一週余前の週末の土曜は、昼に恵比寿へ。この展覧会を観て来ました。
総合開館30周年を記念してのコレクション展の第1弾です。
学芸員5人による共同企画で「写された女性たち 初期写真を中心に」、「寄り添う」、「移動の時代」、「写真からきこえる音」、「うつろい／昭和から平成へ」の5つのテーマ展示の組み合わせになっていました。
1995年の総合開館記念展『写真都市TOKYO』の再現を含む「うつろい／昭和から平成へ」で王道の30周年記念企画を押さえつつ、
誰かということだけでなく被写体の女性の姿勢、動きなどにも着目した「写された女性たち 初期写真を中心に」を興味深く観ました。
個別の作家では、インターセクションとして配された 山本 彩香 〈We are Made of Grass, Soil, and Trees〉 (2014-2015) の青みがかって幻想的な一連の演出写真が印象に残りました。
やはりインターセクションにあった〈版画集 トマソン黙示録〉 (1988) は、
Bernd and Hilla Becher を思わせるグリッド状の展示方法ながら被写体が無用の建築「トマソン」という所が可笑しく感じました。
砂丘を舞台とした家族を使った演出写真の印象強い 植田 正治 の違う一面も観られましたし、
集合住宅の通路の照明パターンをライトボックス化した畠山 直哉 〈光のマケット〉 (1995) を久々に観ることもできるなど、
企画を離れてコレクションの展示としても楽しみました。
1990年代から活動する写真家の個展です。
グループ展やコレクション展で観る機会はありましたが、個展で観るのは初めて。
観る機会の多かった〈In My Room〉のようなセクシュアリティをテーマとした写真という印象が強かったのですが、
〈CVD19〉のような手の造形の面白さを切り出すような抽象度の高い作品から、
〈毎日写真〉や〈カスババ〉のようなコンセプチャルなスナップ写真、
人影を写すフォトグラム〈Red Room Project〉、など、その多様な作風に気付かされました。
すっきりとしながら非線形に回遊させるような展示空間の作りもスタイリッシュでしたが、
多様な作風につかみどころの無さも感じてしまいました。
B1F展示室では 『ロバート・キャパ 戦争』 [Robert Capa: War]。 戦間期から戦後1954年まで活動した報道写真家 Robert Capa (元々はAndré FriedmannとGerda Taroの2人の共同の名で、Taroの死後Friedmannの写真家としての名となる) の、 東京富士美術館コレクションの Capa の写真約1000点のうち戦争に関する約140点からなる展覧会です。 歴史に関する書籍やTVドキュメンタリーなどで度々使われるような有名な写真が多く観られるのですが、個々の写真というより展示の量に圧倒されました。 今回展示されていた140点でも相当でしたが、Capa のコレクションは約1000点あるのか、と。
2013年にユニットで活動を始めた 岩竹 理恵 ＋ 片岡 純也 による展覧会です。
神奈川県立近代美術館のコレクションから選ばれた近世以前の日本美術とそれらに着想した新作を中心に、過去の作品も交えての展覧会です。
今までも『BankART Life』 [
好みの作風の作家なのでどれも楽しみましたが、中でも最も気に入ったのは、片岡 純也 の
『Ghost in the Sellotape』 (2015/25)、『サークル管による輪郭の連続性について』 (2025)、『0から1へのアナログ変換』 (2025)を組み合わせてのインスタレーション。
薄暗いギャラリーの一面を使い数寄屋の壁の一面を外から見るかのようなのですが、
クレーター様の影の動きから満月が自転するのを観るかのようなセロテープを透過した円形の光や、
サークル管光源の光が回転する竹箒を抜ける際にピンホール効果で沸き立つような小さな円形の光となっての投影に、
障子窓越しに覗く茶器や掛け軸が組み合わさり、侘び寂びの雰囲気が生かされつつもそれが微妙にズラされるよう。
裏に回ってみると、茶器や掛け軸はインスタレーション中に配置されているというわけではなく、
展示ガラスケース中に通常の展示かのように展示されている、というのも面白く感じました。
このインスタレーションは光使いの妙ですが、
音使いという点ではインスタレーションというより小ぶりな立体作品、
『枝の曲りによる茶器の演奏』 (2025) や『茶筅による巻貝の演奏』 (2023)の細やかな音が印象に残りました。
茶室や茶器からの着想というのは、今まで観た作品では特に印象に無いので、
やはりコレクションから着想するという今回の企画ならではでしょうか。
そして、その着想の妙を楽しむことができました。
キャッチのある動く作品に何かと目が行きがちな展覧会でしたが、
郵便物などからスタンプや模様を切り出す岩竹の採集シリーズの繊細なペーパーワークも、印象に残りました。
ドイツのグラフィックデザイナーJens MüllerとKatherina Sussekが蒐集した
A5 Sammlung Düsseldorfのコレクションに基づく展覧会です。
焦点が当てられているのは、第二次世界大戦後の西ドイツ、
継続性のある出版物などの中には1980年代のものがありましたが、
20世紀半ばのモダニズム色濃いデザイン (いわゆるミッドセンチュリー・モダン) から、
カウンターカルチャー, サイケデリックの影響が見え隠れする1970年代前半までのデザインの、
書籍、パンフレットなどの出版物とポスターをメインとしたグラフィックデザインです。
モダニズムならではの簡潔明瞭にしてスタイリッシュで見応えのあるデザインが楽しめました。
導入は、Hochschule für Gestaltung Ulm (ウルム造形大学) 設立者の1人のOtl Aicherによる
LufthansaやMünchen 1972 Olympiadeのグラフィックデザイン。
そして、その時代を感じさせるKiel WocheやDocumenta, Kasselといったイベントの一連のポスター。
その後、年代順ではなく、幾何学的抽象、タイポグラフィ、イラストレーション、写真というデザイン技法をテーマに展示が作られていました。
作家性が強く出るようなデザインではないため、特に、前半の幾何学的抽象、タイポグラフィの展示は少々掴みに欠けたでしょうか。
イラストレーション、写真の章は公共デザインよりも映画ポスターなどが多めという点でもキャッチーで、
そこでの作品を観てから前半を見直して、その抽象の中にあるレイアウトの個性が腑に落ちたところがありました。
そんなこともあって、作家として印象に残ったのは後半のイラストレーションや写真を大きく使ったデザイン。
Hans Hillmann や The Beatles: 
少々意外だったのは、レコードジャケットのデザインが少なかったこと。
レコードジャケットのデザインがグラフィックデザインの中で重要な位置を占めるようになるのは
ロックやポップの分野でコンセプチャルなアルバムが制作されるようになる1960年代末以降、
つまりこの展覧会が焦点を当てている時代より後なのかもしれません。
そんなことにも気付かされた展覧会でした。
2023年に亡くなった 坂本 龍一 が生前に遺した東京都現代美術館のための構想に基づく展覧会です。
いわゆる回顧展ではなく、資料展示はありましたが20世紀のミュージシャンとしての活動を紹介するものではなく、
21世紀に入ってからの 高谷 史郎 (Dumb Type) [
半数近くを占めた 高谷 史郎 とのコラボレーション作品は、映像の断面を横に引き伸すようなプロジェクションや薄く張った水面を使ったインスタレーションなど、
今まで観たこともある作風の作品の変奏で、よくも悪くも予想を裏切らないもの。
舞台作品『Time』 [
屋外のサンクン・ガーデンでは 坂本 龍一＋中谷 芙二子＋高谷 史郎 《LIFE-WELL TOKYO》霧の彫刻 #47662。
久々に 中谷 芙二子 の霧の彫刻 [
東京都現代美術館のアニュアルの現代アートの展覧会 [
コレクション 竹林之七妍 小さな光 / 開館30周年記念プレ企画 イケムラケイコ マーク・マンダース Rising Light/Frozen Moment』
女性作家7人の展示の「竹林之七妍」[
昨年のBunkamuraでのインスタレーション [
今津 景
2000年代以降に現代アートの文脈で活動するインドネシア・西ジャワ州バンドン在住の作家の個展です。
グループ展で観たことがあるかもしれませんが、作家を意識して観るのは初めてです。
収蔵品展は
コミッション・プロジェクト以外の展示で印象に残ったものといえば、
野外を含めて大型小型様々なディスプレィにメッセージ、引用された言葉をシンプルに投影した Tony Cokes の作品に、
デジタルサイネージ時代の Barbara Kruger / Jenny Holzer 的な表現を感じました。
神話の普遍性に着想したという 劉 玗 [Liu Yu], 
Apichatpong Weerasethakul, 
劇場1階のガレリアと狭い吹き抜け様のスペースである光の庭を使って、目 [mé]がインスタレーションを展示していました。
といっても、『さいたま国際芸術祭2023』 [
会場入口に鎮座した「歌い」ながら熟して腐敗していく果物静物 «Decomposition» (2021-)、
Bozak のせいかその映像を使ったバリエーションにも感じられた «Piano Solo: Belle-Île» (2021-/2024) など、近年の近作や、
奥の展示室を使って暗闇の中に浮かび上がる鉄琴を鳴らすインスタレーションなども良いのですが、
やはり、«I/O» (2011) や «鬼火» (2013) のような、ブリコラージュ感満載の作品の方が好みでしょうか。
そういう点では、近代以前の西洋美術のコレクション展示を主とするアーティゾン美術館では難しいと想像されますが、
«Moré Moré (Leaky)» のような水を使った作品が無かったのは残念でした。
この美術館に期待することではないとも思いますし、自分が今までこの作家の作品を観てきた場所の印象に引き摺られているようにも思いますが、
過去の痕跡の残る古い建物を使ったオルタナティブスペースに置かれたブリコラージュの持つ雑然さが持つ面白さが漂白されてしまったようにも感じました。
1911年フランス生まれで1930年代にニューヨークへ移住、1940年代から2000年代まで現代美術の文脈で活動した Louise Bourgeois の回顧展です。
それなりに観る機会のある作家ですが、美術館規模の回顧展で観るのは
Annette Messager [
Alec Soth: 
2000年代以降に活動するアメリカの写真家 Alec Soth の個展です。
グループ展やコレクション展示で観たことががあるかもしれませんが、
2022年の神奈川県立近代美術館 葉山での個展は見逃しており、意識して観るのは初めてです。
生活感のある室内の写真やポートレートなど私的な雰囲気の強い作風でしょうか。
最初期の 
その中では かんのさゆり の東日本大震災の津波被害地 (女川でしょうか) 復興の風景を撮った写真は、
題材の点で 畠山 直哉 の陸前高田を撮ったシリーズを思い出されつつも、風景の中に「津波の木」 [
大田黒 衣美 の作品はドキュメンタリ的ではなくむしろ造形的なもの。
オブジェを組み合わせての写真は20世紀半ばの美術ぽい形式性と思いつつ、
チューイングガムで作ったものを猫の背中に乗せて撮ったものと気付き、その光景を思い浮かべて、微笑ましくなりました。
正門横スペースで、2024/11/29から2025/01/13までの間、
Philippe Parreno
最も印象に残ったのは、Marilyn Monroe が1955年に住んでいたニューヨークの高級ホテル Waldorf Astoria のスイートルームを題材とした作品です。
人のいた気配はあるけれども無人のスイートルーム内を漂うように捉えつつその様子を語るようで微妙に食い違いのある女性のナレーションが添えられたビデオが大きく投影されます。
ほぼ同じナレーションで2巡目に入ると、軽い機械の音を背景にホテルの便箋に文字をダブらせるようにペンを滑らす様子が投影されるのですが、
やがてカメラが引くとペンを走らせていたのはプロッターであり、スイートルームもセットであったことが明かされて、ビデオは終わります。
ビデオ作品 
そういった時間空間演出とは違うものの、窓越しの周囲の緑と外光が美しい展示空間を生かし、
そんな空間にヘリウムガス封入の魚型のバルーンを漂わせた