半月余り前になってしまいましたが、 敬老の日絡みの9月の三連休は土日に名古屋で。開幕したこの国際美術展を観てきました。
2010年から継続していた『あいちトリエンナーレ』ですが、 2022年の前回から日本語名称が『国際芸術祭「あいち」』と変更されています。 今まで足を運んだことが無かったのですが、今回は芸術監督がアラブ首長国連邦の首長国の一つシャールジャ出身で、 観る機会の少ない中東圏を中心とする非欧米の現代アートの作家をまとめて観るよい機会と、 9月13日に愛知県陶磁美術館、14日に愛知県芸術センターの2会場を観ました。 (瀬戸市のまちなかの展示は未見です。)
愛知県陶磁美術館の展示は、ビデオ上映を含む作品は3点のみ。
陶磁の美術館を会場としていることもあり陶磁や土、灰を素材にする立体作品が多めに感じられました。
世界各地の近世 (大航海時代) 以降の植民地主義、特に先住民の問題が通底するテーマとなっていましたが、
それを直接的に図示をしたり関連するドキュメントを積み上げるような作品はなく、
むしろ、象徴的な形態をとったり、作品の素材選びに反映されているような作品がメインでした。
中でも、数十cm大の石の丸みのある円錐様の石の立体作品とそれを敷き詰めた砂の上で転がして不規則な跡を付けた Elena Damiani (ペルー出身/拠点) や、
石炭灰を塗った壁に石炭の塊を一列に並べて展示した Yasmin Smith (オーストラリア出身/拠点) など、
かなりミニマリスト的な仕上がりの作品が印象に残りました。
日本の作家では、大小島 真木 の茶室「陶翠庵」を使ったインスタレーションが印象に残りました。
アカシアの命名に関わる問題を取り上げ、オーストラリアの先住民と入植者の統合の象徴となっていることや、
生物学的な分類とオーストラリアだけでなくアフリカでの命名の歴史的文化的な背景の齟齬の観点から
淡々と語るナレーションが付けられた、コントラスト強い白黒のアカシア類の映像が上映される一方、
茶室内はそれらしくないどぎつい色彩でライトアップされるという。
茶室の空間の狭さを生かし、ライティングの色彩と白黒映像のコントラストも良いインスタレーションでした。
特別展示という位置付けで愛知県陶芸美術館の収蔵品から 三島 喜美代 《時の残骸 90》(1990) が展示されていましたが [関連する鑑賞メモ]、
テーマや作風なども他の展示との違和感を感じさせず、良かったでしょうか。
愛知県芸術センターの展示は、愛知県美術館の10階と8階ギャラリーを使った展示がメインで、 国際芸術祭らしくギャラリー一室使うような、ビデオなど駆使したインスタレーションが、 特に小部屋の多い8階のギャラリーにビデオの上映をメインとする作品が多く集められていました。 その一方で、テーマは愛知県陶芸美術館とも統一感が取れていました。
中では、髪をモチーフとしつつ抽象的に空間構成したインスタレーションの Afra Al Dhaheri (アブダビ出身/拠点)、
2003年のイラク戦争で体験した空爆の空を抽象表現主義を思わせる大きな油彩画として仕上げた Bassim Al Shaker (イラク・バクダッド出身/ニューヨーク拠点)、
シリア内戦でイスラム国に破壊・略奪されたラッカの博物館所蔵の文化財をリトファンに3Dプリントしたものをマトリックス状に並べたライトボックスで展示した Hrair Sarkissian (シリア出身/ロンドン拠点) の Stolen Past (2025) など、
抽象度高く仕上げた作家の作品が印象に残りました。
ビデオを使った作品では、手にまとわりつく蝿の動きや唸る羽音を白い背景で抽象化しつつCGも使って描いた
Silvia Rivas (アルゼンチン・ブエノスアイレス拠点) の Buzzing Dynamics (2010) が、
芸術祭全体の方向性には外れるように思いつつも、そのユーモアが気に入りました。
パレスチナ、イラク、シリア、イエメンの人々がSNSで共有した歌い踊る様子の映像を素材とした映像を
電子的なビートに乗せつつフラットにならないようにした壁面に投影した
Basel Abbas and Ruanne Abou-Rahme (ニューヨーク/パレスチナ・ラマラ拠点) の
May amnesia never kiss us on the mouth (2020-ongoing) にも、DIY的な生々しさを感じました。
その一方で、20世紀前半と思われる白黒のアーカイブ映像や、BBCやNational Geographicが撮ったかのような (実際にBBCの自然班と撮ったとキャプションにあった) 高精細の迫力ある大自然の映像を、象徴的な演出写真のようなカットも交えて、
近世以降の海を舞台とした交易や冒険の歴史をうっすらと浮かび上がらせるような
3スクリーンのビデオ・インスタレーションに仕上げた John Akomfrah (ロンドン拠点) の
Vertigo Sea (2015) の映像美に圧倒されました。
日本の作家では、マユンキキ (ヤウンモシリ[北海道]・チカプニ[近文]コタン出身/北海道拠点) の祖父 川村 カ子ト に主題にしたインスタレーションが印象に残りました。
以前に『翻訳できない私の言葉』 (東京都現代美術館, 2024) [鑑賞メモ] で観たときはリサーチ資料展示のような微妙さを感じたのですが、
この芸術祭では、
旭川アイヌのリーダーかつ天竜峡〜三河川合間の鉄道開通で活躍した測量技師という対象的な二面を描きつつ、
ブラックボックス化したギャラリーに道を示すように並べた石とスピーカーからの音をメインとしてミニマリスティックな空間演出に仕上げていました。
小川 待子 のガラスと陶を組み合わせて天然水晶原石のような造形や溶け崩れた水盤のようなオブジェを使ったインスタレーションも、
その素材感そのものの美しさを感じさせるだけでなく、
その素材からして愛知県芸術センター会場に展示されていながら愛知県陶磁美術館会場との繋がりを意識させるようなところもありました。
愛知県陶磁美術館の茶室「陶翠庵」でも展示していた 大小島 真木 の愛知県芸術センターの作品は、
作風がかなり異なっていて、そちらにはむしろ分裂した印象を受けました。
欧米 (北米及びヨーロッパ) の有名な作家はいませんでしたが、 アジア、アフリカ、南米、オセアニアといった非欧米の現代アートをまとめて観ることができましたが、 芸術監督のバックグラウンドでもある中東圏の作家が印象に残ることが多かったでしょうか。 女性作家も多く、特に愛知県陶芸美術館で展示していた作家は過半が女性でした。 多様なバックグラウンドの作家を集めつつ、植民地主義、特に先住民の問題が通底するテーマとして感じられ、 その一方で最終的には抽象度の高い造形や空間演出の作品に仕上げているものが多く、その点も期待以上に見応えのある芸術祭でした。 (作品展示を前提とした美術館の空間を使った展示のみを観ているので、瀬戸市のまちなかでの展示も観るとまた印象も変わるかもしれませんが。)
『国際芸術祭「あいち2025」―灰と薔薇のあいまに』は、現代美術の展示だけではなく、 パフォーミングアーツのプログラムも組まれています。 というわけで、合わせて以下の3つを観てきました。 パフォーミングアーツの演目も、現代美術と共通するテーマが感じられるものでした。
권 병준 [Kwon Byungjun]: Speak Slowly and It Will Become a Song
パフォーミングアーツ部門のプログラムとしてエントリしていましたが、
ライブで誰かがパフォーマンスしているわけではない、いわゆるサウンドインスタレーションです。
GPSで位置情報を取るヘッドホンを使い芝生広場の位置に応じたサウンドを聴く、いわゆるAR (Augmented Reality) の作品でもあります。
自分が体験した時は雨足が弱まることはあれど降雨で、傘をさしつつ、足元を気にしつつの体験になってしまい、ヘッドホンのサウンドの世界に入り込めなかったということもあるでしょうか。
音声ガイドではないので現実世界との対応付けが分かりやすい必要はないのですが、
芝生広場という特徴に乏しい空間ではその結びつきは乏しく、
単に民謡などに関する話を聴きながら歩きまわるだけに近い体験になってしまいました。
音を使ったAR作品といえば『六本木アートナイト 2012』での Musicity Tokyo [鑑賞メモ] など思い出しますが、 10余年経って技術的にはかなり洗練されたと感じる一方で、街中の文脈のある変化に富んだ空間の方が会場としては適していそうだとも感じてしまいました。 2012年にはDocumenta 13で Janet Cardiff & George Bures Miller: Alter Bahnhof Video Walk という音声だけでなくビデオを使ったAR作品も体験していて [鑑賞メモ]、 その時にも感じたことですが、やはり、この手の作品の面白さは実現する技術とは独立だとも感じてしまいました。
サモアにルーツを持つ Neil Ieremia が1995年に設立した オセアニアの島嶼国やニュージーランドの先住民にルーツを持つメンバーで構成された ニュージーランド [アオテアロア] のコンテンポラリーダンスカンパニーの公演です。 2005年に来日しているとのことですが、今回初めて観ました。
太平洋の島々に対して広く持たれている楽園 (paradise) のイメージの裏にある、 先住民の大航海時代以降の受難の歴史を “hope + resistance”、“sorrow + acceptance”、“control + release”、“faith + crisis”の4部構成で描いた作品でした。 楽園をイメージさせる緑を舞台の両脇に配し、その間で、その役割を表す衣装を着たダンサーが踊ります。 マイムで内面を物語るというより、ダンスで象徴的な場面を連ねていくので、神話的な叙事詩を見るようでした。 そのテーマに合わせたように、サモア語やトンガ語の歌やナレーションが使われる一方、楽園を想起させる映画音楽的な音楽が歪んだ形で使われましたが、 実に1980s前半風、特にFats CometかArthur Bakerかのようなold school hip-hop / electro / freestyleな (おそらくオリジナルの) 音楽が多用されていたのが、 このスタイルの音楽を選択した意図を汲み取りかね、気になってしまいました。
Basel Abbas and Ruanne Abou-Rahme with Baraari, Haykal and Julmud:
Enemy of the Sun
愛知県美術館ギャラリーで現代美術の展示にも参加していた Basel Abbas and Ruanne Abou-Rahme の、
クラブのライブ及びラウンジのスペースを使ったパフォーマンスです。
没入型のビデオ・インスタレーションしながら、
パレスチナ・ラマラ拠点もしくはそこを出て欧米で活動するパレスチナ系ミュージシャン Baraari, Haykal, Julmud がライブしました。
最初は再入国できなくなる可能性があるため来日できなくなった (おそらく) Haykal がリモート参加でラップで30分ほど、 続いて、Basel Abbas がラップトップでビデオを操作する横で Baraari と Julmud がラップやトリップホップ風に歌うようなフローで30分ほど。 その後、ラップ抜きで Julmud がより抽象的な音出しを始めたのですが、このあたりで体力的に限界となり帰ることにしました。 かつての SuperDeluxeのような打ちっぱなしの壁にくっきり投影されればビデオプロジェクションに没入感も出たかもしれませんが、 雑然としたクラブのラウンジ的なスペースではよくあるビデオ演出程度になってしまったでしょうか。
会員になってるチェーンのシティホテルになんとか相応のお値段で泊ることができたのですが、 宿泊予約サイトで検索するとホテルが空いていても普段の倍くらい。 駅やホテルでスーツケース押した推し活らしき人 (アイドルかと思われるものの推しが何かは判らなかった) を多く見かけたので、三連休だからだけではなかったのでしょう。 日帰りにしようかと思った程ですが、夜の公演も観ることができましたし、やはり1泊にして良かったです。
陶磁資料館南駅から会場の愛知県陶磁美術館へ向かう間に一緒になった人と話したり、 会場の陶磁美術館でオープニングで来ていた作家か関係者らしき人に英語で「素敵なシャツですね」と声をかけられたり、という所にも、いかにもフェスに来た感がありました。
食事は、泊まったホテルの朝食が一番まともだったという結果になってしまいました。 ランチや休憩では会場に併設された関連メニューを出しているレストランやカフェに入ったのですが、 席数ではなく処理能力が不足していてオペレーションが破綻していました。これは、残念。
コンテンポラリー・ダンス及び現代アートの文脈で活動する Tiia Kasurinen のパフォーマンス作品です。
今まで作ってきた作風などの予備知識はなく、2024年のレジデンスの際のワークインプログレス公演も観ていませんが、
「音のジェンダー」をコンセプトとしたパフォーマンスということに引かれて観てきました。
パフォーマンスは Tiia Kasurinen 自身の歌、ボイス、パフォーマンスと
Eliel Tammiharju aka Keliel によるラップトップとハープの演奏と歌からなるものでした。
コンセプトという点では、カラスの鳴き声を思わせる引き攣ったような抽象的な発声と
ハイトーンで歌われる indietronica / dream pop 風の歌が対比され、
歌自身もヴォコーダ (もしくはそれ相当の機能のあるラップトップのソフトウェア) を使い声のピッチを微妙にずらされます。
ビジュアル的には、Tiia Kasurinen はドラァグクイーン風のメイクに盛った鬘、
しかし、衣装はドラァグのようなどぎついものではなくコルセットにクリノリン。
フェミニズムの文脈では女性の拘束の象徴として扱われることが多いものですが、
ドラァグ風の頭部もあってか、むしろ19世紀半ばのファッションのポップでキッチュなパロディのようでもありました。
後半になるとクリノリンは脱ぎ捨てられ、ダメージジーンズ姿となります。
元の歌声が強くジェンダー規範を意識させられるもの (例えば、日本で言えば、アナウンスの女声や、アニメ女優の声) で無かったこともあり、
声が対比されたりビッチがずらされたりという点については、さほどピンとくる所はありませんでした。
むしろ、ドラァグ風のメイクや拘束を感じさせる所作、そして、抽象的な時間空間や動きのコンポジションのような抽象ダンスや、もしくは、身体表現で物語るナラティヴなダンスとは違う、
コンセプトに基づく象徴的でシュールレアリスティックなイメージを連ねていくような構成に、
Matthew Barney: 
近代の歴史や記憶、現代の社会問題に着想した作品を集めた現代美術の展覧会です。
といっても、現代美術はそのような作品が多いので、特に強い方向性を感じる程では無かったでしょうか。
Gerhard Richter や Anselm Kiefer などの有名どころも展示されていましたが、
ポーランドの作家 Wilhelm Sasnal による、現代南米の社会問題に取材しその報道写真的な構図を使いつつも、
抽象度を上げてシルクスクリーンのようにフラットな質感の油彩として仕上げた一連の作品 (2019-2023) が印象に残りました。
2012年のDocumenta 13で観た William Kentridge: 
コレクション展は素材をテーマにしており、現代美術というよりガラス、陶磁、漆工などの現代工芸の文脈の作品も多く含まれていました。
それらも良かったのですが、結局、現代美術の文脈の、Carsten Nikolaiのアルミ板やブラウン管、
山崎つる子の着色したプリキの板や缶を使った、
近現代の工業的な質感によるミニマリスティックな作品の方に惹かれてしまいました。
1年余ぶりの金沢 [
総合開館30周年を記念してのコレクション展の第2弾です。
第1弾 [
個別の作家では、ニュージーランド出身で戦間期はロンドンで活動した Len Lye の純粋映画的なアニメーション、
1970年代後半に南カルフォルニア Zuma Beach の廃住居に抽象的なグラフィティなど手を加えてカラーで撮った John Divola: 
Luigi Ghirri: 
測量技師としてのキャリアの後、コンセプチャルアートの影響下で1970年代から1992年まで活動したイタリアの写真作家の展覧会です。
といっても、意識して観るのはこれが初めてで、イタリアの写真史もしくは現代美術史の中での位置付けなど、表現の文脈も把握できていません。
やはり日本と米英仏独程度しかちゃんと観てこなかったのだなと、反省させられました。
正面性の強い構図で絵を描くかのようにパンフォーカス気味に撮った写真が多く、
鑑賞者も入れ込んで美術館の中の絵画を撮ったものなど Thomas Struth など連想させますし、
いわゆる Becher Schule のドイツの写真に近いものを感じました。
その一方で、そこまで即物的でクールではなく、彩度を抑えたほんのり色温度低い画面作りに人間の体温を感じられるようでした。
ステージでやるのかと勘違いして会場に着くのが遅れ、最初は人垣越しに遠目に、そのうち比較的余裕があり雨にも当たらない2階客席側から観ました。
Anselm Kiefer
(西)ドイツで1960年代から現代美術の文脈で活動するAnselm Kieferの大規模な個展は、
回顧展ではなく2010年代以降の作品で構成された、美術館・ギャラリー以外の場所を使っての展覧会です。
20世紀の作品を美術館の収蔵品展示で観たり、
この展覧会の主催者でもある 
会場となったのは1994年に
二条城の豪華絢爛な金箔地の襖や壁と Anselm Kiefer の金字の絵画の類似がこの会場へ導かれるきっかけ [
しかし、大人数の宴席の調理を目的とした機能的で飾り気ない広い土間や板の間が広っており、
日本家屋にしては現代美術の大きな作品の展示に向いた大規模な空間です。
作品や展示の文脈を読み込むことを促されるような展示ではありませんでしたが、空間の雰囲気を展示込みで楽しむことができました。
ホワイトボックスというよりブラックボックスに近い展示空間に、
ほぼ照明を使わず開かれた戸や障子ごしの自然光を生かした展示は、抽象表現主義にも近い粗いテクスチャの画面の凸凹や金色の煌めきを際立たせていましたし、
大判な絵画も狭苦しく感じず、その展示空間の光の趣も含めて楽しみました。
特に、台所の板の間が広がる空間を使い、障子こしの柔らかい光をオブジェに対して逆光というか背景光とする展示が気に入りました。
台所の入り口前、土蔵に囲まれた場所に置かれた高さ10m近い鉛、スチール製の 
Cerith Wyn Evans はウェールズ出身、1980年代は映画監督 Derek Jarman のアシスタントして
映画だけでなく Throbbing Gristle、The Smiths や Pet Shop Boys のミュージックビデオを、
また自身が監督として The Fall のミュージックビデオを手がけるなどの活動をした後、
1990年代以降はコンセプチャル・アートの作風で現代美術の文脈で活動しています
[
会場は京都の築約150年の町屋をほぼ築当時の状態に復元して使うという形で2023年にオープンしたギャラリー。
そのギャラリーに入り、建物の内部を眺めても、一見、展示があるようには見えません。
注意して見ると、壁際に透明なガラス板が立てかけてあります。
障子やガラスの窓や戸を越して入ってくる光をそのガラスが反射するささやかな煌めきを、
陰影深い近世日本建築である町屋の空間と合わせて楽しむインスタレーションでした。
内藤 礼 のインスタレーション [
それ以外にも、床の間を使ったインスタレーションや、ギャラリー内を撮影したフォトグラビュール (フォトエッチング) 作品もありましたが、
インスタレーションで体験する陰影のあわいに比べると趣に欠けるものでした。
展覧会を2つ観た後はホテルへ。真夏日ではないもののそれに近い暑さに参っていたので、荷物を置いて、ひと休み。
その後、バスで河原町三条へ。新京極商店街にあるレコードショップ、
戦間期からミッドセンチュリーにかけての20世紀の住宅に焦点を当てた建築展です。
この時期に建てられてた傑作と見做される作家性の高い14邸を、
モダンな住宅と特徴付ける7つの観点 (衛生, 素材, 窓, キッチン, 調度, メディア, ランドスケープ) から読み解く展覧会でした。
14邸が強く順序づけられることなく置かれ、その中で資料を観点と紐づけられた色分けで示す展示です。
年代順や7つの観点ごとのような手がかりの薄い展示構成にしばらく捉え所無さを感じたのですが、
住宅に限らず建築はある1つの観点のみの問題解決をしているわけではなく、
14邸を核に多面的な解決を示しているということが腑に落ちてからは、むしろ回遊性の高さを楽しみました。
そういう点で最も興味深く観たのは戦前日本の2邸、
藤井 厚二『聴竹居』 (1928) と 土浦 亀城『土浦亀城邸』 (1935) でした。
特に、『聴竹居』は和洋折衷というものですが、単に様式的な混交というよりも、
衛生面などモダンな解決がされたものだという点にに気付かされたり。
もちろんそれだけでなく、戦前の松竹や東宝のモダニズム映画の舞台にありそう、というか、
戦前のモダンな生活を垣間見るような興味深さもありました。
ほぼ欧米もしくは日本の男性の建築家ばかりの中、非欧米日本でかつ女性の建築家で取り上げられていたのが、
イタリア出身でブラジル・サンパウロで活動した Lina Bo Bardi による 
モダニズム色濃い邸宅が揃う中、出口近くに展示された Frank Gehry: 
1914年オーストリア・ウィーン生で、1930年にウィーンで女優デビュー、1938年にハリウッドデビューした映画女優として知られる、
また、無線通信で広く使われている周波数ホッピングスペクトラム拡散方式の元となる周波数ホッピングによる秘匿通信技術を
アヴァンギャルドの作曲家 George Antheil と共に発明した発明家としても知られる、
Hady Lamarr に着想した作品からなる展覧会です。
といっても、彼女に関してサーベイした資料を雑然と積み上げたような作品ではなく、
着想した造形作品を追う中に、彼女の一生の多面性や人生の困難が浮かび上って来るような作品でした。
もう一つは、発明家だった Hady Lamarr の秘匿通信技術を含む様々な発明を
3Dプリンタで造形して当時の資料や映像と組み合わせた作品
「暗号通信システムとコーラ・タブレット」 (2025) です。
三つ目は、Hady Lamarr に関係するインタビュー等の音源を電球の光にアナログ変調し
小型のソーラパネルに繋いだスピーカーで復調して聞かせる作品
「メルクリウス―ヘディ・ラマーの場合」 (2022-) です。
このインスタレーションが、視覚的にも美しく、ローファイな音の響きも良く、また、観客を能動的に動き回ることを促します。
この電球を使った作品が、自動ピアノに着想した作品や3Dプリンタの作品を繋ぎ合わせて、展覧会全体としてインスタレーションとしてのまとまりを作り出していました。
また、使われる音源の中で彼女の発明家だけではなくハリウッド女優としての面も取り上げることで、
彼女の生涯から当時の女性が取りうる選択の限界も見えるような、興味深いものとしていました。
岩手県盛岡市を拠点に活動する劇団による街の歴史に取材した作品で、
観客に街歩きガイドしつつ、歴史的エピソードを関連する場所で上演する作品です。
出発点は青葉シンボルロードの市庁舎側、そこから呉服町商店街を札の辻へ、七間町商店街を進んで、
青葉シンボルロードのもう一方の端の常磐公園がツアーの終点でした。
LINDA × 金光 佑実 × naraka
普段は劇場で公演している関西拠点のジャグリング・カンパニーで、野外はほぼ初めてとのこと。
タイトルから予想されるような借景を活用したサイトスペシフィックな演出というほどのものはなく、
かつての大道芸フェスティバルin静岡でオフ部門のパフォーマーを観ているような気分になりました。
しかし、男女混成でかつ3人組という編成や、台詞というか音楽に合わせてのラップのような語りを使う所など、
他の大道芸でのジャグリング芸ではあまりなさそうな特徴もあるパフォーマンスでした。
劇場公演も多いのですが、大道芸フェスティバルにも度々出演している、フィジカルコメディの2人組です。
その名は度々目にしていたのですが、タイミングが合わず、今回初めて観ました。
福岡を拠点に活動する 乗松 薫 と 鉄田 えみ のダンスカンパニーです。
コンテンポラリー・ダンスの文脈で名を知ってはいましたが、観るのは初めてです。
彼女たちが街中でダンスながら移動する様子を観ながら追いかけるという展開を想像していたのですが、
彼女たちのダンスの見せ場はありましたが、むしろ、願いを書いた大きなしわくちゃの紙を観客の皆で持って移動する (パレードする) という、
観客参加型のパフォーマンスという面が強いものでした。
去年に引き続いての [
19世紀末から1930年代頃まで活動したスウェーデンの女性の美術作家 Hilma af Klint のアジア初の回顧展です。
2018年の Guggenheim Museum での展覧会
キューレーションで強調されていたのかもしれませんが、予想していたより神智学・人智学からの影響を強く受けた表現でした。
19世紀末の王立芸術アカデミー在学中や挿絵作家としての作品もありましたが、
クリエイティヴ・ピークは1900s-01sの絵画やドローイングで、
1920s半ば以降は主に過去のノートの編集・改訂の作業となっていました。
神智学的な認識を図式として表現したダイアグラムとしての抽象表現ということで、
この時代のポスト印象派からキュビスムのような表現を経て抽象へ至るモダニズム的な色彩と形態の抽象化の流れとはかなり異なった系譜の抽象画でした。
同時代で似たものとしては初期 Bauhaus で描かれた教育の理念や体系を図式的に示したものなどを連想しましたが、
神智学的な認識が着想源という点では、むしろ、シュールレアリズム的な表現に近しいものを感じました。
カナダ出身の現代美術作家2人組の個展です。
立体的なサラウンド・サウンドを使ったインスタレーションでも知られますが、
小さなギャラリーでの個展ということで、小ぶりな壁付けのファウンドオブジェのアッサンブラージュ作品11点が展示されていました。
彼ららしく音が出る作品で、アッサンブラージュの造形も、またシュールレアリスティックで演劇的な時間展開が感じられるという点でも、
2017年に金沢21世紀美術展で見た個展 [
小ぶりのスーツケースを持ち運びの人形劇場に仕立てた 
他の作品はここまで演劇的な仕掛けがあるわけではないのですが、
作品に付けられたスイッチを押すと、数秒から数十秒の音が流れます。
作品に動きがあるというわけではなく、流れる音も明確な筋が作り込まれているわけはないのですが、
音により時間の進みが感じられるようになり、アッサンブラージュされたファウンドオブジェから物語がうっすら浮かび上がるよう。
ボタンを押すことで始まる超短編の人形劇／人形アニメーション観ているような、そんな楽しさを感じました。
2000年代以降に現代美術の文脈で活動する作家の個展です。
グループ展で観たことはありますが、個展は初めてです [