この週末土曜は昼過ぎに渋谷松濤へ。この展覧会を観てきました。
須田 悦弘
まるで本物かのようにリアルな草花の彩色木彫とそれを使ったインスタレーションを作風として、
1990年代から現代美術の文脈で活動する作家 須田 悦弘 の、1990年代から現在に至る活動を追う回顧展です。
現代美術のグループ展で観る機会は多くありましたが、美術館クラスの個展を観るのは『泰山木』 (原美術館, 1999) [鑑賞メモ] 以来、四半世紀ぶりです。
学生時代など最初期の作品が多く展示されており、
卒業制作《朴の木》 (1992) や銀座の野外の駐車場で展示された《東京インスタレイシヨン》 (1994) に、中に入る形で体験できました。
『The Ginburart』 (1993) などゲリラ的な街中展示の1990年代を思い出しつつ、
自律した彩色木彫作品というより、スタート時点から空間というか鑑賞体験を演出すること込みの作品だったのだと、改めて認識しました。
ちなみに、卒業後に1年在籍した日本デザインセンターでのパッケージデザイン、イラストレーションの仕事まで展示されていました。
彩色木彫だけでなく最近はプラチナな金のものもあるようですが、
主張の強い現代美術作品の中で、時には雑草のような草花の彫刻を展示することで見落としがちな所へ視線を誘導するようなささやかなインスタレーションに、
内藤 礼 の作品に近い趣があります。
密度の高い展示でささやかさの趣はだいぶ削がれてしまったかなとは思いましたが、
それでも、隅っこなど建物の所々に仕掛けられたインスタレーションを楽しみました。
最も新しい作風の作品は、2023年以降、杉本 博司 の依頼により始まったという古美術の補作。
といっても古美術をネタにしている所など、須田 というより 杉本 の作品に近いセンスを感じました。
美術館に着いたのは12時半頃、館内はそれなりに人が多いと感じる程度で、入館の列はありませんでした。 しかし、14時前に美術館を出る時には、入口の外に入館を待つ行列ができていました。 まさか行列ができるほどの人気とは予想していなかったので、びっくり。混雑する前に観るられて良かった。
会場入口に鎮座した「歌い」ながら熟して腐敗していく果物静物 «Decomposition» (2021-)、
Bozak のせいかその映像を使ったバリエーションにも感じられた «Piano Solo: Belle-Île» (2021-/2024) など、近年の近作や、
奥の展示室を使って暗闇の中に浮かび上がる鉄琴を鳴らすインスタレーションなども良いのですが、
やはり、«I/O» (2011) や «鬼火» (2013) のような、ブリコラージュ感満載の作品の方が好みでしょうか。
そういう点では、近代以前の西洋美術のコレクション展示を主とするアーティゾン美術館では難しいと想像されますが、
«Moré Moré (Leaky)» のような水を使った作品が無かったのは残念でした。
この美術館に期待することではないとも思いますし、自分が今までこの作家の作品を観てきた場所の印象に引き摺られているようにも思いますが、
過去の痕跡の残る古い建物を使ったオルタナティブスペースに置かれたブリコラージュの持つ雑然さが持つ面白さが漂白されてしまったようにも感じました。
1911年フランス生まれで1930年代にニューヨークへ移住、1940年代から2000年代まで現代美術の文脈で活動した Louise Bourgeois の回顧展です。
それなりに観る機会のある作家ですが、美術館規模の回顧展で観るのは
Annette Messager [
Alec Soth: 
2000年代以降に活動するアメリカの写真家 Alec Soth の個展です。
グループ展やコレクション展示で観たことががあるかもしれませんが、
2022年の神奈川県立近代美術館 葉山での個展は見逃しており、意識して観るのは初めてです。
生活感のある室内の写真やポートレートなど私的な雰囲気の強い作風でしょうか。
最初期の 
その中では かんのさゆり の東日本大震災の津波被害地 (女川でしょうか) 復興の風景を撮った写真は、
題材の点で 畠山 直哉 の陸前高田を撮ったシリーズを思い出されつつも、風景の中に「津波の木」 [
大田黒 衣美 の作品はドキュメンタリ的ではなくむしろ造形的なもの。
オブジェを組み合わせての写真は20世紀半ばの美術ぽい形式性と思いつつ、
チューイングガムで作ったものを猫の背中に乗せて撮ったものと気付き、その光景を思い浮かべて、微笑ましくなりました。
正門横スペースで、2024/11/29から2025/01/13までの間、
Philippe Parreno
最も印象に残ったのは、Marilyn Monroe が1955年に住んでいたニューヨークの高級ホテル Waldorf Astoria のスイートルームを題材とした作品です。
人のいた気配はあるけれども無人のスイートルーム内を漂うように捉えつつその様子を語るようで微妙に食い違いのある女性のナレーションが添えられたビデオが大きく投影されます。
ほぼ同じナレーションで2巡目に入ると、軽い機械の音を背景にホテルの便箋に文字をダブらせるようにペンを滑らす様子が投影されるのですが、
やがてカメラが引くとペンを走らせていたのはプロッターであり、スイートルームもセットであったことが明かされて、ビデオは終わります。
ビデオ作品 
そういった時間空間演出とは違うものの、窓越しの周囲の緑と外光が美しい展示空間を生かし、
そんな空間にヘリウムガス封入の魚型のバルーンを漂わせた
Gustav Metzger
Metzger は1926年ドイツ・フランケン地方のニュルンベルグ生れながらユダヤ系のため1939年に最後の Kinderstransport (ナチス支配地域からの子供たちの組織的な救出活動) でイギリスへ。
戦後に Fluxus にも近い位置で活動した作家で、
1960年に提唱した Auto-destructive art (自動破壊芸術) は、
Ealing Art Collage 時代に彼に師事した Pete Townshend のロックバンド The Who の破壊パフォーマンスの着想源としても知られます [
そんな背景から、お騒がせ荒っぽいパフォーマンスを記録したドキュメントを中心とした雑然とした展示を予想したのですが、むしろ、会場はスッキリ。
最初期のドローイングに始まり、ユダヤ系の背景を持つ作家らしくホロコーストを題材としたコンセプチャルでミニマリスティックなインスタレーションなど。
ボコボコにした自動車 “Kill The Car” (1996) など、らしい作品もありましたが、むしろ、結果として現代アートのトレンドに沿うような作風。
Auto-destractive art の腐食する物体をとらえた写真や動画なども、むしろ、同時代の抽象表現主義 (Abstract-Expressionism) にも近いものを感じました。
Metzger の作品をまとめて観る機会など日本では滅多になさそうなので、観てよかったでしょうか。
伝説的に言われていることを通して知ることと実際に作品を観ることの違いを実感した展覧会でした。
MUSEUM MMKからTOWER MMKへは、せっかくなので、中世の雰囲気の残る
Exhibition 1のタイトルは『NEW JAPANESE PHOTOGRAPY 1974→2024』。
この50年の日本写真史を辿るものではなく、50年後の「今」を切り取る企画です。
明示的なやり方ではなく歴史的な経緯のある箇所をコンセプチャルに撮る「くにをあるく」、より形式的な作風の「象ることの意味」、ドキュメンタリ的な「分からなさを分ける」の3部構成でしたが、
やはり「象ることの意味」が好みでした。
中でも、変化がある箇所を差分情報としてデータ化する動画のエンコーディングの特徴を使い
動きのある箇所だけブロックノイズのある動画からスチル写真を切り出した 福嶋 幸平 の作品が印象に残りました。
ブロックノイズのようなものを作品に取り込む場合、デジタル的な面を強調するような使い方が多いように思うのですが、
自然を捉えた写真に対して部分的なテクスチャ加工をするような使い方が新鮮でした。
Exhibition 2『その「男らしさ」はどこから来たの?』は、男性のみで構成された 
Exhibition 3『Alternative Visions: A Female Perspective』は、
束芋 『そのあと』
束芋 はアニメーションを主なメディアとして現代アートの文脈で活動する作家です。
最近は大掛かりなインスタレーションや舞台作品でのコラボレーションに積極的に取り組んでいましたが [
版画・印刷物を通して20世紀初頭の戦間期の欧米や日本のモダンな文化の諸相を見る展覧会です。
展示は、関係する作家の第一次大戦前 Belle Époque 期の仕事に始まるのですが、
この時代の André Hellé の 
1923年にフランスで設立された Société des peintres-graveurs indépendants (独立版画家協会) 関連作品を集めたコーナーがあり、
この協会の設立した Jean-Émile Laboureur の20世紀初頭の版画が一つの展示の軸となっていました。
George Barbier らのモード挿絵の華美とは違った、Laboureur のモノトーンの優美さに気付くことができました。
東京都写真美術館のコレクションに基づく展示は、写真と、それに関する写真家自身や批評家などの言葉を並置するという企画でした。
白黒もしくはカラーでも比較的彩度が低い、構図や焦点のコントロールの効いた形式的な画面作りをした、
しかし、抽象度が高いというよりかすかにナラティブが湧き上がってくるような、そんな写真が多く集められていました。
その写真と言葉の組み合わせの妙を、というより、そんな写真たちが作り出す落ち着いた雰囲気を楽みました。
構成としては、Berenice Abbott を入り口に、彼女が見出した Eugène Atget や彼女が師事した Man Ray を補助線に、それらの作風などに絡めて他も選ばれているようでした。
杉浦 邦恵 [
『日本現代美術私観』の導入部でもある1990年代半ばの廃校舎や街中を使ったアートイベント (IZUMIWAKUやモルフェなど) に
パフォーマンスを含めた作品で参加していたのを度々観ていた 開発 好明 の個展です。
今の自分の関心や好みとはすれ違ってしまった感はありましたが、
自分がチェックしなくなった2000年代以降のプロジェクトが多く、
1990年代当時観たものがこういう形で展開していったのか、と感慨深く観ました。
