせました。
コンテンポラリー・ダンスの文脈で活動する 鈴木 ユキオ が、
アーツカウンシルしずおか主催「マイクロ・アート・ワーケーション2023」の経験を経て制作したという
公募出演者、観客をも巻き込んでの群集パフォーマンスです。
東御門前広場をスタートし駿府城公園中央の庭園（沈床園）を抜けて二の丸御門跡広場まで、
パフォーマーにそれを取り囲む観客を含めて100名以上がゾロゾロと移動する様はなかなか見応えあります。
といっても、ストーリーのあるスペクタクルを展開するというわけではなく、かといって、イベントで見られるような無秩序な移動でもなく、
タイトル『風景とともに』にあるように、風景に積極的に介入するのではなく、風景を異化するギリギリの線を狙うかのような、そんなパフォーマンスでした。
東京を拠点に活動する野外劇コンビ。
駿府城公園 東側芝生のステージを出発点に、ガーデンステージ脇、おでんやおばちゃん横、児童公園を抜けて二の丸橋まで移動しながらの上演です。
公園内をピクニックと言いつつそれが上手くいなない様を演じつつ、
一方 (アンジー) が 太宰 治 『待つ』に基づくセリフを語り、
それと絡むでもなく (実際別々に動いた時も少なくない) もう一方 (栗栖 のあ) がコロナ禍下で青春期を過ごした不条理をぼやく、というもの。
そのセリフよりも発話や動きに不条理を感じました。
京都府を拠点に活動しているカンパニーによる野外劇です。
お茶の間を舞台に、しかし、お茶の間の日常らしからぬ奇抜な衣装で繰り広げるシュールでオフビートな新喜劇を見るようでした。
自然現象に着想した作品で知られるアイスランド系のデンマーク出身の作家
Olafur Eliason [
レンズで集光した太陽光を紙の円盤に焼き付けた «Sun drawing» シリーズや、
風による振り子の振動をアクリルインクで紙の円盤に記録した «Wind writing» シリーズ、
«The melting globe» シリーズのような淡い顔料のシミのような水彩画など、
自然現象を相手にしているだけに単純な幾何学的形状にならないものの、
スッキリ端正な抽象画に落とし込んでいます。
今回の展示のハイライトであるブラックボックス中のインスタレーション作品 «Your split second house» (2010) は、
回転するホースから噴き出すのたうつような水飛沫の連なりを、ブラックボックス中のストロボライトで断続的に視覚的に切り出していくようです。
西麻布ヒルズギャラリーのオープニング展に Olafur Eliasson が選ばれたのは、
Eliasson の «A harmonious cycle of interconnected nows» (2023) が
西麻布ヒルズ森JPタワーオフィスロビーにパブリックアートとして展示されることになったという経緯からなのですが、
再生亜鉛合金の粗い粒が連なるような形状は «Your split second house» の水滴の連なりにも重なるところがありました。
ギャラリーに併設されたカフェでは
お馴染みスリンキー (slinkie; 螺旋状のワイヤを骨に持つ伸縮折り曲げ自在なパイプ) を使ったショーです。
2000年代初頭は 
『渋谷ファッションウィーク2024春 - THE INSTALLAYION II』
