TFJ's Sidewalk Cafe >

談話室 / Conversation Room

TFJ's Sidewalk Cafe 内検索 (Google)
[3542] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 小杉町, 川崎市, Sun Apr 23 22:01:05 2017

転居後で部屋の中はまだまだダンボール箱の山だらけですが、 土曜は夕方に渋谷へ出て、この舞台を観てきました。

Finn Family Moomin: Moomin and the Magician's Hat / Special Ballet Galla
オーチャードホール, 文化村 (渋谷)
2017/04/22 16:30-19:00
Special Ballet Gala
『北欧バレエ・ガラ』
From Swan Lake Act III: “Spanish Dance”, “Hungarian Dance”, “Russian Dance”, “The Black Swan Pas de Deux”
『白鳥の湖』 第3幕より: 「スペインの踊り」「ハンガリーの踊り」「ロシアの踊り」「オディールと王子のグラン・パ・ド・ドゥ」
Choreography: Kenneth Grave(based on the Lev Ivanov / Marius Petipa; Music: Pyotr Ilyich Tchaikovsky.
The Swan of Tuonela 『トゥオネラの白鳥』
Choreography: Imre Eck; Music: Jean Sibelius.
Grand Pas de Deux from Scheherazade 『シェヘラザード』よりグラン・パ・ド・ドゥ
Choreography: Kenneth Grave; Music: Nikolai Andreyevich Rimsky-Korsakov.
From Ballet Pathetique バレエ『悲愴』より
Choreography: Jorma Uotinen; Music: Pyotr Ilyich Tchaikovsky.
From Don Quixote Act III: “Fandango”, “Grand Pas de Deux”
『ドン・キホーテ』第3幕より: 「ファンタンゴ」「グラン・パ・ド・ドゥ」
Choreography: Patrice Bart, José de Udaeta (Fandango); Music: Léon Minkus.
Finn Family Moomin: Moomin and the Magician's Hat
Choreography: Kenneth Grave; Music: Tuomas Kantelinen.

フィンランド国立バレエ団の初来日公演。 フィンランドの有名なキャラクター Moomin をフィーチャーした2015年制作のバレエ作品 Moomin and the Comet が海外メディアでも話題になっていて気になっていたところ、 初来日で世界初演となる Moomin ballet 新作第2作を持ってきました。 バレエ公演にしては手頃なチケット価格だったうえチケット争奪戦もさほどでなく、 イベントシネマでバレエづいているので、生でバレエを観る絶好の機会と足を運んでみました。

休憩を挟んで前半約1時間は『北欧バレエ・ガラ』。 特に北欧と謳うほどではないと思いましたが、有名な古典作品だけでなく現代作品を含む作品からの抜粋からなるステージ。 背景に映像を投影する程度で美術も無く、抜粋によって物語性が解体されるので、古典作品と現代作品の差異が小さくなり、 演出を楽しむというより、ダンサーの身体性、技が全面に出てくるように感じられました。 現代作品は、The Swan of TuonelaPathetique。 特に Pathetique は、道化のような化粧にスキンヘッド、上半身裸に白いチュチュという姿で踊る男性のソロで、古典作品と並ぶとなかなかのインパクト。 古典作品の中では、フラメンコ色濃く女性も艶やかな Don Quixote を楽しみました。 現代に舞台を移した Théâtre National de Chaillot の Don Quichotte du Trocadéro を以前に観てますが [レビュー]、 イベントシネマも活用して、古典的な演出のものもちゃんと観ておきたいものです。

後半約1時間はムーミン・バレエこと『たのしいムーミン一家 ~ムーミンと魔法使いの帽子~』。 Moomin たちメインのキャラクターの着ぐるみがかなりアニメーションでの造形に忠実なので、着ぐるみショー色濃いものを予想していました。 しかし、前半こそ着ぐるみでないのが Little My (ミィ) と Snafkin (スナフキン) だけでバレエ色が薄めでしたが、 特に後半、Magican (飛行オニ)、Black Panther (黒豹)、Ruby (ルビー) などが登場すると、ぐっとバレエらしく。 というか、メインのキャラクターの造形を生かすと踊らせづらいので、バレエを踊らせる役として脇役を活用したといったところでしょうか。 期待以上に動きにキレがあり、しかし Moomin ならではのほんわかした雰囲気も上手く表現していて、 「Moominmamma (ムーミンママ) がいいなあー」とか 「The Groke (モラン) が不気味可愛い」とか 「Little My と Snafkin が美男美女カップルでいいのか!?」などと突っ込みを入れつつ楽しんで観ることができました。

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先週末、15、16日の週末を使って転居しました。世田谷の若林を離れ、川崎市の小杉町へと。 大家さんとも仲良くなり居心地良かったこともあり、若林には14年も住んでいました。 今までの人生で最も長い間住んだ場所だったんだなあ、と。 若林にも思い入れがありますが、心機一転する良い機会かと前向きに考えてます。

CDやレコードを大量に持っているという自覚はありましたが、 箱詰してわかったのは、体積で見て一番多かったのは本だったということ。 あと、自分はさほど衣装持ちのつもりではなかったのですが、荷造り荷開きしてみると多いなあ、と。 14年使い続けたものばかりと、家具家電は転居に合わせて新調したため引越荷物に含まれなかったにもかかわらず、2tロングという単身者とは思えない荷物量に我ながら呆れました。 転居前に整理する余裕もなくとりあえず新居に持って来てしまいましたが、少しずつ減らしていかねば、と。

転居の理由は、職場の引越。 旧居から新しい職場へは2時間半かかり、とうてい通勤できないため、転居することにしたのでした。 といっても、新居からでも1時間半余りかかりそうなのですが。 明日から新しい職場へ通勤です。 職場が変わるだけでなく、この4月から役職も変わって、ますます忙しくなりそうです。 今までのようには、このサイトは運営できなくなるかなあ、と。

[3541] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- tfj@kt.rim.or.jp, Sun Apr 2 23:53:42 2017

土曜も昼過ぎには日本橋へ。水曜晩、金曜晩に続いてイベントシネマでバレエを観てきました。

Royal Opera House, 8 February 2017.
Direction and choreography: Wayne McGregor; Music: Max Richter; Dramaturg: Uzma Hameed.
Designers: Ciguë, We Not I and Wayne McGregor, Costume designer: Moritz Junge; Lighting designer: Lucy Carter; Film designer: Ravi Deepres.
Koen Kessels (conductor), Orchestra of the Royal Opera House.
Premier: 11 May 2015, The Royal Opera House, London
上映: TOHOシネマズ日本橋, 2017-04-01.
I now, I then
from Mrs Dalloway
Dancners: Alessandra Ferri, Federico Bonelli, Gary Avis, Francesca Hayward, Beatriz Stix-Burnell, Edward Watson, Akane Takada, Calvin Richardson.
Becomings
from Orlando
Dancners: Gary Avis, Matthew Ball, Calvin Richardson, Francesca Hayward, Paul Kay, Sarah Lamb, Steven McRae, Natalia Osipova, Beatriz Stiv-Brunell, Akane Takada, Eric Underwood, Edward Watson.
Tuesday
from The Waves
Dancners: Alessandra Ferri, Federico Bonelli, Sarah Lamb, et al.
Anush Hovhannisyan (soprano).

Royal Opera House Cinema Season 2016/17 のラインナップ中、唯一のコンテンポラリー・バレエ作品。 ヨーロッパの国立バレエ団のコンテンポラリー作品はほとんど来日せず、Wayne McGregor の作品を観る機会が無かったので、これも良い機会と足を運んでみた。 2015年に初演されたこの作品は、戦間期にロンドンで活動したモダニズムの小説家 Virginia Woolf の3作品と Woolf の生涯に着想した、 3幕物というか3部作 (triptych) 構成の作品。

第1幕というか第1作は小説 Mrs Dalloway (1925) に着想した I now, I then。 主に回想で直線的に話が進行するわけではなく叙情的ですらあったけれども、予想よりもナラティヴな印象。 身体能力を見せるというよりアクロパティックながらマイムで心情を表現するようなダンスで、 ミニマルな演出のフィジカルな現代演劇を観てるよう。 夫 Richard Dalloway と若い頃に求婚された旧友 Peter Walsh の間で揺れる Clarissa Dalloway をロマンチックに。 しかし、一番印象に残ったのは、第一次世界大戦のPTSDで苦しむ Septimus Warren Smith。 ほとんど唯一の舞台美術である大きな枠にヘルメットが置かれたり、それが静かに回収されたりする所など、象徴的にすら感じた。 我ながら意外だが、3部作中、最もナラティヴな I now, I then が楽しめた。

第2作は小説 Orlando (1928) に着想した Becomings。 一転して、いかにもコンテンポラリーなノンナラティヴな演出。 うねうねした、しかしキレのいい動きを堪能することができた。 原作は16世紀エリザベス1世の時代から現在 (20世紀の戦間期) までの時間を旅する話だが、 金色の衣装や、スモークにレーザを使った演出は、SF的な未来の旅を思わせるものだった。

第3作は小説 The Waves (1931) に着想した Tuesday。 エンディングなどパ・ド・ドゥもあるが、大きく映されたモノクロの波の映像の前で群舞が印象的。 I now, I then が演技、 Becomings が身体能力で見せる演出としたら、 Tuesday は落ち着いたアンサンブルで見せる演出。 しかし、群舞といってもフィナーレに向けて派手に盛り上げるものではなく、時間が短めということもあってか、少々蛇足にも感じられた。

それにしても、第1作と第3作で主役を踊ったのは御年50歳という Alessandr Ferri。 さすがの演技力ということもあるが、 身体能力を見せつけるような踊りではないものの、あれだけよく身体が動くものだと感心しながら観ていた。

水曜に Большой балет: Светлый ручей [レビュー]、 金曜に Ballet de l'Opéra national de Paris: Ballets Russes [レビュー] そして土曜に Royal Ballet: Woolf Works と。 週後半にバレエのイベントシネマ上映3本を立て続けに観たわけですが、 やっぱり Woolf Works が最も楽しめたなあ、と。 コンテンポラリー作品の上映の機会も、そして来日公演の機会も、もっと増えて欲しいものです。

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1日の晩は大家さん宅の花見宴という話があったのですが、3月末の季節外れの寒さで桜の開花が進まず延期に。 結局、花見は無いものの、有志で母屋の中で宴会してましたが。 そんな宴会に顔を出しつつも、この週末も引越の準備をしていたのでした。 いいかげ、断捨離も飽きてきた……。

[3540] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Apr 2 22:18:53 2017

金曜の晩は日本橋へ。水曜に続いてイベントシネマでバレエを観てきました。

Palais Garnier, L'Opéra national de Paris, 2009-12-22.
Les Étoiles, les Premiers Danseurs et le Corps de Ballet de l’Opéra national de Paris.
Direction musicale: Vello Pähn; Orchestre de l’Opéra national de Paris.
Réalisation: François Roussillon
上映: TOHOシネマズ日本橋, 2017-03-31.
Le spectre de la rose
『薔薇の精』
Argument: Jean-Louis Vaudoyer, d’après le poème de Théophile Gauthier; Musique: L’Invitation à la Valse de Carl Maria von Weber
Chorégraphie: Mikhaïl Fokine, réglée par Pierre Lacotte; Décors et costumes: d’après Léon Bakst.
Danseurs étoiles: Mathias Heymann et Isabelle Ciaravola.
Création: 19 avril 1911, Opéra de Monte-Carlo.
Après-midi d’un faune
『牧神の午後』
Musique: Prélude à l’Après-midi d’un faune de Claude Debussy
Chorégraphie: Vaslav Nijinski, réglée par Ghislaine Thesmar. Décors et costumes: Léon Bakst.
Danseurs étoiles: Nicolas Le Riche, Emilie Cozette.
Création: 29 mai 1912, Théâtre du Châtelet.
Le Tricorne
『三角帽子』
Musique: Manuel de Falla; Livret: Gregorio Martinez, d’après la nouvelle « El sombrero de tres picos » de Pedro Antonio Alarçon.
Chorégraphie: Léonide Massine; Décors et costumes: Pablo Picasso.
Danseurs étoiles: José Martinez, Marie-Agnès Gillot, Fabrice Bourgeois.
Création: 22 juillet 1919, Alhambra Theatre, Londre.
Petrouchka
『ペトルーシュカ』
Musique: Igor Stravinsky; Livret: Igor Stravinsky et Alexandre Benois.
Chorégraphie: Mikhaïl Fokine; Décors et costumes: d’après Alexandre Benois.
Danseurs: Claire-Marie Osta (la poupée aux joues rouges), Yann Bridard (le maure), Benjamin Pech (Petrouchka), et al.
Création: 13 juin 1911, Théâtre du Châtelet.

Diaghilev の Ballets Russes 設立から100年を記念して2009年に行われた Opéra national de Paris による Ballets Russes の復元上演の録画が、 Diaghilev 生誕145年を記念してその誕生日にイベントシネマ上映されました。 当時 NHK で放送されたようですが、それはノーチェックだったので、これを機会に観てきました。 Ballets Russes は、書籍や展覧会で写真や関連資料を見る機会はそれなりにありましたが [レビュー]、 復元上演ということでダンスとしてどのような動きで舞台としてどう演出されていたのか、という点で興味深く見ることができました。

しかし、Après-midi d’un faune など、写真などで散々観ているし、 オマージュ的な作品 [レビュー] も観ているので、 やはりそうかと確認しているよう。 Stravinsky の Petrouchka を最も楽しみにしていたのですが、 謝肉祭の見世物を題材とした劇中サーカス/大道芸っぽいところは好きですが、 衣装も演出もモダニズムを強く感じさせるものでは無かったのだなあ、と。 Le spectre de la rose も、 当時薔薇の精を演じた Nijinsky の特異さを思わせるところはありましたが、かなりクラシック。 展覧会で1913年頃まで衣装が古典主義だということに気付いていましたが、 これら1911年の作品の復元上演を観て、なるほどそういうことかと。

そんなわけで、結局、観ていて最も楽しめたのは、Picasso が美術と衣装を手がけた Le Tricorne。 シャープな立体主義的な抽象的なデザインという程では無かったものの、 むしろシュルレアリズムを思わせる背景の風景の絵や衣装の色使いのセンスがモダン。 舞台がアンダルシアでフラメンコの踊りをベースとした振付で、 好色な代官を懲らしめる粉屋とその女房の話もコメディタッチ。 あまり Ballets Russes らしくはないようにも思いましたが、楽んで見ることができました。

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[3539] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Fri Mar 31 0:22:46 2017

水曜の晩は仕事が終わった後、新宿へ急行。イベントシネマでバレエを観てきました。

Bolshoi Ballet: The Bright Stream
『明るい小川』
Большой театр, 29 апреля 2012 г.
Музыка Дмитрий Шостакович [Music by Dmitri Shostakovich]
Либретто Адриана Пиотровского и Федора Лопухова [Libretto by Adrian Piotrovsky and Fyodor Lopukhov]
Хореограф-постановщик: Алексей Ратманский [Choreographer: Alexei Ratmansky], Художник-постановщик: Борис Мессерер [Designer: Boris Messerer]
Премьера состоялась 18 апреля 2003 г. [Premier: 18 April 2003]
Действующие лица и исполнители (Cast): Светлана Лунькина (Зина), Михаил Лобухин (Петр), Мария Александрова (Классическая танцовщица), Руслан Скворцов (Классический танцовщик), Денис Савин (Аккордеонист), Алексей Лопаревич (Пожилой Дачник), и другие
Дирижер: Павел Сорокин [Conductor: Pavel Sorokin].
上映: TOHOシネマズ新宿, 2017-03-29.

Большой балет в кино [Bolshoi Ballet in cinema] Season 2016/17 で Шостакович 作曲のソヴィエト・バレエ3作の最後の作品を観てきました。 1935年にサンクトペテルブルグの Малый оперный театр (現 Михайловский театр) で初演されるも、 1936年に Правда 紙にて批判され上演中止となり、その翌年、脚本の Адриан Пиотровский は НКВД (内務人民委員部) に逮捕、処刑されます。 そんな大粛清の時代に制作され長らくお蔵入りしていた作品を、2003年にモスクワの Большой театр が復元上演したものです。 しかし、そんな曰くよりも、コルホーズを舞台としたバレエという取り合わせに興味を引かれました。 こんな作品、来日公演のレパートリーに選ばれることは無いでしょうし、こういう機会でもないと観れないだろうと。

ロシア南部のクバーニ (Кубань) 地方のコルホーズ「明るい小川」が舞台。 そこにモスクワからバレエ団が訪れることで生じたドタバタをコミカルに描いた作品です。 コルホーズで暮らす Зина [Zina] とバレエ団のバレリーナが、偶然ながら、バレエ学校時代の旧友。 Зина の夫 Петр [Petr] がそんなバレリーナと浮気しようとして、Зина とバレリーナに懲らしめられるというのが、メインの物語です。

舞台が1930s前半のコルホーズということで、衣装や美術が少々 Russian Avant-Garde 風な所も残した戦間期モダンぽさがあるだけで、 演出やダンス技法はクラシカルな物語バレエでした。音楽も不協和音使いなど前衛色は抑えたもの。 風刺というより皮肉の効いたコメディで、特に、Петр を懲らしめる第2幕はかなりのドタバタ。 Петр や引っ掛けるために、バレリーナとバレエダンサーが衣装や役割を入れ替えて踊ったり。 そんなところは、クラシカルな物語バレエのパロティといえるかもしれません。 そして、そんな所を楽しみました。

主役の Зина と Петр より、バレリーナとバレリーナの方が面白くて魅力的。特に、後半の男装で踊るバレリーナ。 あと、群舞ででてくる、コルホーズの女性たちの、細かい花柄ワンピースとヘッドスカーフというモダンな姿が、とても気に入りました。

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18時過ぎに仕事がひと段落したので、帰り支度しながらスマートフォンでチケットを取っていたら、一仕事舞い込んできたという。 やはりダメか……、と諦めかけましたが、なんとかギリギリ間に合わせることができたのでした。 近い新宿で、開演も19時半と遅めで、助かった……。 年度末の山を越えて比較的余裕はあるのですが、それでも平日晩は厳しいなあ、と。

[3538] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Wed Mar 29 0:56:06 2017

木曜の晩は仕事が終わった後、九段へ急行。開演時間には全く間に合いませんでしたが、このコンサートを聴いてきました。

Enzo Favata
イタリア文化会館 東京 [Istituto Italiano di Cultura, Tokyo]
2017/03/23, 18:30-20:00.
Enzo Favata (duduk, concertina, benas, bass clarinet, soprano saxophone, electronics).

テノーレ節 (Cantu a tenore) との共演など folk 寄りの jazz/improv の文脈で活動するサルディーニャ出身の multi reeds 奏者 Enzo Favata のソロでの来日コンサート。 ほとんど効果音のような電子音を伴奏に、リバーブ深めの音でルーパーで音を重ねつつ、様々な楽器を持ち替えて演奏。 開演には間に合わず、会場に着いたのは19時過ぎだったが、 concertina から、benas (launeddas に似た音色の2管の管楽器)、、bass clarinet、soprano saxophoneと演奏し、 アンコールでは Sun Ra の曲を bass clarinet で取り上げた。

サルディーニャの伝統的な楽器である benas を演奏に間に合って、聴くことができて良かった。 倍音成分の多いつん裂くような響きで、それもサーキュラー・ブリージングも使って吹き続けていたのは聴き応えあった。 bass clarinet や saxophone を使った曲でも、jazz のイディオムは強くなく、folk 的というほど泥臭くもなく、 空間に音を配置するようにパーカッシブに鳴る電子音や深いリバーブもあって、明るい地中海の風景を想起させるというより、幻想的にすら感じられる演奏が楽しめた。

知名度からしてソロでも来日ライブが観れただけでもありがたいと思う。 Riccardo Tesi が参加した Islà (Robi Droli / New Tonw, 1nt 6737 2, 1995, CD)、 Tesi に代わり Dino Saluzzi が参加した Ajò (Felmay, fy 7001 2, 1997, CD) や、 accordion が Daniele di Bonaventura [レビュー] となり launeddas 奏者の Luigi Lai やテノーレ節も参加したサルディーニャ色濃い Voyage En Sardaigne (Felmay, fy 7013, 1997, CD) など、1990年代の Jana Project での一連の作品が Favata を知ったきっかけだっただけに、 electronics を使ってのソロではなく、 accordion を含むバンド編成や、テノーレ節との共演でのライブを聴きたかった。 ソロでも良かっただけに、その点が物足りなく感じたライブだった。

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年度末の繁忙期の山も越えて (この時点でじたばたしても年度末に間に合わないので)、 慌ただしいもののひょっとして18時半開演に間に合うように職場を出れるかも、なんて淡い期待を抱いてました。 実際は、会議が終わったのが18時過ぎ。 しかし、この機会を逃したら Favata のライブなど二度と観られないだろう、と、駆け付けたのでした。 駆け付けた甲斐はありました。 しかし、平日晩の予定は読めないなあ、と、つくづく。

数年前から話はあったのですが、この4月に職場が移転することとなりました。 今住んでいる所は大変気に入っているのですが、通勤が大変なので、自分も転居することにしました。 先日、転居先が決まり、先週末はひたすら引越の準備をしていました。 今度は職場と自宅のダブル引越でまだまだ多忙な日々が続きそうです。

[3537] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Mar 26 22:46:33 2017

先週末の話ですが、土曜に続いて日曜も埼玉へ。北浦和でこの展覧会を観てきました。

Posters of A. M. Cassandre: A Graphic Revolution
埼玉県立近代美術館
2017/02/11-2017/03/26 (月休;3/20開), 10:00-17:30.

戦間期 Art Deco のグラフィックデザインで知られる ロシア・ハリコフ (現ウクライナ・ハルキウ) 出身のフランス人デザイナー A. M. Cassandre のポスター展。 展示の元となったのは、やはり戦間期 Russian Avant-Garde のポスターコレクション [レビュー] でも有名な故・松本 瑠樹 氏のコレクション。 1920年代から1930年代前半までの典型的な Art Deco のデザインだけでなく、戦後の仕事までカバーした回顧展だ。 1991年に東京都庭園美術館で松本 瑠樹 コレクションの Cassandre 展が開催されているが、当時はノーチェック。 戦間期のモダンデザインの展覧会で Cassandre のポスターを度々目にする機会があったが、これだけまとめて観たのは初めて。

いわゆる Art Deco の典型的作風のデザイナーで、それも長距離鉄道や豪華客船など近代的な交通機関のポスターが特に有名。 今回、まとめて見て、遠近短縮法と似た消失点を設定した構図や、客船や機関車の一部をクローズアップで捉えて強さを強調する画面作りなど、 新即物主義 (Neue Sachlichkeit) の写真との共通点に気付かされた。 Grand-Sport のポスターは Weimar 時代の Bauhaus のロゴの顔にスポーツキャップを被せたようだし、 Casino のサインボード (1931) の形も色使いも Alexandre Rodchenko のおしゃぶりの広告 (1923) と似ている。 エピゴーネンともいえるかもしれないが、当時の Avant-Garde を消化して同時代的な広告デザインを展開しているとも言える。 そういう点でも戦間期モダンの雰囲気を満喫できた。

Le Corbier は Cassandre の Au Bucheron のポスター (1923) を「まやかしのキュビズム」と批判したとのこと。 その批判ももっともで、Cassandre のような Art Deco のデザインは、戦間期 Avant-Garde の仮想敵のブルジョワの趣味とも言える。 自分も1990年代頃までは、戦間期の Art Deco と Avant-Garde を正反対なものとして見ていた。 21世紀に入り Art Deco 展 [レビュー] を観た頃には、 戦間期の文化として、むしろ共通点を見るようになった。 そんなことを思い出した展覧会でもあった。

1930年代後半以降の仕事の展示もあったが、Art Deco 期と比べると蛇足の感は否めなかった。 Art Deco の流行も終わった1930年代後半以降、Cassandre の作風も Surrealism 的なものに変化していた。 同時代のロシアでは Avant-Garde から Socialist realism へと移った時代。 Cassandre が Art Deco から Surrealism へ移ったというのもフランスらしく感じられた。

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展覧会を観た後は、武蔵野線経由で柏へ移動。 Nardis で Sinikka Langeland の solo ライブを観てきました。 新作 The Magical Forest からの曲を中心に。 small kanele ではなく concert kantele でしたが、バンド [レビュー] と比べてフォーキーに感じられました。 しかし、柏は (心理的にも) 遠かった……。無理してハシゴするもんではなかったかな、と (多くは語らない)。

[3536] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Tue Mar 21 22:24:55 2017

土曜は午後に与野本町へ。この舞台を観てきました。

ピナ・バウシュ ヴッパタール舞踊団 『カーネーション』
彩の国さいたま芸術劇場 大ホール
2017/03/18, 15:00-16:50.
Ein Stück von Pina Bausch
Inszenierung und Choreographie: Pina Bausch; Bühne: Peter Pabst.
Musik: Franz Schubert, George Gershwin, Franz Lehár, Louis Armstrong, Sophie Tucker, Quincy Jones, Richard Tauber and others.
Probenleitung: Dominique Mercy, Julie Shanahan.
Regina Advento, Pablo Aran Gimeno, Emma Barrowman, Andrey Berezin, Michael Carter, Çağdaş Ermis, Jonathan Fredrickson, Scott Jennings, Blanca Noguerol Ramírez, Breanna O´Mara, Franko Schmidt, Julie Shanahan, Julie Anne Stanzak, Julian Stierle, Michael Strecker, Fernando Suels Mendoza, Tsai-Wei Tien, Aida Vainieri, Paul White, Ophelia Young, Tsai-Chin Yu
Uraufführung: 1. Fassung am 30. Dezember 1982, Opernhaus Wuppertal; 2. Fassung am 16. Mai 1983, Zelt im Englischen Garten, München.

Pina Bausch 没後、Pina Bausch の作品を動態保存するカンパニーとして活動を続ける Tanztheater Wuppertal。 前回2014年の Kontakthof [レビュー] に続いて、 今回も1989年の来日公演で上演した Nelken の再演。 もちろん1989年の来日公演は観ておらず、今回、初めて観た。 スーツ姿とイブニングドレスの男女が、ダンサーの私的な語りを交えつつ、時に遊び (1, 2, 3, Soleil とか) を舞台の上で繰り広げ、時に一列に並んで歩み進めるように踊る、 というスタイルは、 KontakthofNelken の作られた1980年前後には既に完成していたのだなあ、と。 当時は斬新だったのだろうけれど、今から観ると Pina Bausch 定番の演出も目に付く。

それでも、Kontakthof よりも遥かに楽しめたのは、愛に関するテーマというより、舞台美術の良かったから。 カーネーション (生花ではなくプラスチックの造花ですが) を整然とずらと植えた花畑のような舞台は、それだけで見応えあった。 単に見た目だけでなく、花が植わっていることで、ダンサーの動きが変わってくる。 最初のうちはできるだけ倒さないようにと、抜足差足でゆっくり動くのだ。 Jacques Tati の映画 Trafic の冒頭の場面で ワイヤを避けるために所々で抜足差足する動きを面白く観せていたのを連想させられた。 同様なもので、カンパニー名や作品名は失念したが舞台上膝下くらいの高さに格子を組んで抜足差足の動きをさせる作品というのを動画だかで観た記憶がある。 しかし、ダンサーにユーモラスな動きを強いる仕掛けとして、抽象的ものではなく、花畑を使うというのは洒落ていると、つくづく感心。 さらに、どんどん花は倒れていき、ダンサーも次第に花を倒さないような動きはしなくなっていく、そんな変化も面白かった。 そして、開演前の整然とした花畑と、終演後のぐちゃぐちゃに踏み荒らされた花畑の、強烈な対比。

海外のダンスカンパニーは音楽に生演奏を使うことが多いが、 Pina Bausch はむしろ録音で様々なミュージシャンの音源を使うという印象が強い。 今回、トレースノイズの入った Gershwin の “The Man I Love” のSP音源をテーマ的に多用しているのを聴いていて、 むしろ、レコードをかけながら踊るという感覚を意識しているようにも感じられた。

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[3535] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sat Mar 18 21:58:42 2017

水曜は仕事帰りに渋谷へ。このライブを観てきました。

Selen Gülün & Marcello Allulli - KAPI feat. 中山 晃子
サラヴァ東京 (渋谷)
2017/03/15, 20:00-21:30.
Selen Gülün (piano, electric piano, synthesizer, voice), Marcello Allulli (tenor saxophone), 中山 晃子 [Akiko Nakayama] (alive painting).

KAPI (トルコ語で Kapi は「扉」の意) は、イタリアの electronica のミュージシャン Emanuele de Raymondi、 イタリアの jazz/improv の文脈で活動する saxophone 奏者 Allulli、 そして、トルコの piano 奏者 Gülün によって2013年に始まったプロジェクト。 Gülün は2000年代後半トルコ・イスタンブールの jazz/improv の文脈 [レビュー] で度々耳にしていたので、 ライブに足を運んでみた。

Gülün は piano だけでなく synthesizer や sampler も操り、electronica 色濃い jazz/improv. のライブだった。 ライブでの音弄りがメインという程ではなく、むしろ録音のサンプリングがメインのようにも聴こえた。 ノルウェーの多くのミュージシャンのように、音のテクスチャにとことんこだわった演奏をするわけではない。 Allulli の吹く弱い音の saxophone も、あくまで弱音であって、音響のテクスチャという扱いにはほとんど至っていなかった。 piano と saxophone という楽器の組み合わせもあると思うが、強い音での演奏となると、electronica 以前に戻るよう。

少々素朴と感じつつも楽しめた理由には、こういうタイプの音楽が好みということもあるが、 ゲストの 中山 晃子 “alive painting” もあった。 マーブリングの技法をベースに、神に定着させるのではなく、ビデオカメラで撮影してライブで投影するというもの。 カラフルで抽象な形態がどんどん変化してくところが、音楽に合っていたせいか、飽きなかった。 saxophone のブロウに合わせて水 (もしくは溶剤) をどっと流し込んで色を流したりするような所は、わかりやすぎる気もするが、 生演奏的ならではの展開として楽しんだ。

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沖縄での仕事の後始末も終え、年度末仕事は峠を越えて、少しは余裕が出てきたかな、と……。

[3534] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Wed Mar 15 0:32:43 2017

1週間以上前の話になりますが、5日の日曜の午後は初台へ。この展覧会を観てきました。

Poetics / Structures of Light and Motion
NTTインターコミュニケーションセンター
2017/01/14-2017/3/20 (月休;月祝開,翌火休;2/12休), 11:00-18:00 (金土11:00-20:00).

真鍋 大度 と 石橋 索 の主宰する株式会社 Rhizomatiks といえば、 Perfume のライブなどでのテクノロジーを駆使した映像演出を手がける会社。 メディア・アートというよりイベント類でのクライアント・ワークとしての映像演出などのプロジェクトが多いが、 Rhizomatiks Research はメディア・アート的なプロジェクトを扱う研究開発部門として2016年に設立。 もう一方の ART+COM も、この展覧会で知ったのだけれども、Rhizomatiks とも類似して、 テクノロジーやメディアを駆使したインスタレーションや空間演出を手がけている会社だ。

2社を紹介する資料映像コーナもあったけれども、この展覧会はそんな2社の仕事の記録を展示したものではなく、 メディア・アート的なインスタレーション作品を1作品ずつ展示していた。 どちらの作品も、RGBと白色という単純な色と、単純な形状を使い、 動きと反射によって複雑さと広がりを作り出すような作品だった。

Rhizomatiks Research: distortion (2017) は、照明を落としたギャラリー空間で、 数10cm角で高さ1mほどの鏡面の正四角柱が回転しつつ前後するよう動かし、 そこに強コントラストのRGB光と白色光のパターンを投射するというもの。 投影している光の形状動きは単純な図形なのだが、四角柱がその動きを複雑にして、3D CG の万華鏡を見ているよう。 3D VRでもないのにVR酔いしそうになるほどだった。

もう一方の ART+COM: RGB|CMYK Kinetic (2015) は、 Sónar と Sorigué Foundation からの委嘱による作品。 2本の紐で吊るしたハーフミラーの円盤が5枚、紐を操作することで円盤を上下左右に動かしつつ、 RGB光と白色光を投影するインスタレーション。 面で光を当てると反射したRGB光と透過したCMYがパターンを作り出す。 ゆっくりした円盤の動きが、色のパターンのゆっくりした動きを作り出す。 そのゆっくりとした動きと色彩、そして、Ólafur Arnalds による post-classical な音楽も詩的にすら感じるインスタレーションだった。

[このレビューのパーマリンク]

最近は、Socially Engaged Art の work in progress 的なインスタレーション・資料展示より、 実験的でもテクノロジーを駆使してきっちり仕上げてきたデザインや空間演出のようなクライアントワークの方が 自分には楽しめるような気がします。ふうむ。

もちろん、東京オペラシティ アートギャラリー で開催中だった展覧会 山本 耀司・朝倉 優佳 『画と機』 も観てきました。 Y's 〜 Yohji Yamamoto の服をよく着ていた頃もあり (今でもよく着ているものもある)、それなりに期待していたのですが。 そもそも今までの仕事の集大成という展示でもなく。期待したものとは異なる展覧会でした。ふむ。 もともと、初台へは翌週12日にでも行こうかと考えていたのですが、 12日も野暮用で潰れることになったので、『画と機』に間に合うよう、急遽5日に行くことにしたのでしたが。

先週は、後半は仕事で沖縄にいたのですが、コートが着たくなるような寒さ。 沖縄でこんなに寒かったのは初めてです。金曜土曜と冷たい雨……。 で、土曜に東京に戻って、日曜は野暮用で潰れたのでした。 というわけで、先週末の談話室向けのネタはありません。

[3533] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Mar 12 23:03:31 2017

先週末の話となりますが、4日土曜は夕方に外神田へ。この展覧会を観てきました。

『バンバンバンバンバンバンバンバンバンバン』
Satoru Tamura: Bang Bang Bang Bang Bang Bang Bang Bang Bang Bang
nap gallery (アーツ千代田3331 2F)
2017/02/10-03/11 (月火祝休), 12:00-18:30 (木12:00-21:00, 日予約のみ).

タムラサトルは1990年代半ばから活動する現代美術作家。 社会的な意味が取り去られた、機械的な動きの持つ迫力・面白さそのものに焦点を当てた立体作品が作風だ。 好きな作風ということもあり2000年代まではよく観ていたが、 最近はギャラリー巡りの頻度が落ちてしまい、個展を観るのは2011年 [レビュー] 以来久しぶり。

今回出展されていた新作『10回たたく#1』は、 案内状に「木の角棒で鉄板を10回たたくだけの装置」とあったので、 数センチ程度の「角棒」がくるっと回ってて「鉄板」をカンカンと叩くような装置を予想していた。 しかし、実際は、鋼材で作られた高さ1.5mくらいのの台の上に並んだ10cm角で長さ180cmはあろう「角材」が10本と、 壁に掛けられたおよそ1m×3m大の数ミリ厚の「鋼板」。 鋼板は壁にべったりではなく、鋼材で作られた枠で壁から浮かしてある。 電源が入ると、10本の角材がアクチュエータで順に水平に動ごき、鋼板を突いていく。 突く度に鳴る音は、タイトルの Bang「バン」では生易しく、「ガーン」と鳴り響く音だ。 角材と鋼板、アクチュエーターなどの組み合わせも素材むき出しの無骨さで、 その角材で鋼板を叩くというその迫力が、ミニマルに提示されている。 そんな無骨さと迫力が堪能できる作品だ。 角材10連装の作品は見た目も迫力あるが、そのコンパクトなバリエーションとして 1本の角材で10回続けて鋼板を叩く装置も2台展示されていた。

タムラサトルの作品は、迫力を追求するあまり、危険で迷惑になりがちだ。 この『10回叩く』も、角材と鋼板の間に指なぞ挟んだら大怪我だし、 動作さればギャラリーだけでなくギャラリーの入った建物全体に響き渡らんほどの大音響。 装置を動作させ続けるわけにいかず、来廊する人のリクエストで動作させていた。 この作品の美術館での動態展示も、 『小山マシーン』 (小山市立車屋美術館, 2010) [レビュー] のような個展であればなんとかできそうだが、 グループ展の場合は難しそうだ。

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Arts Chiyoda 3331 のメインギャラリーでは 『ソーシャリー・エンゲイジド・アート展 — 社会を動かすアートの新潮流』 (Socially Engaged Art: A New Wave of Art for Social Change, 3/5まで)。 Art Activism などとも言われますが、展示されていた年表を見ると、もう少し緩めの括り。 1990年代後半からはリアルタイムでそれなりに観ていますが、 2000年代以降の地域アートというか、「地域おこし」的なアートプロジェクトも多く混じっているように見えました。 しかし、こういう動きからすっかり自分の興味は外れてきてしまったなあと (多くは語らない)。

この前日、3日金曜は仕事で丸の内へ。仕事を終えた後、 Cotton Club の前を通りがかったので、出演者をチェックしたら、 Jakob Bro Trio with Thomas Morgan & Joey Baron。 これはかなり良さげだ、と、観ることにしました。 が、残念ながら、楽しめませんでした。頭に残った仕事のモヤモヤも吹き飛ぶような演奏を期待したのですが、……。 去年8月も、丸一日会議でカンヅメの後にこのハコで Wolfgang Muthspiel Trio with Brian Blade & Larry Grenadier 観て楽しめなかったしなー。 同じようなパターンになってしまいました。このハコはちょっと相性悪いのかなあ。 ま、仕事の後、頭の切り替えができないうちにライブを観るのは良くないなと、反省。

年度末で仕事もまだまだ忙しく、仕事絡みでもあるのですがプライベートの方でも少々バタバタでしていて、 談話室の更新の時間がなかなか取れません。うーむ。

[3532] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Tue Mar 7 0:56:49 2017

年度末といはいえ、忙中閑有り。というわけで、先週火曜、仕事帰りになんとか三軒茶屋へ。この舞台を観てきました。

『ファーザー』
世田谷パブリックシアター
2017/02/28. 19:30-20:50.
Direction: Franck Chartier; Directorial assistance and dramaturgy: Gabriela Carrizo.
Creation and performance: Leo De Beul, Tamara Gvozdenovic, Hun-Mok Jung, Maria Carolina Vieira, Simon Versnel, Brandon Lagaert & Yi-Chun Liu.
Sound composition and arrangements: Raphaëlle Latini, Ismaël Colombani, Eurudike De Beul, Renaud Crols.
Vader is the first part of the trilogy Father-Mother-Children.
Premier: 10 May 2014, Theater im Pfalzbau.

ベルギーのカンパニー Peeping Tom の4年ぶりの来日公演。 前回2013年の For Rent を見逃しているので、 2010年の 32 rue Vandenbranden [レビュー] 以来、観るのは久しぶり。 ノンナラティヴで抽象的なダンスではなく、明確な物語は無いもののナラティヴ。 歌やセリフ (ダンサーが喋っているとは限らないが) もあるため演劇的ですらあるフィジカル・シアター作品だ。 前回観たときに David Lynch の映画を連想させられたのだが、ますます Lynch 色濃い作品だった。

『父–母–子』三部作の第1作目で、老いて高齢者養護施設にいる父親のイメージを作品としていた。 パンフレットによると老後の「後悔」をテーマとしていたようだが、それはさほど感じられず。 前に観た 32 rue Vandenbranden と同様、 日常にある不安や情緒不安定が臨界を越えて、日常が壊れていく様を描くよう。 そんな壊れゆく日常の描きかたが Lynch 的に感じられるだけでなく、 特にこの作品では、赤いカーペット、奥に背景がカーテンの舞台、 そして、そこで演奏さえるノスタルジックでちょっと退廃的なバンド、 そして日常を揺さぶるポルターガイスト、といった道具立てもまさに Lynch の世界だった。

単に舞台装置をガタガタさせたり、地響きのような音を使うだけでなく、 ダンサーが激しく身を震わせたり、長髪を振り回し続けるような動きも使っていた。 Maria Carolina Vieira などは、コントーションをしながら床をのたうち転げ回るよう。 バレエの超絶技法とは違い、グロテスクに歪んでいるが、身体能力の高さを感じさせる動きだ。 だた、そのような激しい動きはコントロール外でデタラメに動いているのではなく、 ちゃんと動きをコントロールしている。

ポストパフォーマンス・トークでも、Maria Carolina Vieira は食事の時にナイフで怪我するときもあるのに、ダンスでは怪我することは無いという話が出た。 Tamara Gvozdenovic も正確でクリアな演技を心がけてると言っており、 Brandon Lagaert も身体の極限に挑戦するということについて、体操選手と似ている、というようなことを言っていた。 まるで体操選手が新たな技を覚えるように身体のコントロールによっって限界を超えてるようで、 そんなストパフォーマンス・トークでのダンサーの話も興味深かった。

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金曜3月3日の晩も仕事を終えて20時半頃に丸の内の Cotton Club を通りかがって、ふと出演者を見たら Jakob Bro / Thomas Morgan / Joey Baron。 そんなわけで、ふらっとライブを観てきました。 が、さすがに頭が切り変わらず、仕事のモヤモヤが頭に残ったままで、楽しめませんでした。うーむ。 というか、もやもやを吹き飛ばしてくれるような演奏を期待してたんだけどなあ。Joey Baron とか、もっとできるだおるに。 このハコはイマイチなライブに当たった記憶が多く、どうも相性が悪いかもしれません。うーむ。

[3531] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Mar 5 23:16:05 2017

先週末の話の続き。日曜は午後に永福町へ。このコンサートを聴いてきました。

向井 知子 / 伊藤 弘之
『音楽の展覧会 — 森をめぐって』
Exhibiting Music: The Resonance of Forests
sonorium (永福町)
2017/02/26, 15:00-16:30.
1)迷宮の森 2)In the Dim Light 3)揺らぐ風を織る 4)響きの森へ
向井 知子 [Tomoko Mukai] (映像空間演出), 伊藤 弘之 [Hiroyuki Itoh] (作曲);
上野 耕平 (soprano saxophone) on 1 [recorded]; 西川 竜太 (conductior), 多久 潤一朗 (flute), 鈴木 生子 (clarinet), 佐藤 まどか (violin), 多井 智紀 (cello), 及川 夕美 (piano) on 2; 西川 竜太 (conductior), ヴォクスマーナ (合唱) on 3 [recorded]; 及川 夕美 (piano) on 4.

『映像と音楽』というシリーズの中の現代音楽のコンサート。 といっても、単純にBGVをバックにミュージシャンが演奏するようなものではない。 映像空間演出と謳っているように、スタンダートサイズやHDのビデオをフラットな壁に投影するのではなく、 上部だけとはいえキューブではなく一面が斜めになった壁三面に映像を投影していた。 また、音楽との組み合わせも、映像と生演奏の組み合わせだけでなく、 1、3曲目は録音源を用い、3曲目も映像無しだった。

「揺れるイメージ」と「フラジリティ」をテーマとしている作曲家ということで、 不安定にも感じる音程、テンポの曲だったが、ソロよりも小編成のアンサンブルや合唱の方が良かった。 特に『In the Dim Light』は、複数の楽器の織りなす音が協和していないけれども、 映像空間演出の助けもあってか自然な響き合いのように感じられたのが面白かった。 また、録音源を使った2回があったことで、演奏者の存在の大きさを実感。 演奏者の息遣い指使いを間近で感じられるような席では無かったが、 録音源では注意の向け先を失ってしまった感があった一方、 それでも生演奏の方が音への集中力がぐっと上がるように感じられた。

投影された映像は、具象的な森のイメージをテクスチャのように織り重ねて半ば抽象化したもの。 INAXギャラリー Gallery 2 でよく展示されていた具象のノイズ成分を使って抽象化したかのような絵画 [関連レビュー 1, 2] の映像インスタレーション版のよう。 音楽と付かず離れず邪魔しない映像だったが、色のアンビエンスのよう。 もう少し映像が主張する時があっても良かったかな、とも思った。

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[3530] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Mar 5 21:50:25 2017

先週末の話になりますが、昼に恵比寿で展覧会を観た後は、渋谷へ。このコンサートを聴いてきました。

Jeff Mills / 東京フィルハーモニー交響楽団 / Andrea Battistoni
オーチャードホール
2017/02/25, 18:00-20:30.
1)John Adams: Short Ride in a Fast Machine 2)Claude Debussy: Clair de lune (orchestra version) 3)György Ligeti: Poème Symphonique for 100 metronomes 4)黛 敏郎 [Toshiro Mayuzumi]: BUGAKU - II. moderato 5)Jeff Mills: The Bells 6)Jeff Mills: Planets
Jeff Mills (electronics) on The Bells, The Planets; 東京フィルハーモニー交響楽団 [Tokyo Philharmonic Orchestra], Andrea Battistoni (conductor); guest: U-zhaah (tabla) on The Bells

1980年代にデトロイトの techno シーンで活動を始めたDJ/producer の Jeff Mills は 2000年代半ばから主にヨーロッパでオーケストラとの共演、作曲を始めています。 そんな Jeff Mills がオーケストラと共演したコンサートを観てきました。 日本では去年に続いて2度目ですが、去年は見逃しています。

Jeff Mills の曲以外の演奏した曲も20世紀の曲のみでしたが、 現代音楽のコンサート (例えば『コンポージアム』[レビュー]) とはかなり異なるもの。 Jeff Mills の曲にしても、minimal music などの影響も受けた映画音楽のコンサートのよう。 そんな中では、100台のメトロノームを使う Poème Symphonique for 100 metronomes にしても、 曲の並びから必然を感じるというより、奇を衒った一発芸のように聞こえてしまったのは残念。 このコンサートのメインともいえる太陽系をモチーフにした約1時間の Planets は、 太陽側から順に惑星をモチーフとしたフレーズが浮かび上がるような展開でしたが、 妥協して最後にクライマックス様の展開を持ってこず、アンチクライマックスで終えていました。

classical music に馴染みのない観客向けのコンサートという位置付けだったのか、1曲ごとにMCが入りました。 しかし、解説というほどの内容はなく、ほとんど「凄いですよ」「感動しましたね」のような内容に終始するもの。 かなり興醒めしてしまいました。 2000年代に入ると techno や post-rock の文脈のミュージシャンと classic の文脈とクロスオーバーが進み、 “post-classical”と呼ばれるジャンルを形成しつつあります。 Jeff Mills とオーケストラの共演もその文脈の上にあるもので、それを生で聴くいい機会と思って、 足を運んだということもあります。 しかし、この企画は、post-classical の一つの形を紹介するようなものではなく、 classical への客寄せとして Jeff Mills を使ってるよう。 そういう客層、ニーズもあるのかもしれないですが、自分の興味とはすれ違ってしまいました。

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[3529] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Feb 26 21:57:22 2017

土曜は午後に恵比寿へ。このアニュアルの展覧会を観てきました。

Yebisu International Festival Art & Alternative Visions 2017
東京都写真美術館, 恵比寿ガーデンプレイス センター広場, 日仏会館 ほか
2017/02/10-02/26, 10:00-20:00 (2/26 10:00-18:00)

東京都写真美術館改装休館中はガーデンプレイス界隈で開催していたアニュアルの展覧会が、 久しぶりに東京都写真美術館へ帰ってきた。 ザ・ガーデンホールなどで展示していた時は [関連レビュー]、 雑然とした仮設の展示スペースということもあり、 進行中のプロジェクトの記録の展示のようなものも多く、映像作品意外の印象が強かった。 しかし、整った美術館が展示の中心に戻り、映像作品がメインのアニュアルの大規模企画展に戻った。 特に、今回は、コンテンポラリーダンス等のパフォーミングアーツを題材に採った、 単にダンスのドキュメンタリーに止まらない作品が多く、それが印象に残った。 以下では、印象に残った作家、作品について。

最も印象に残ったのは、オーストラリアを拠点に活動する Gabriella Mangano & Silvana Mangano。 コンセプチャルなコンテンポラリーダンス的な動きを黒い衣装、白い背景、固定カメラのモノクロ動画でミニマルかつスタイリッシュに動画化していた。 2Fに展示されていた If...so...then (2007) は、 向かいの壁に手が届くほどの狭いスペースに2人の女性が入り、 向かいの壁にリズミカルに線を描いていく様子を捉えたもの。 淡々とした表情で手や顔がパズルの様にトリッキーに組み合わされて動く様は、ずっと観ていても飽きないものがあった。 2Fから3Fへの吹き抜けに大きく投影されていた There is no there (2015) は ロシア革命直後1920sのアジプロ劇団 Синяя блуза [Blue blouse] に着想したもので、 当時の Blue blouse スチル写真を思わせるボースを淡々と演じるというもの。 Blue blouse 的な服装をしておらず、そうと言われないとほとんど気付かないものになっている所が、興味深かった。 2月10〜12日にはライブ・パフォーマンスもあったようで、見逃し痛恨。

やはり2Fに展示されていた After Ghostcatching (2010) は、 振付家/ダンサーの Bill T. Jones を振付た動きをモーションキャプチャした上で OpenEndedGroup 3D動画化した Ghostcatching (1999) を、 ソフトウェアのアップデートも含めて再3D動画化したもの。 映像としても肉体を失いスケルトン化した様はまさに Ghost だけれども、 カメラワークでは実現しがたい視点の動きも面白かった。

B1階に展示されていた Goldsmiths, University of London を拠点に活動するグループ Forensic Architecture の展示は美術作品の展示ではなく、彼らの建築的、メディア的な調査手法のデモンストレーション。 2014年のガザ侵攻や現在進行するシリア内戦を対象に、 インターネットのソーシャルメディアに上がってくる写真や動画に加えて衛星写真から 時間経過や空間配置を計算して、どのような戦闘が行われたのかを詳細に分析していくというもの。 手法としてはさほど奇抜ではなく、おそらく軍や情報機関も同程度の分析をしているとは思うが、 多くの情報を丁寧に分析して混乱して実態が掴みづらい戦場の状況を浮かび上がらせていく様は興味深かった。 ソーシャルメディアの動画や写真は偽造等が無いことを前提としていたが、 今後は alt fact / fake news の判別も課題となるのだろうな、と。

このように印象に残った展示は映像作品やその扱いに関するもので、久々に映像祭らしさを感じた展覧会だった。

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[3528] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Tue Feb 21 22:47:20 2017

2週続けて週末 (って、火曜にズレ込んでしまいましたが) のCD/DLレビュー。

Yacine Boularès, Vincent Segal, Nasheet Waits
Abu Sadiya
(Accords Croisés, AC167, 2017, CD)
1)Dar Shems 2)Disappearance 3)Bahriyya 4)Interlude I 5)Takhmira 6)Mirage 7)Demian 8)Qmar 9)Nuba 10)Resillience 11)Interlude II 12)Sadiya
Enregistré en Juin 2016. Composition: Yacine Boularès & Vincent Segal.
Yacine Boularès (saxophone soprano, clarinette basse), Vincent Segal (violoncelle, percussions), Nasheet Waits (batterie).

パリ育ちのチュニジア人で、現在はニューヨークを拠点に Afrobeat のグループ Ajoyo (Ropeadope レーベルからリリースがある) を率いて活動する saxophone 奏者 Yacine Boularès。 Bumcello [レビュー] や Ballaké Sissoko とのデュオ [レビュー] など jazz だけでなく world music の文脈での活動も目立つフランスの cello 奏者 Vincent Segal。 そして、Ralph Alessi, Avishai Cohen や Tony Malaby などのグループで活動する New York の jazz/improv の drums 奏者 Nasheet Waits。 この3人によるトリオが、フランスの world music のレーベル Accords Croisés よりアルバムをリリースしている。

アルバムのタイトルは boussadia として知られる子供を怖がらせるチュニジアの民話上のキャラクターから採られている。 そして、黒い顔をしたその griot 的なキャラクター Abu Sadiya を11世紀のチュニジアにいたサブサハラ西アフリカからの奴隷と関係付け、 Abu Sadiya はサブサハラ的な音楽や舞踊からなる儀式 stambali (モロッコの gnawa に似ている) をチュニジアへもたらし、西に jazz をもたらした、と。 このプロジェクトの音楽は、そんな物語に着想したものだという。

といっても、面子とレーベルから音が想像し難く、どちらかといえばアフリカ的な色のある world music のプロダクションだろうと予想していた。 しかし、むしろ jazz/improv の色の濃いアルバムだ。 Boularès は clarinet かのような柔らかく高い音色の sopraneo saxophone で、 時に落ち着いた音色 bass clarinet で飄々としたフレーズを吹く。 対する、Segal はベースラインというには軽いピチカートのフレーズや弓引きで、 Waits の控えめな手数の drums もリズムを刻むようなフレーズはほとんどない。 間合いの多い音空間の中で3者が淡々と落ち着いた調子で対話するかのよう。 楽器の組み合わせも同じ Michael Moore / Ernst Reijseger / Han Bennink の Clusone 3 [レビュー] を連想させるような演奏だ。 Clusone 3 ほどフリーキーになることは無いし、 Boularès のモーダルなフレーズがアラブ的というより John Coltrane 風に聴こえる時もあり、 Clusone 3 とは違った色も感じられる。そんな演奏が楽しめるアルバムだ。

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[3527] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Mon Feb 20 22:33:48 2017

土曜の晩は、池袋から三軒茶屋へ移動。この舞台を観てきました。

ロシア国立サンクトペテルブルグ マールイ・ドラマ劇場 『たくらみと恋』
2017/02/18 18:00-20:15
Friedrich von Schiller: Kabale und Liebe (1784). перевод Н. Любимова
Сценическая композиция и постановка: Лев Додин; Художник: Александр Боровский.
Игорь Иванов (Леди Мильфорд, фаворитка герцога [Präsident von Walter, am Hof eines deutschen Fürsten]), Данила Козловский (Фердинанд, его сын, майор [Ferdinand von Walter, sein Sohn, Major]), Ксения Раппопорт (Леди Мильфорд, фаворитка герцога [Lady Milford, Mätresse des Fürsten], Игорь Черневич (Вурм, личный секретарь Президента [Wurm, Haussekretär des Präsidenten]), Сергей Курышев (Миллер, учитель музыки [Miller, Stadtmusikant]), Татьяна Шестакова (его жена [dessen Frau]), Елизавета Боярская (Луиза, его дочь [Luise, dessen Tochter]).
Премьера состоялась 28 сентября 2012 года.

Малый драматический театр (МДТ) は1944年にロシア・レニングラード (現サンクトペテルブルグ) に設立された劇場。 Лев Додин [Lev Dodin] はソ連時代の1960年代から演出家として活動し、1983年に МДТ の芸術監督に就任しています。 この劇団もこの演出家が演出した作品を観るのも初めてですが、ロシアのトップクラスと言われる激短を観る良い機会かと、足を運んでみました。 2011年の旅行でサンクトペテルブルグへ行っていて、この劇場の前も通りがかっている (夏だったのでオフでしたが) というのも、観ようという気になった理由の一つです。 上演作品は、ドイツ古典主義の (Beethoven: Sinfonie Nr. 9 の元となった詩の作者として知られる) Schiller の Kabale und Liebe ですが、 あらすじも知らないまま、予習もせずに臨みました。

音楽師の Miller 夫妻がロシア風で、現代的な恋愛を感じさせるように変えていたのではないかと思いますが、 舞台を現代に翻案するようなことはせず、マルチメディアを駆使するわけでもない、セリフで展開するストレートな演劇でした。 それでもスタイリッシュでオシャレに感じたのは、 シンブルな舞台美術に、時にリアルな俳優の演技だけでなく、 俳優の立ち位置や第三の登場人物の視線も使ってシンボリックに物語るような演出だからでしょうか。 しかし、主役 (Ferdinand と Luise) を演じた2人 (Данила Козловский と Елизавета Боярская) がモデルのような美男美女で、 ポースだけでも絵になったということもあったかもしれません。 といっても、一番気に入ったのは、2つの三角関係の一つをなす Lady Milford 役の女優 Ксения Раппопорт。 セリフだけでなく踊るような動きも使ったコメディリリーフを楽しみました。

18世紀の戯曲ですが、身分違いの恋に2つの三角関係の駆け引きが絡み、悲劇的な結末とストーリーは予想以上にメロドラチック。 ロシア語のセリフはほとんど理解できませんでしたが、演技演出が良かったのか、ほとんど気になりませんでした。 自分の好みとは若干方向性が違い、斬新な演出を楽しんだというほどではありませんでしたが、 比較的ストレートに古典を上演してもこれだけ楽しめる舞台になることもあるのかと気付かされた舞台でした。

三軒茶屋に着くと、街にロシア人らしき人がたくさんいてびっくり。 実際、劇場の客席のかなりの割合がロシア人らしき人たちで、東京にいるロシア人が皆集まってしていたのではないかと思うほど。 終演後の拍手の際には舞台前で俳優たちに花束を渡す姿も多く観られ、ロシアの劇場ではこうなんだろうなあ、と。 外国の劇団の東京での公演をそれなりに観ていますが、東京にいるその国の人が来ているのを見たのは初めてです。

[このレビューのパーマリンク]

数年前は演劇といってもポストドラマ演劇とかフィジカルシアターとかそんなのばかり観てたわけですが、 去年末に観た Kolozsvári Állami Magyar Színház [Hungarian Theatre of Cluj] といい、 今回の Малый драматический театр [The Maly Drama Theater] といい、 ストレートなドラマ演劇もいいものだなあ、と。そんな気分の昨今だったりるのでした。

しかし、2時間超の舞台を2本ハシゴは、さすがに疲れます。 日曜は家事 & 休養してたので、この週末のネタはこれまで。

[3526] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Feb 19 23:50:40 2017

土曜は昼過ぎには池袋へ。まずは、この舞台を観てきました。

Madama Butterfly
東京芸術劇場 コンサートホール
2017/02/18, 14:00-16:40.
Director: 笈田 ヨシ [Yoshi Oida].
Music: Giacomo Puccini; Libretto: Luigi Illica & Giuseppe Giacosa; Based on the story Madame Butterfly (1898) by John Luther Long.
小川 里美 (soprano; Madama Butterfly), Lorenzo Decaro (tenor; Pinkerton), Peter Savidge (baritone; Sharpless), 鳥木 弥生 (mezzosoprano; Suzuki), Sarah Macdonald (Kate Pinkerton), etc
Conductor: Michael Balke; Orchestra: 読売日本交響楽団; Chorus: 東京音楽大学.
Production: 平成28年度全国共同制作プロジェクト.

1960年代末からヨーロッパを拠点に活動する俳優/演出家 笈田 ヨシ の日本での初オペラ演出作品。 日本制作とはいえ、ヨーロッパでオペラ演出も手がける演出家によるオペラという興味で足を運んでみました。 演目は1904年 Teatro alla Scala で初演された『蝶々夫人』 (Madama Butterfly)。

第2幕以降の蝶々夫人にモンペを着せるなど19世紀末から20世紀半ばに時代を移しているものの、 大胆に現代に置き換えたりすることなく、解釈や演出に意外さは感じられませんでした。 大掛かりな舞台装置や映像を駆使したり、象徴的なイメージだけのミニマルな表現にすることなく、物語が素直に伝わってくるように感じた演出でした。 Royal Opera House や Metropolitan Opera の event cinema で、 Robert Lepage とかの金のかかった奇抜な演出のばかり見過ぎだと、少々反省。 後方に半透明の幕を下げて舞台の奥行き感を殺してしまった上、その幕の後ろでの演技の存在感が薄かったのは惜しかったものの、 第1幕の Madama Butterfly と Pinkerton の初夜の場面は、薄暗い中の行灯の光の並びも美しく、赤と白を基調とした床もエロティックで、印象的。 第2幕末から第3幕頭の Pinkerton を待つ夜の場面も、明度の変化だけでなく、衝立から漏れる光も使った美しい演出でした。

『蝶々夫人』は、ジャポジズムやオリエンタリズムの文脈で言及されることの多い作品 [読書メモ] というだけでなく、 他の作品でネタとして使われることも多いので、今回の公演で、一度ちゃんと観ておこうというのもありました。 第2幕の始めの方で歌われる有名なアリア Un bel dì vedremo 『ある晴れた日に』 はなるほどこういう場面の歌なのか、と。 当時最新の照明技術 (電気照明) を使って夕暮れから曉までの光の変化を14分間全く歌、セリフ無しで見せたという 第2幕末から第3幕頭の場面も実感することができましたし、 観ていていろいろ勉強になりました。

[このレビューのパーマリンク]

東京芸術劇場へはよく行っていますが、コンサートホールの方へ行くのは初めて。 客層もあってか、アウェー感が……。

[3525] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Feb 19 20:23:25 2017

金曜は仕事帰りに新宿へ。このライブを観てきました。

新宿 Pit Inn
2017/01/28, 20:00-21:30.
Terje Isungset (percussion, jew's harp, goat horn, whirly tube, voice, electronics).

氷を使った楽器による音楽 Ice Music で知られる Terje Isungset。。 彼のライブは、今まで2回観ているけれども [レビュー]、完全ソロで観るのは初めて。 最近では、氷の楽器だけでなはくガラスの楽器によるプロジェクトも初めており [レビュー]、 ガラスの楽器も演奏するかと期待したけれども、それはなし。 bass drum, floor tom, cymbal など通常の drumset の中央から右に加え、 石や木で自作した percussion を左に配したようなセットで、jew's harp や goat horn, whirly tube も使用。 アンコール1回を含めて約1時間半のライブだった。

左側の木や石の percussion の音はリバーブを深くかけたうえで大きく響かせ、 jew's harp、goat horn、whirl tube の音も手持ちの小型マイクで拾った上でリバーブをかけ エフェクト無しの細やかな音とは異なるテクスチャのような音響に。 この音が鳴っただけで、まるで北国の森林の奥から響いてくるかのよう。 それは相変わらずではあるのだけど、ソロだったこともあり、そんな響きの中に時折かすかにメロディやリズムが浮き上がってくるような音楽を楽しむことができた。

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[3524] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Thu Feb 16 0:16:23 2017

先週末の日曜は昼前には渋谷へ。 ユーロスベースで開催中の トーキョーノーザンライツフェスティバル 2017 で、 映画を2本観てきました。

Jag är nyfiken - en film i gult
『私は好奇心の強い女』 [I Am Curious (Yellow)]
1967 / Sandrews (Sverige) / B+W / 132min.
Regissör: Vilgot Sjöman.
Lena Nyman (Lena, teaterelev), Börje Ahlstedt (Börje, hennes pojkvän / kronprins Carl Gustaf), Vilgot Sjöman (Vilgot Sjöman, regissör), et al.

演劇学校の女学生 Lena の当時のフリーセックスの風潮を反映した奔放な性関係や左翼的だが素朴な政治活動を、 映画監督、そして、その相手役の男性 Börje との関係を通して描いた作品でした。 1967年の映画ということで、いかにも当時のカウンターカルチャーの時代を感じる主題と手法で、 映画を撮ること映画にしたメタムービーながら、映画内映画を撮影シーンで異化させつつも、 映画内映画の話なのか映画の話なのかそれともドキュメンタリーなのか混乱させるような作りといい、 字幕を使った異化といい、Jean-Luc Godard の映画との共通点を強く感じました。 フォロワーというほど時代が離れていないので、これも時代の雰囲気だったのでしょうか。

Hamlet
『女ハムレット』
1921 / Asta Films (Germany) / Colour (tinted) / silent / 121min.
Regie: Svend Gade & Heinz Schall.
Asta Nielsen (Prinz Hamlet), et al.

サイレント時代に活躍したデンマーク出身の女優 Asta Nielsen が、 ドイツへ拠点を移した後、自身の映画プロダクション Asta Films を設立して制作した映画です。 William Shakespeare の戯曲 Hamlet が原作ですが、 Edward P. Vining による Hamlet は男性のふりをした女性だという説に基づいて、 Asta Nielsen が Hamlet を演じています。

この頃の映画は、時代考証もいいかげんで、原作を大胆に改変することも少なくなかったので、 Hamlet を女性にするなどさぞぶっ飛んだ話になっているだろうと期待して観に行きました。 しかし、さほどでもなく、Hamlet が女性であること以外は原作に比較的忠実でした。 編集で物語る技法もまだまだ素朴とは思いますが、 先に観た Den sorte drøm (1911) [レビュー] に比べ洗練された作り。 修復が良いということもあるのか、Asta Nielsen の麗しい男装も楽しめました。

柳下 恵美 による伴奏で観たのは久しぶりでしょうか。 伴奏のこともサイレントであることも忘れさせてくれるような伴奏は相変わらず、さすがの安定感で良かったです。 やはり、サイレント映画はちゃんとした伴奏付きで観たいものです。

上映には Edition Filmmuseum 版の DVD が使われていたのですが、 エンドロール見ていてDVDの音楽が Michael Riessler によるものであることに気付きました。 これはこれで聴いてみたいものです。 ちなみに、サウンドトラックのCD/DLはイタリアのレーベル Cinik からリリースされています。

[このレビューのパーマリンク]

この週末は少し余裕ができたので、 TPAM 2017 観に行ってもいいかなと思ったのっですが、 直前に思い立っても Apichatpong Weerasethakul は既に売切。 ということで、トーキョーノーザンライツフェスティバルへ切り替えたのでした。

[3523] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Wed Feb 15 1:16:22 2017

去年、ロシアのフィギュアスケート女子シングルの Мария Сотскова [Maria Sotskova] のプログラムにはまって以来 [関連発言]、 フィギュアスケートの競技会だけでなく、アイスショーの情報もチェックするようになっています。 そんな中で気付いたのは、ロシアで本格的な演出がされたアイスショーが上演されるようになってるということでした。 中でも目立つのはオリンピック銀メダリストの元アイスダンス選手 Илья Авербух [Ilya Averbukh] が設立したアイスショー制作カンパニー Продюсерская компания «Илья Авербух»。 有名スケーターをフィーチャーした競技会エキシビションの豪華版のようなショーから、 オペラやバレエの作品をアイスショー化したものまで、手がけています [カンパニー公式 YouTube チャンネル]。 このようなショーを制作する一方、振付家として Евгения Медведева [Evgenia Medvedeva] などのフィギュアスケート選手の競技会用プログラムも振付ています。

2016-17年末年始にはモスクワで、3つの『くるみ割り人形』のアイスショーが上演されていました。 1つは前述の Илья Авербух のカンパニーによる Щелкунчик и мышиный король で、 Аделина Сотникова [Adelina Sotnikova]、Алексей Ягудин [Alexei Yagudin] といったオリンピック金メダリストが出演していました。 2つ目はやはりオリンピック金メダリスト Евгений Плющенко [Evgeni Plushenko] のプロデュースによる Щелкунчик で、 オリンピック銀メダリスト Ирина Слуцкая [Irina Slutskaya] が出演し、年明けには サンクトペテルブルグでも上演していました。 3つ目は、モスクワ市がクリスマスシーズンのイベントとして企画した Большой театр [Bolshoi theater] 前の Площадь Революции [Revolution square] の特設会場 «Волшебный ледовый театр» [Magical Ice Theater] での アイスショー。 このモスクワ市のアイスショー劇場では Щелкунчик だけでなく、 Лебединое озеро 『白鳥の湖』や Белоснежка 『白雪姫』といった演目も上演されていました。

『くるみ割り人形』といえばクリスマスシーズンに上演されるお約束のバレエ作品ですが、 アイスショーの題材としてもこれだけ使われるほど人気が根付いているのかと、感慨深いものがありました。 『くるみ割り人形』といえば、5年前にこのパロディ作品 The Love Show: Nutcracker: Rated R を観ています [レビュー]。 大人になってから観た記憶はなかったのですが、子供の頃に何らか接する機会があったのか、そのあらすじや音楽の有名所はなぜか一通り知っています。 しかし、この手の古典を大人の目でちゃんと観ておいた方が、後々いろいろ楽しめそうと思っていました。 そんなところで、Royal Opera House Cinema Season 2016/17 のバレエ第2弾として The Nutcracker がかかったので、これもちょうど良い機会と、観てきました。

『くるみ割り人形』
Royal Opera House, 8 December 2016.
Choreography: Peter Wright after Lev Ivanov; Music: Pyotr Il'yich Tchaikovsky; Original scenario: Marius Petipa after E.T.A. Hoffmann's Nussknacker und Mausekönig
First performance of Peter Wright's production: 20 December 1984, Royal Opera House.
Gary Avis (Herr Drosselmeyer), Francesca Heyward (Clara) Alexander Campbell (Hans-Peter/The Nutcracker), etc
Boris Gruzin (conductor), Orchestra of the Royal Opera House.
上映: TOHOシネマズ日本橋, 2017-02-10.

Tchaikovsky の3大バレエの一つとして有名な2幕物のクラシック・バレエ (classic ballet) の作品。 今回上映されたのは、1984年に初演された Peter Wright 振付のプロダクションですが、 やはりクラシックな物語バレエの演出のもの。 現代的な解釈や抽象化がされていないので、古典を知るために観るという点では良かったでしょうか。 第1幕終わりの雪片 (Snowflakes) のワルツの冒頭にコーラス使ってることに気付かされたりもしました。 登場人物で最も印象に残ったのはマントを美しくたな引かせてソロを踊る姿がかっこいい Herr Drosselmeyer。 比べて Clara & Hans-Peter はアクが弱く存在感が薄かった。 踊りの場面は、ソロやパ・ド・ドゥよりも、 雪片のワルツでの群舞や、第1幕での贈り物の人形 (アルレッキーノとコロンビーナ、兵士と酒保女)の踊り、第2幕での歓迎の宴での踊りの方を楽しんでしまいました。 構えずに気楽な気分で観たこともあるのか期待以上に楽しめてしまい、 古典を観たつもりなままで済ましていたのは、もったいないことしていたなあ、と反省。

Евгений Плющенко [Evgeni Plushenko]
Щелкунчик [The Nutcracker]
Спортивный комплекс «Олимпийский»
Генеральные продюсеры шоу: Яна Рудковская, Евгений Финкельштейн; Режиссер - постановщик: Филипп Григорьян; Хореограф-постановщик: Евгений Плющенко, Emanuel Sandhu, Никита Михайлов.
Артисты: Евгений Плющенко (Дроссельмейер), Ирина Слуцкая (Рождественская звезда), Emanuel Sandhu (Мышиный король), Никита Михайлов (Щелкунчик / Ганс), Анастасия Мартюшева (Мари), Константин Гаврин (Принц);
Акробаты: Сергей Азарян, Михаил Мельник, Анна Свирина, Ирина Усенко, Сlement Pinel; В роли Дракона: Александр Плющенко; и другие.
First performance: 2016-12-23.
Streaming: Матч ТВ, 2017-01-01 [YouTube].

ロシアの3つの『くるみ割り人形』アイスショーのうち、最も評判が良かったのが Евгений Плющенко によるもの。 ロシア版 Vogue が美しい写真入りの記事 Премьера ледового шоу «Щелкунчик» в «Олимпийском»: фото Яны Рудковской и других を掲載するなど、 ファッショナブルなショーという扱いも見られました。 これは観てみたいと思っていたところ、ロシアのインターネットテレビ局 Матч ТВ が元旦にストリーミングしてくれました。 その映像が YouTube に投稿されていたので、Peter Wright 版バレエの印象が薄れないうちに観てみました。

サーカス的な要素や映像や照明による演出などフィギュアスケート以外の要素も取り入れた 金と技術をかけた演出ですが、その一方で物語バレエのオーソドックスな演出を踏襲しており、 Royal Ballet の Christopher Wheeldon が演出したハイテクでアップデートした物語バレエ [レビュー] のアイスショー版のよう。 物語の設定やあらずじもバレエ版の『くるみ割り人形』にかなり忠実なもので、 Nutcracker: Rated R [レビュー] のように舞台を現代に置き換えたりすることはしていませんでした。 「アーティスト」としてフィーチャーされたスケーターによるシングル (ソロ) やペア (パ・ド・ドゥ) の演技、 そしてその合間の贈り物の人形や歓迎の宴での色物的な演技、と、 演技の見せ場を繋げつつ無理なく物語が進んで行く『くるみ割り人形』の構成は、 バレエに限らずショーの枠組みとしてよく出来ていたのだなあ、と感心することしきりでした。 Peter Wright 版でも Herr Drosselmeyer が目立っていたわけですが、 ここでも Плющенко が Дроссельмейер [Drosselmeyer] を演じていて、 The Nutcracker [Плющенко] の主役は Drosselmeyer だったのだなあ、と気付かされました。

もちろん、変えられているところもあり、 特に、第1幕最後の雪片のワルツの群舞と第2幕の金平糖の精と王子のパ・ド・ドゥという、 バレエ版ではハイライトとも言えるシーンが無くなっていたのは、意外でした。 雪片のワルツの群舞の場面をシンクロナイズドスケーティングのチームの演技にしたら面白かっただろうと思いましたが、 さすがにそこまでの人・費用をかけられなかったのでしょうか。 Ирина Слуцкая が出演するという話を目にして第2幕の華ともいえる金平糖の精をやるのだろうかと予想していたのですが、 金平糖の精の役すら無くなっており、このアイスショーのオリジナルの役 Рождественская звезда [Chrismas star] という Мари (Clara 相当の役) の guiding star のような役を演じていました。 それらほど大きな変更ではありませんが、人形とネズミの戦いがネズミに囚われた Рождественская звезда の救出という形を取っていたこと、 ネズミの王様が退治されるのが Мари / Clara のスリッパでではなく Щелкунчик / The Nutcracker から戻った王子の剣でだという点にも、少々違和感を覚えました。

サーカス的な要素が使われていたのは、もちろん色物的な演技の場面。 Drosselmeyer の贈り物の場面では、Soldier (兵士) & Vivandière (酒保女) は 手持ちのトラペーズを使って少々アクロバティックなペアケーティングという程度でしたが、 Harlequin (アルレッキーノ) & Columbine (コロンビーナ) の方は Columbine のソロに置き換えられていて、 スケートエッジを付けた棒の上に持ち手を付けて、その上で氷上アクロバットをしてから、さらにリングのエアリアルを演技しました。 後半の歓迎の宴では、アラビアの踊りは氷上にステージを置いてのボールをマニピュレーションしながらのコントーション、中国人の踊りはトランポリンのデュオとスケートすら履かない演技でした。 こういう演目も交えるあたり、バレエだけでなく、 Cirque du Soleil [レビュー] のような現代サーカスの影響も感じられます。 ところで、前半の贈り物の人形の方はよく分からなかったのですが、 クレジットを見る限り、コントーションは新体操の元選手 Анна Свирина、 トランポリンはトランポリンの元選手 Сергей Азарян と Михаил Мельник が出演していたよう。 元スポーツ選手を使うところは、スケートと共通しているでしょうか。 そして、Peter Wright 版バレエでも Плющенко 版アイスショーでも、これらの色物的な演目が一番楽しめていまいました。

このようなハイテクでアップデートした物語バレエのようなアイスショーも十分に楽しめましたが、 やはり、Philippe Decouflé [レビュー] や Sidi Larbi Cherkaoui [レビュー] のような演出家が non-narrative なコンテンポラリーダンス作品のようにアイスショーを演出したらどうなるのか、 観てみたいものです。

Плющенко 版以外の『くるみ割り人形』の映像は無いようなのですが、 モスクワ市のアイスショーのうち Белоснежка 『白雪姫』は、 客席から観客が撮ったと思われる映像が YouTube に投稿されています [YouTube]。 これを観る限り、Плющенко 版 Щелкунчик と比べると素朴な演出で、子供向けバレエのアイスショー版のよう。 これはこれで楽しいですし、Плющенко のアイスショーより低予算でツアーできそうですので、 まずはこのあたりから来日して欲しいものです。

ところで、 モスクワ市のサイトでは 作曲家として Иоганн Штраус とクレジットされていますが、 Johann Strauss II は『白雪姫』のバレエなど書いていませんし、そもそも、主に使われているとはいえ、 オープニングは Waldteufel の “The Skater’s Waltz” で、フィナーレは Oppenbach の “Orpheé aux Enfers” です。 しかし、これについて調べていたところ、新国立劇場バレエ団の『しらゆき姫』が、 Johann Strauss II の音楽を使い、姫の衣装も水色で似ていることに気付きました。 双方の作品の元となるプロダクションの『白雪姫』が何かあるのでしょうか。

ロシアだけでなく、近年、このようなアイスショーが盛んになってきているようなのですが、 特にその分水嶺となったのは、2015年にロンドンの Royal Albert Hall で上演された The Nutcracker on Ice [YouTube] のようです。 英 The Guardian 紙のレビュー記事 “It's great when you skate: how ice dance became cool ” でも、 スパンコール衣装やキャラクター着ぐるみのアイスショーだけでなく、 その形式に芸術的な要素を取り入れる動きが出てきているとして取り上げています。 さらに、この記事ではコンテンポラリーダンス的なアイスショーのカンパニーとして、 2005年にカナダのモントリオールで設立された Le Patin Libre [カンパニー公式 YouTube チャンネル] を紹介しています。動画を観る限り、このカンパニーもとても面白そうです。 こういうアイスショーの動きが日本にも来てくれたら、と思うことしきりです。

もちろん、それまで作品的な演出がされたアイスショーが無かったわけではないと思います。 最近 The Planets - A Figure Skating and Modern Dance Fantasia (EuroArts, 2017) というDVDがリリースされたので知ったのですが、 1994年にカナダで The Planets というフィギュアスケートとモダンダンスによるショーが上演されたようです。 DVDは未見ですが、トレイラー [YouTube] を見る限り、 演出というか使われている技術に時代を感じ、それはそれで興味深いものがあります。 それが今のアイスショーにどのように繋がっているのか、それとも単発的で終わってしまったのか。 アイスショーの歴史を知ることができる何か良い文献はないでしょうか。

[このレビューのパーマリンク]

去年末から時々 twitter で書き散らかしていた内容が多く含まれますが。 ツイートのままにしておくと散逸してしまうので、まとめておきました。 それにしても、書き出したら収拾がなかなか付けられなくなってしまい長くなってしまいました。ふう。

[3522] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Feb 12 23:30:56 2017

約1ヶ月半ぶりというか今年初のCD/DLレビュー。

Jean-Guihen Queyras, Sokratis Sinopoulos, Bijan Chemirani, Keyvan Chemirani
Thrace: Sunday Morning Sessions
(Harmonia Mundi / Latitudes, HMC 902242, 2016, CD)
1)Khamse 2)Nihavent Semai 3)Sacher Variation 4)Zarbi é Shustari 5)Visite nocturne 6)I would I were a bird 7)Sunday morning 8)Dast é Kyan 9)Étude Digitale 10)Hasapiko 11)Karsilama 12)Dance in 7/8
Enregistrement septembre - octobre 2015.
Jean-Guihen Queyras (cello), Sokratis Sinopoulos (lyra), Bijan Chemirani (zarb, daf), Keyvan Chemirani (zarb, daf).

イラン出身のペルシャ古典音楽の打楽器奏者 Djamchid Chemirani を父とし、 フランスで生まれ育った兄弟 Keyvan & Bijan。 父との Chemirani Trio としてペルシャ古典の打楽器アンサンブルの活動をするだけでなく、 jazz や world music の文脈で様々な共演をしてきている [関連レビュー]。 このCDに収められたセッションは、classical の cello 奏者 Jean-Guihen Queyras と、 ギリシャの民族楽器 lyra の奏者 Sokratis Sinopoulos の4人によるセッション。 Queyras は、ケベック出身ながら Pierre Bourez によって設立されたフランスの現代音楽のアンサンブル Ensemble InterContemporain での活動で知られ、 Harmonia Mundi から現代音楽だけでなく幅広く classical のCDをリリースしている。 Sinopoulos は、Ross Daly のグループ Labyrinth のメンバーとして folk の文脈で活動を始め、 最近は Eight Winds (ECM, ECM 2407, 2015, CD) をリリースするなど、jazz 寄りの活動も多い。

演奏しているのは、東地中海の伝統的な音楽、即興から、現代の作曲家の音楽まで。 アルバムのテーマは「トラキア」ということで、バルカン半島南部のトラキアの伝統的な音楽を多く取り上げている。 Keyvan & Bijan Chemirani の一連の東地中海音楽プロジェクト [関連レビュー] に近い雰囲気を持つアルバムだが、 歌がフィーチャーされておらず、lyra のような伝統的な楽器に比べ澄んだ音色の cello が入ったこと、 そして、現代音楽も交えて、音数を絞って楽器の音の響きを生かしたプロダクションもあって、 明るいながらも落ち着きの増した音世界になっている。 特に、アラブの伝統的な曲を cello と zarb のデュオで演奏した “Visite nocturne”、 伝統的な曲を cello と lyra のデュオで演奏した “I would I were a bird” など、 今までの Chemirani のプロジェクトには無かった美しさ。 バルカンならではの複合拍子ダンス曲を演奏した “Hasapiko”、“Karşılama” そして “Dance in 7/8” にしても、優雅さが増している。 Chemirani の一連の東地中海音楽プロジェクトのパレットに classical という色が新たに加わった、そんなアルバムだ。

ちなみに、Chemirani 兄弟と Queyras という異なるジャンルのミュージシャンのどこに接点があったのかと思いきや、 ライナーノーツにある Queyras の言葉によると、子供時代の遊び友達で、一緒にサッカーをして遊んだりした仲とのこと。 そんな経緯も、コンセプト先行のプロジェクトとは違ったリラックスしたセッションと感じる一因かもしれない。

このアルバムをリリースした Harmonia Mundi の Latitudes シリーズは、まだ4タイトルのリリースしかないが、 去年リリースした Kayhan Kalhor, Aynur, Salman Gambarov, Cemîl Qoçgirî Hawniyaz (Harmonia Mundi / Lattitudes, HMC905277, 2016, CD) も素晴らしかった [レビュー]。 ECM の音作りに近い classsical 寄りの world music のシリーズとして今後のリリースを期待したい。

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まだまだ年度末繁忙期ですか、仕事する週末が続いて疲れが溜まってきてましたし、山を一つ越えたので、今週末は休養してリフレッシュ。 今週末に観たものについても書いているのですが、収拾つかなくなって、仕上がってません……。

[3521] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Tue Feb 7 0:14:57 2017

土曜の晩、横浜でダンスを観た後は、新宿へ。 移動時間に余裕は無かったのですが、なんとか開演前に会場へ。 このライブを観てきました。

The New Songs + Christian Wallumrød (live)
新宿 Pit Inn
2017/02/04, 20:00-22:00.
The New Songs: Sofia Jernberg (voice), Kim Myhr (electric guitar, electronics), David Stackenäs (guitar, preparations, e-bows); Christian Wallumrød (piano, electronics).
A sound track to:
1911 / Fotorama (Denmark) / 53min / B+W / silent.
Director: Urban Gad.
Cast: Asta Nielsen, Valdemar Psilander, etc.

The New Songs は、 エチオピア出身ながらノルウェーを拠点に活動する女性歌手 Sofia Jernberg、 フランスの piano 奏者 Eve Risser、 ノルウェーの guitar 奏者 Kim Myhr [関連レビュー]、 スウェーデンの guitar 奏者 David Stackenäs の 4人の jazz/improv の文脈で活動するミュージシャンによるグループ。 今回は Eve Risser が来日せず、 ノルウエーの piano 奏者 Christian Wallumrød [関連レビュー] をゲストに加えての編成で来日した。 この晩のライブはトーキョーノーザンライツフェスティバル2017参加企画として、 第1部では映像等は使わずに、第2部ではデンマークのサイレント映画 Den sorte drøm の伴奏という形で演奏した。 第1部は40分余り、第2部は約1時間でアンコールは無かった。

Jernberg はエチオピア出身だがいわゆる Azmaris のような歌い方ではなく、 細くハイトーンな歌唱でほとんど抽象的な voicing。 残りの3人もメロディを弾くのではなく特殊奏法に live electronics も駆使して音のテクスチャを作るような演奏だった。 Jazztreffen 2016 の Monkey Plot の時のように [レビュー] サイレント映画がBGVにならないか危惧していたが、ちゃんと映画に合わせた演奏。 テクスチャ作るような piano や guitar の音も、ほぼ抽象的なままの voice も、映画に対して説明的に過ぎず、映画の理解の妨げにならず、良かった。

映画 Den sorte drøm は、女性サーカス芸人 Stella を主役とする劇映画。 Stella は、賭けに負けて大きな借金を負ってピストル自殺未遂した恋人のために、高価なネックレスを万引きする。 しかし、宝飾店主にすぐに見つかり、彼女はそれをネタに愛人となるように迫られる。 Stella は宝飾店主の家に赴くが、嫉妬にかられた恋人が追ってきて、彼女を射殺してしまうという物語。 モダニズム以前の映画スタイルで、少しパンする程度の固定カメラで撮ったロングショットのロングテイクを繋ぐもの。 モンタージュせず、遠近短縮法のような画面作りもない。 The Birth of a Nation (1915) 以前の映画の話法という点は興味深く観たが、やはりかなり単調に感じられた。 主役 Stella を演じた Asta Nielsen [関連レビュー] も見所の一つだが、ロングショットの粗い画面のため、その魅力を感じるという程では無かった。

しかし、北欧映画をメインとしたフェスティバルの参加公演にもかかわらず、アスペクト比が狂った横伸びした画面で上映。 フェスティバルの映画プログラムの1つとして参加してるのだから、映画の上映にも少しは気を使って欲しかった。

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で、日曜は職場で仕事していました……。

[3520] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Feb 5 22:17:58 2017

土曜は夕方遅くに横浜へ。この公演を観てきました。

KAAT神奈川芸術劇場 大スタジオ
2017/02/04, 18:00-18:45.
Choreographed and Performed by Claire Cunningham. Lighting Design: Karsten Tinapp. Sound Design: Zoë Irvine.
Cello: Matthias Herrmann. Additional music: Nesciens Mater: Jean Mouton, Den Tod.: JS Bach.
Creation: 2014.

スコットランド・グラスゴーを拠点に活動する障害者のパフォーマー Claire Cunningham のソロ公演を観てきた。 健常者のための伝統的なダンスのテクニックを用いず、障害者の身体性を使ったパフォーマンスという点に興味を持って足を運んでみた。 演出的な面ではミニマルでコンセプチャルなコンテンポラリーダンスで、身体語彙として杖を必要とする障害者のものを用いたもの。 舞台は後方と上手に黒い壁を囲むのみで何もなし。 暗めの照明で、多くの時間は彼女の周りを薄明るく照らし出す中、 背丈に対して長すぎる前腕部支持型杖 (Lofstrand Crutch) を2本両腕にパフォーマンスを繰り広げた。 ルネッサンス初期の15世紀フランドルの画家 Hieronymus Bosch の絵に「罪」の象徴として描かれた物乞いする障害者の姿に着想した作品ということで、 大きな動きは無く、微妙にゆらぎのある静的なイメージを作り出すようなパフォーマンスだった。 後半に入って、杖を外して小刻みに震え堪えながらも両足で立ちづつける場面など目を捉えたし、 両腕の杖と後方の壁を支えに身体を宙に浮かしながら J. S. Bach: BWV 4 Cantata “Christ lag in Todesbanden III. Versus II” の歌声の力まない美しい歌声も印象に残った。 時にはっとする場面はあったのだが、全体としては少々単調で長く感じられたパフォーマンスだった。

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土曜の晩は、さらにライブも観たのですが、その話はまた別途。

去年末の Челябинск 2017 - Чемпионат России по Фигурному Катанию (チェリャビンスク2017 フィギュアスケート・ロシア選手権) 以来、 フィギュアスケートの競技会をライブストリーミングで観る楽しみを覚えてしまい、 先週の Ostrava 2017 - European Figure Skating Championships 2017 (ヨーロッパ・フィギュアスケート選手権) に続いて、 今週は Almaty 2017 - Winter Universiade (アルマトイ2017 冬季ユニバーシアード) のフィギュアスケートを観戦。 以前からちょっと気にはなっていたのですが、今回のお気に入りは、 女子シングルの Aiza Mambekova (KAZ)。 SP “Tango Amore” の衣装も素敵なのですが、overtone singing や jew's harp を使った音楽 (Daulet Kerei: “Ker Oglu”) に合わせ 伝統的な髪型衣装をアレンジしたスタイルで滑るFSもなかなか。 開催地が地元ということで盛り上がってましたし。楽しめました。

フィギュアスケートは、Первенство России по фигурному катанию среди юниоров 2017 (フィギュアスケート・ロシア・ジュニア選手権2017) もやっていて、 気になるスケーターも出場していたのですが、こちらはライブストリーミングはなし。

その一方で、バレエの Prix de Lausanne (ローザンヌ国際バレエコンクール) のライブストリーミングがあって、そっちを観てしまいました。 Finales を後半から観ていて、Nijinsky を踊った Michele Esposito が最も気に入ったのですが、その人がコンテンポラリー賞取って第1位になったので、ちょっと盛り上がってしまいました。 演技終了から授賞式までのインタリュードでの上演の 第1部 Bundesjugendballet: John’s Dream で Leonard Cohen の “Hallelulah” が使われていました。 最近、フィギュアスケートよく観るようになって、“Hallelujah” が定番曲の1つになってることに気付いたのですが、まさか、バレエでも使われてるのを聞くとは。 前から好きな歌ではあるのですが、踊り向けの曲とは思ってなかっただけに、かなり意外です。 第2部は Lauren Cuthbertson & Alexander Jones による Christian Spuck (choreo.): Le Grand Pas De Deux。 女性ダンサーがメガネにハンドバックで登場する、コミカルなパロディ物。 ありがちといえばそうなのですが、こういうのは大変に好みです。面白かったー。 (というか、先週のフィギュアスケート・ヨーロッパ選手権のアイスダンスのEXが、揃いに揃ってコミカルなパロディ物だったような……。)

[3519] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Mon Jan 30 22:58:10 2017

土曜の晩は新宿へ。このライブを観てきました。

Tore Brunborg Slow Snow Quartet
新宿 Pit Inn
2017/01/28, 20:00-21:30.
Tore Brunborg Slow Snow Quartet: Tore Brunborg (tenor saxophone, piano, electroics), Eivind Aarset (electric guitar, electronics), Steinar Raknes (double bass), Per Oddvar Johansen (drums, electronics).

Tore Brunborg は、1980年代に Nils Petter Molvær, Arild Andersen, Jon Christensen とのグループ Masqualero で活動するなど、 jazz/improv の文脈で活動してきているノルウェーの saxophone 奏者。 最新リーダー作 Snow Slow (ACT Music, ACT9586-2, 2015, CD) での 4tetを率いての来日だ。 Eivind Aarset [レビュー] 参加という期待もあって、聴きに行った。 休憩なしでアンコールは1回、約1時間半のライブだった。

舞台上手 (向かって右手) から Aarset, Johansen, Raknes, Brunborg という並び。 saxophone を吹くときは、Brunborg は Aarset の近くまで歩み寄って吹くことが多かった。 electronics 使いが3人もいることで、もっと音を弄りまくるか、electronics 的なリズム感を強調するかと期待していたが、 浮遊するような Aarset の guitar こそそれらしかったが、全体としては少々リバーブ強めに感じる時がある程度。 リズムも jazz のイデオムが強めで、saxophone や piano の繰り出すメロディもぐっと保守的に感じられてしまった。 単に浮遊するような音作りだけでなく、ラウドに盛り上がるときもあったが、 自分に引っかかるところがなかったせいか、あっさりと感じられたライブだった。

[このレビューのパーマリンク]

この水曜から日曜まで Ostrava 2017 - European Figure Skating Championships 2017 (ヨーロッパ・フィギュアスケート選手権)。 年度末でいろいろ余裕の無い時期ではあるのですが、時差で日本時間の真夜中24時前後にちょうどライブストリーミングで観られたので、つい観てしまいました。 年末にロシア選手権を見てロシアの選手は知ってましたが、それ以外のヨーロッパの選手は、 去年のNHK杯に出場した選手と男子の Javier Fernandez、女子の Carolina Kostner くらいしか知りませんでした。 そんなこともあり、新鮮に楽しむことができました。 最も楽しんだのはやはりアイスダンスですが、 女子シングルで Laurine Lecavalier (FRA), Nicole Rajičová (SVK), Ivett Tóth (HUN), Michaela-Lucie Hanzlíková (CZE) など、 ロシア以外のお気に入りとなるスケーターを見つけることができました。

フィギュアスケートは良い息抜きになりましたが、年度末で仕事は繁忙期。 今週末はこれしか談話室更新ネタは仕込めませんでした。

[3518] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Tue Jan 24 23:50:51 2017

先週は後半に風邪をひいてしまい、土曜も昼過ぎまで臥せってしまったのですが、 快復してきたような気がしたので、晩に築地の東劇へ。この event cinema を観てきました。

Metropolitan Opera
『遥かなる愛』
from Metropolitan Opera House, 2016-12-10.
Composer: Kaija Saariaho. Librettist: Amin Maalouf.
Stage Director: Robert Lepage. Set, Costume and Props Designer: Michael Curry.
Cast: Susanna Phillips(Clémence), Tamara Mumford (The pilgrim), Eric Owens (Jaufré Rudel), etc.
Conductor: Susanna Mälkki.
A coproduction of the Festival d’Opéra de Québec and The Metropolitan Opera, in collaboration with Ex Machina
World premiere: 15 August 2000 at the Salzburg Festival. Premiere of Ex Machina production: 5 July 2015 at Grand Théâtre de Québec
上映: 東劇, 2017-01-21 18:30-21:20 JST.

以前に Metropolitan Opera で Richard Wagner: Der Ring des Nibelungen [レビュー] を演出したことのある Robert Lepage が、 新たに演出を手がけた現代オペラ。 この L'Amour de loin を2015年の『コンポージアム』で演奏会形式で聴いたときはあまり楽しめなかったのですが [レビュー]、 Lepage によって演出された舞台作品として観たらどうなるのだろうという興味もあって、 METライブビューイング2016-17 での上映を観てきました。

演出された舞台でオペラ歌手の演技を観ながら聴いていると、演奏会形式で聴き取るのとは違って、 音楽が自然に入ってくるというというか、音楽の構造がちゃんと見えてくるよう。 例えば、ソリストの歌に対して、コーラスがツッコミを入れるような形になっていて、 時にはコーラスにソリストが反論するよう。 こんな面白いコーラスが付いていたのか、と気付かされました。 Jaufré が Clémence を歌った劇中歌と地の曲とニュアンスの違いも聴こえてきました。

LED 3万個使った演出が話題となった作品ですが、 LEDを連ねたリボンを何十本と舞台横方向に並べて張って、それぞれを色を変えたり点滅させることで、時間よって様々な色にきらめく海を表現していました。 また、LEDのリボンで舞台の床がほとんど見えなくなり、波間に消えるような演出も可能となっていました。 といっても、前半はあまり動きが無くさほどでもなかったのですが、後半はぐっと良くなりました。 LEDのリボンを上下に動かしての後半冒頭のうねる大海原の演出もダイナミックでしたが、 Jaufré が行く暗く凪いだ夜の海の上に青白くライトアップした Clémence が幻影のように浮かび上がるような演出が、 まるでコンピュータグラフィックで合成したかのような不自然な見え方。 そんな Lepage ならではの光によるトリッキーな演出を楽しむことができた。。

事前にウェブサイトやフライヤのスチル写真で見ていた Clémence の衣装や髪型(ウィグ)は、 Jaufré 理想の女性がこれかと、不吉な予感がしていました。 しかし、Susanna Phillips の演技、というか、表情が良かったのか、実際に動いている様子を見ていると、とても可愛らしく見えました。 銀の鱗のようなワンピースドレスは、特定の時代を感じさせるものではなく、背景の光の海もあってSF的。 大きな舞台装置も、シーソー状に可動する金属製の足場のみを用い、抽象的に情景を表現。 Jaufré や巡礼者の衣装こそヨーロッパ中世風とも取れるものでしたが、そんな中では、SFの中での擬古的なデザインのように見えました。

演奏会形式で聴いたときは脚本の十字軍時代の地中海世界という舞台設定と音楽の形式にギャップを感じてしまい物語の世界に入れませんでした。 しかし、Lepage 演出では、抽象的で特定の場所時代を感じさせなビジュアルに 現代音楽にしてはとっつきやすいとはいえ特定の場所時代を感じさせない Saariaho の音楽がマッチしていて、 むしろ、十字軍時代の地中海世界という設定とは関係無い、遠距離恋愛の物語として自然に楽しむことができました。

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風邪で滞り気味になった仕事を立て直すために、日曜は職場に出ていたのですが、 週明けまた体調崩れ気味になってしまったという……(弱)。いけません。

[3517] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Jan 22 21:56:34 2017

火曜は仕事帰りに新宿二丁目へ。このライブを観てきました。

Arild Andersen Anniversary Trio
新宿 Pit Inn
2017/01/17, 20:00-23:00
Arild Andersen Anniversary Trio: Arild Andersen (contrabass, electronics), Helge Lien (piano), Thomas Strønen (drums); guest: 巻上 公一 [Koichi Makigami] (theremin).

1960年代から jazz/improv の文脈で国際的に活動し ECM レーベルに多くの録音を残しているノルウェーのベテラン contrabass 奏者 Arild Andersen の、 70歳を記念して結成したピアノトリオ Anniversary Trio のライブを観てきました。 オープニングは 巻上 公一 - Thomas Strønen duo。休憩挟んで2セット。アンコールでは 巻上 公一 を加えて。23時近くまで演奏してくれました。

Food の Thomas Strønen [レビュー] が参加しているのでひょっとしてと期待しましたが、 比較的オーソドックスなピアノトリオによる演奏。 2010年にワンホーントリオで観た [レビュー] の時は ルーパーを駆使していましたが、前半では若干リバーブ深めな時がある程度。 アコースティックなメロディアスな前半の展開は若干退屈しました。 しかし、後半に入ると、アップテンポでパワフルな展開が増え、内部奏法やルーパーも使うようになり、ぐっと演奏が良くなりました。 巻上 公一 の絡みはオープニングの duo は相変わらずでしたが、 アンコールではトリオとの絡みを手探りするうちに終わってしまった感もありました。

平日の晩でしたが、ほぼ満席。ピアノトリオ人気もあるとは思いますが、さすがです。 しかし、去年11月の Bobo Stenson Trio を観た時にも思ったことですが、 このクラスのミュージシャンの来日であれば、ちゃんとプロモーションして集客して、数百人規模のコンサートホールでやっても良かったのではないかと思うことしきりです。

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[3516] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Jan 22 21:53:22 2017

土曜は渋谷円山町で映画を観たあとは、乃木坂へ移動。この展覧会を観てきました。

国立新美術館 企画展示室2E
2016/12/10-2017/02/05 (火休; 12/20-1/10休). 10:00-18:00 (金土10:00-20:00).
秋吉 風人, 池内 晶子, 今井 智己, 岡田 葉, 折笠 良, 金子 富之, 曽谷 朝絵, 平川 祐樹, 保科 晶子, 松井 えり菜, 南 隆雄, 三原 聡一郎, 山内 光枝.

アニュアルで開催されている文化庁芸術家在外研修の成果報告展。 最近は地道な画廊めぐりをする気力、体力も時間も無いので、その代わりという気分で観てきた。 以下、気になった作家と作品についてコメント。

平川 祐樹 の Vanished Tree - Teifelberg (2010) は、 床に上向きに置かれたビデオを映し出す箱と天井に下向きに設置されたスクリーンの組みからなるビデオインスタレーション。 照明を落としたギャラリーの床には切り株を、天井には下から見上げたアングルでの林冠の切れ目から覗く空を、固定カメラによるモノクロの映像で投影している。 このビデオの光によるギャラリー空間の光の柱が、まるで木を切り倒しでできた空間に差し込む淡い日差しのよう。 色彩を抑えたモノクロでスタイリッシュなインタレーションで、ビデオではなくスチルのライトボックスでも十分に良いのではないかとも思った。 しかし、じっと観ている、風による樹冠の揺らぎや切り株を照らす光の揺らぎも感じられる。 一緒に展示されていた Fallen Candles (2014) も「液晶絵画」的な作品。 火がついたまま倒れたロウソクを真上から固定カメラで捉えた白黒ビデオを24枚の液晶パネルに映し出して並べた作品。 ほとんど動きの無い白黒でスタイリッシュなビデオが並ぶ様は、タイポロジカルな写真作品の「液晶絵画」版 [レビュー] のよう。それも良かった。

池内 晶子 は以前にも『MOTアニュアル2011 —— Nearest Faraway | 世界の深さのはかり方』 でも観たことがあるが [レビュー]、 今回の『Knotted Thread』 (2011-2013/2016) はそのバリエーション。 前とは色違いで、細い赤い絹糸を結びあわせて10m四方ほどの蜘蛛の巣様の繊細な構造を水平に空中に浮かび上がらせていた。 遠目に見ると空中に浮いているかのようで、近付いて観ると繊細な構造に目がいく、繊細な美しさを久々に楽しんだ。

他にも印象に残った作品としては、透明なアクリル板にシンプルな幾何模様を描きその油彩絵具のムラを浮かび上がらせた 秋吉 風人の Naked Relations 連作 (2016) や、 折笠 良 の『水準原点』 (2015) の白いクレイによる波打つようなアニメーション (石田 尚志 のドローイングアニメーション [レビュー] のクレイ版のよう) があった。

若い頃は、このようなほとんどキュレーションされていないグループ展は好きではなかった (むしろ反発すら感じていた) のですが、 こまめに画廊めぐりする時間も気力・体力が無くなってくると、その代わりとしてのこのようなグループ展のありがたみを実感します。 キュレーターによって変に方向付けられて展示されていない分、個々の作家の作品に素直に向き合える所も良いです。

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[3515] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Thu Jan 19 0:44:56 2017

土曜は昼に渋谷円山町へ。渋谷ユーロスペースイスラーム映画祭が始まったので、 さっそくこの映画を観てきました。

Et maintenant, on va où ? [Where Do We Go Now?]
『私たちはどこへ行くの?』
2011 / Les Films des Tournelles (France / Lebanon / Egypt / Italia) / 110min / blue-ray / color.
un film de Nadine Labaki.
Musique Originale de Khaled Mouzanar. Paroles des chansons par Tania Saleh.
Nadine Labaki (Amal, patronne du café), Claude Baz Moussawbaa (Takla, la mère de Nassim, épicière), Leyla Hakim (Afaf), etc.
予告編 [YouTube]

レバノンの女性監督・女優 Nadine Labaki は、 初の長編映画 Caramel (2007) が 日本公開 (邦題 『キャラメル』) されていますが、その時はノーチェック。 イスラーム映画祭2で上映された、この Et maintenant, on va où ? で初めて観ました。 クリスチャンとムスリムが同居するレバノンの村を舞台にしたコメディ映画で、 内戦は小康状態でそれなりに平和裡に暮らしているものの、 村の男たちはクリスチャンとムスリムの間で一触即発の状態。村の女たちは、男たちの衝突を避けるため、あれこれ策を弄します。 奇蹟の真似事をしたり、息子の死を伏せたり、セクシーなショーダンサーを村に呼んだり、大麻入りの料理を供するパーティを開いたり。 そんなドタバタをコミカルに描いた映画です。 弄する策も現実的とは言い難いものが多いわけですが、描写はリアリズムではなく、時に歌やダンスを交えてミュージカル的な演出も交えて、面白おかしく。 笑いはブラックではなく、むしろ微笑ましく感じるものでした。 確かに、多様な女性の描かれ方に比べて、男性の描写が単純に過ぎるようにも思いました。 しかし、それでも十分に楽しめましたし、テーマにも関わらずかわいらしいとすら感じた映画でした。

この映画のハイライトシーンの一つ、男たちを酔い潰すためのパーティの準備で大麻を仕込んだ料理を女たちが作る場面で、 “Hashishet Albi [The Hash Of My Heart]” という歌が使わていてます。 約2年前にレバノンの女性シンガーソングライター Tania Saleh のアルバム A Few Images (Kirkelig Kulturverksted, FXCD 404, 2014, CD) をレーベル/ジャケット買いしたことがあったのですが、その時に彼女の Soundcloud で この “Hashishet Albi” を聴いていました。 この映画を観ていてこの Tania Saleh の歌が使われていることに気付いて、 後で調べて、そもそもこの歌はこの映画のために作られた歌だった事に気付きました。 この映画で使われた曲の歌詞は全て Tania Saleh によるもののようです。 Tania Saleh は Crammed Discs からアルバムを出した Yasmin Hamadan とも親しいようなのですが、 Nadine Labaki とも一緒によく仕事しているようです。 この映画がきっかけで、レバノンの女性アーティスト達のちょっとしたサークルがあるらしいことに気付くことができたのでした。

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[3514] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Jan 15 23:37:53 2017

金曜は午後に出張先から戻って、夕方は都心で打合せしていたのですが、無事に終えることができたので、 ふと思い立って日本橋へ。このバレエの event cinema を観てきました。

『アナスタシア』
Royal Opera House, 2 November 2016.
Choreography: Kenneth MacMillan; Music: Pyotr Il’yich Tchaikovsky and Bohuslav Martinů: Symphony No. 6 (Fantaisies symphoniques); Electronic music: Fritz Winckel and Rüdiger Rüfer; Designer: Bob Crowley.
First performance: Deutsche Oper, Berlin, 25 June 1967.
Natalia Osipova (Anastasia / Anna Anderson), Marianela Nuñez (Mathilde Kschessinska), Federico Bonelli (Kshchessinska’s Partner), Edward Watson (The Husband), etc
Simon Hewett (conductor), Orchestra of the Royal Opera House.
上映: TOHOシネマズ日本橋, 2017-01-13.

Royal Opera House Cinema Season 2016/17 のバレエ第一弾は、Anastasia。 1920年に記憶喪失の自殺未遂者として精神病院に収容された “Anna Anderson” が、 一部の強い支持者もあり、ロシア革命で行方不明となったロシアの皇族の1人 Anastasia を自称するようになった、という実話に基づく作品です。 (ちなみに、この作品が作られてから20年余り経ったソ連崩壊後、ロシア皇族は処刑されたことが明らかとなり、彼女の死後のDNA鑑定でも Anna が Anastasia では無かったことが確認されています。) 振付は Kenneth MacMillan。 1967年に Deutsche Oper, Berlin で Anna のいる精神病院を舞台とした第3幕のみの1幕物の作品として初演された後、 Royal Opera House の芸術監督となった Macmillan が1971年に第1、2幕を追加しています。 ベルリンで制作されたということもあり第三幕はトイツ表現主義的で、 追加された第1、2幕は Royal Opera House らしくクラシカルな作風となったことが知られています。 去年末に MacMillan 版の L'Histoire de Manon を観て [鑑賞メモ]、 クラシカルな物語バレエは自分の今の好みからは外れるだろうと思いつつも、 ドイツ表現主義と言われる第3幕への興味で、足を運んでみました。

スチールパイプの簡素なベッドのみの舞台で、Anna を演じるボサボサの短髪にグレーのワンピースパジャマ姿の Natalia Osipova が 革命の前の幻影と革命の亡霊に苛まされるように踊る様は、確かに内面を演じる表現主義的と感じるもの。 しかし、例えば Dore Hoyer: Afectos Humano [鑑賞メモ] のように文脈から切り離した抽象的な感情として表現するのではなく、 クラシカルに演じる幻影や亡霊を演じるダンサーと共に、そのリアクションとしてのように踊るという点でもかなり物語的。 トゥシューズを履いてバレエもイデオムを感じる踊りで、あくまで物語バレエがベースにあって、 内面描写に表現主義的な動きも取り入れたもののように感じられました。 しかし、やはり第三幕があっての Anasitasia。 不穏な電子音のみから始まって10分程経った頃からオーケストラが湧き上がってくるという音楽使いの緊張感もよく、見応えがあって、最も印象に残った幕でした。 第三幕の Anastasia / Anna Anderson の記憶/妄想の中の登場人物に深みや説得力を付けるという点で、第一、二幕が不要とまでは思いませんが、二幕もあるのは少々冗長に感じました。 L'Histoire de Manon でも最後の沼地の場面だけ現代的に感じられたのですが、 過去の幻影が現れる演出といい、Anastasia での演出手法を踏襲したもの。そういう点も興味深く観れました。

Björk にも少々似た顔立ちの Natalia Osipova は少女 (Anastasia) / 狂女 (Anna Anderson) 役にぴったりでしたし、 Mathilde Kschessinska を演じた Marianela Nuñez の華やかさも印象に残りましたが、 実は今回観に行った一番のお目当ては第一皇女 Olga 役の Olivia Cowley。 去年の秋頃に彼女の運営しているブログ Ballet Style や Instagram (@missolivia) を を知って、それ以来楽しんできていたので、ぜひ出演している作品を観たいと思っていたのでした。 はたして見分けが付くか少々自信が無かったのですが、すぐに判りました。 なかなか素敵ではなないですか。これからも応援したいものです。

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しかし、出張移動もあった仕事後の、バレエのイベント・シネマ3時間余りというのは体力的にきついなあ、と、つくづく……(弱)。

[3513] 嶋田 丈裕 <tfj(at)kt.rim.or.jp>
- 若林, 東京, Sun Jan 15 21:14:04 2017

先の日曜の午後、『恋の花咲く 伊豆の踊子』を観終えて神保町シアターを出たら本降りの雨。 ということで、ちょっとひるみましたが、やっぱり竹橋へ。この展覧会を観てきました。

endless: The Paintings of Yamada Masaaki
東京国立近代美術館 企画展ギャラリー
2016/12/06-2017/02/12 (月休; 1/2,9開; 12/28-1/1休; 1/10休), 10:00-17:00 (金10:00-20:00).

戦後まもない1948年から1990年代まで活動した画家 山田 正亮 の展覧会。 コレクション展などで一度は観たことがあるとは思いますが、 1990年代以降インスタレーションなどを好んで観てきた自分にとっては、ほぼノーチェックの作家でした。 作品と合わせて制作意図が窺われるような制作ノートも展示されていましたが、 キュビスムの影響を感じる静物画から、Klee や Kandinski を思わせるような抽象画へ、 さらに、抽象表現主義的なストライプの絵画へ。さらに、ハメ毛が際立つほとんど単色のミニマリズムへ。 そこから、枠線のような構造やストロークが色鮮やかに回帰してくる晩年の作品へと、 まるで戦後の絵画におけるモダニズムを一人の作家でたどるような興味深さがありました。

特に印象に残ったのは、フライヤ等に用いられている代表作とされるストライプの絵画ではなく、 ミニマリズムから鮮やかな枠線のような構造やストロークが湧き上がってくる1970年代の展開。 色鉛筆やコンテのストロークで淡いテクスチャのある色面を作った作品や、 枠構造を色数は抑えつつ鮮やかな色で大きなストロークでムラを作りつつ塗り分けたような作品が気にいりました。

EI-Q 1935-1938: Seeking the “Real” in the Dark
東京国立近代美術館 ギャラリー4
2016/11/22-2017/02/12 (月休; 1/2,9開; 12/28-1/1休; 1/10休), 10:00-17:00 (金10:00-20:00).

戦前はフォトグラムやモンタージュ、コラージュの技法を駆使した前衛的な写真作品で、 戦後は絵画や版画で知られる 瑛九 のコレクションに基づく企画展。 瑛九の評伝を著した 山田 光春 の旧蔵していた作品・資料を近年コレクションに加えたとのこと。 その中からデビュー直後の1935-38年に焦点を当て、書簡などの資料も合わせて展示されていました。 展示されていた作品は、フォトグラム技法による『眠りの理由』 (1936)、『フォト・デッサン』 (1936) や写真のコラージュ『作品』 (1937) など。 瑛九の写真作品をまとめてみる良い機会でしたが、 少々期待しすぎていたせいが、作品より関連資料の多さに肩透かし感じもありました。

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